Au cours de l'histoire millénaire du travail muséal sur la péninsule Apennine, non seulement des volumes colossaux de matériel se sont accumulés, mais aussi une culture spécifique de sa présentation s'est formée. De plus, la valeur artistique immédiate de l'exposition devient un concept ambigu, parfois plus important est l'idée qui l'unit et la complexité de l'exposition qui en résulte. Par exemple, l'exposition organisée il y a six mois par le grand artiste vénitien de la Renaissance Giovanni Bellini, a tout d'abord frappé les portes d'autel nouvellement combinées, généralement stockées dans différents musées à des milliers de kilomètres les uns des autres, ou avec des planches de collections privées. apporté de l'arrière-pays américain. L'exposition "Giotto et Trecento" a réuni un nombre colossal de maîtres italiens de Milan à Naples et leurs contemporains français de diverses qualités, d'une manière ou d'une autre influencé ou influencé l'innovateur toscan.
L'exposition de Sienne a réuni sous un titre commun, emprunté au romantisme, non seulement des expositions de différents pays, des œuvres de différentes époques, des matériaux de propriétés différentes - mais aussi des artistes de divers degrés de santé mentale, dont certains sont généralement indirectement liés à l'art.. Ici, bien sûr, le service est plus important, et dans une plus grande mesure - celui qui sert: le conservateur Vittorio Sgarbi. Un politicien et historien de l'art, connu pour l'utilisation de méthodes politiques dans la critique d'art - la substitution de concepts et de provocations. Participant actif aux manifestations étudiantes en 1968, candidat à la mairie de Pesaro du Parti communiste en 1990, fondateur du mouvement libéral Sgarbi en 1999, puis allié de Silvio Berlusconi, grâce auquel il devient secrétaire du ministère de la Culture en 2001. En parallèle, il écrit des livres sur les maîtres et les œuvres de toutes les époques et produit des vidéos sur l'histoire de l'art. Une combinaison spécifique à l'Italie.
Après tout, un musée ici n'est pas seulement un espace d'exposition, et une exposition n'est pas seulement un événement culturel. C'est une expression de l'esprit du temps: de la passion pour la collection parmi les familles aristocratiques et la dépendance directement proportionnelle de la richesse des collections à l'influence du propriétaire - au futurisme, qui suggérait la destruction des musées, et en même temps le temps a reconstruit la société (les futuristes sont presque le seul parti artistique et politique de l'histoire: Marinetti était ami avec Mussolini et était fier que certaines des idées politiques du fascisme aient été avancées par lui). Un événement muséal est toujours un spectacle, avec une théâtralité inhérente à toute vie italienne: choquant, science, politique, intrigue y sont étroitement liés. Il est à la fois superficiel et profond, parle du momentané et de l'éternel, drôle et fait pleurer. Et il a toujours besoin de la scénographie - de l'architecture.
L'exposition "Art, Génie, Folie" a présenté dans 10 salles thématiques le côté déroutant et controversé de la création artistique. L'exposition est conceptuelle (il est encore impossible de l'appeler thématique, puisque le sujet est interprété très largement et pas toujours littéralement), le matériau est spécifique et hétérogène (des œuvres de Van Gogh aux œuvres des patients du mental de Sienne hôpital), les spécialistes impliqués sont issus de sphères professionnelles très différentes (artistes, historiens de l'art, psychiatres). Les salles du Palazzo Squarchalupi se sont avérées remplies de planches de compositions d'autel du XVe siècle dans le style de Bosch, de petites compositions de genre représentant le traitement de la folie au XVIIe siècle, de toiles et de feuilles graphiques de Van Gogh, Munch, Kirchner, Otto Dix et Max Ernst, œuvres d'artistes contemporains sous la direction de médecins d'un profil correspondant à l'idée de l'exposition, ainsi que les vêtements des patients et le matériel médical des hôpitaux psychiatriques des siècles passés. Dans de telles conditions, le design joue l'un des rôles principaux, sinon le premier, à savoir qu'il clarifie le concept, aiguise les accents, unit des matériaux d'époques et de qualité différentes, apparus sous le même toit et dans les mêmes murs à la demande. de «l'auteur» de l'exposition.
10 thèmes proposés par le commissaire - 10 interprétations et approches différentes de l'interprétation du phénomène de la folie - sont distribués dans les salles respectives. Une vision multiforme exigeait un matériau différent, parfois difficile à accepter. L'organisation de l'exposition sauve le problème de la vulgarisation, dans laquelle des objets hétérogènes sont convenablement systématisés et décorés, et les espaces d'exposition ont été interprétés conformément aux thèmes qui auraient dû y être présentés.
Le spectateur est progressivement «introduit dans le sujet»: derrière la salle avec la sculpture italienne du XXe siècle, qui lui sert de préambule, suit la partie historique de l'exposition, située dans un long couloir et constituée d'œuvres d'art du début du 16e au 18e siècle, représentant des images de fous de cette époque et de cette histoire.étudier le sujet, ainsi que - à partir de modèles anatomiques du cerveau et de camisoles de force vintage. Ces derniers, placés dans un contexte «artistique» et élégamment intégrés à l'exposition, sans perdre leur caractère «cognitif», se regardent en même temps comme des objets d'art.
De plus, une étude rétrospective du phénomène, accompagnée du travail des patients des hôpitaux de ce profil, dépeignant leur vie quotidienne hospitalière (Cesare Lombroso, Paris Morgiani), est reliée à «l'exposition principale» divisée en étages par un escalier, à le pied duquel se trouve un puits utilisé comme support d'exposition pour le relief du maître marginal siennois Filippo Dobrilla, notre contemporain. La partie historique se termine par une salle de portraits-personnages du sculpteur du XVIIIe siècle Franz Messerschmidt, qui dans les dernières années de sa vie a été endommagé dans la raison, mais a conservé l'ingénieuse capacité de reproduire le corps humain.
Ensuite, l'exposition est divisée en salles représentant divers aspects de la relation entre l'art et la folie. Van Gogh, Kirchner, Strindberg et Munch sont unis en tant qu'artistes qui ont travaillé à l'époque de Nietzsche (dont l'attitude sur le sujet est très directe), ainsi que des héros constants de recherche sur le sujet indiqué dans le titre de l'exposition. La salle "General Madness: War Through the Eyes of Artists" - d'une part, présente une autre version de la folie, d'autre part - un problème important dans l'histoire de l'art du XXe siècle. Voici les artistes pour qui la guerre est devenue le leitmotiv de la créativité, le thème qui a glorifié ces maîtres: Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix.
Les salles où sont logées les œuvres des fous eux-mêmes contiennent des œuvres de la collection du psychiatre Hans Prinzhorn de Heidelberg, du musée d'Art Brut de Lausanne, ainsi que les fruits de la créativité des patients des asiles italiens fous, systématisés selon un principe monographique. Des œuvres d'Antonio Ligabue, une sorte de primitifs rappelant Henri Rousseau, des compositions graphiques de Carlo Dzinelli, étonnantes par leur composition et leur structure de couleur - ce sont quelques exemples de ce qu'on appelle. étrangers à l'art, il y a longtemps est devenu un objet de collection. Le dernier thème est la salle des artistes travaillant dans un style frisant la folie, appelée "La folie claire du XXe siècle": il y a des œuvres surréalistes et une exposition de l'actionnisme viennois, qui, en général, a absorbé les éléments de tous les ce qui précède. Le Hall 10 est une sorte de quintessence de tout ce qui est vu - pas au niveau de la qualité artistique, mais au niveau des idées. En tout cas, le travail des fous est plus harmonieux que les corps sanglants des membres du groupe viennois. Et à ce stade, le spectateur, ayant vu plus de 400 expositions sur le thème des troubles mentaux, comprend que l'exposition ne donne pas de réponse à où est le génie et où est la folie, et n'essaie pas de donner, mais soulève en plus de nouvelles questions sur le critère de «normalité» et à son sujet de relativité en général.
Une tentative, peut-être, non pas de résoudre le problème, mais de tout mettre en un seul système, prend sur elle la conception de l'exposition. Dans l'architecture de l'exposition, la normalité «documentée» ou la reconnaissance muséale de l'artiste se reflète dans le caractère de l'intérieur de la salle. Les salles avec Van Gogh, Otto Dix et les actionnistes ont un affichage classique: les peintures sont accrochées aux murs et éclairées avec la bonne lumière du musée. Les salles avec les œuvres des «fous» se sont révélées être un terrain pour l'activité de fantaisie architecturale et d'exposition: les œuvres sont suspendues à une ligne de pêche le long d'un guide cassé ou encastrées dans des cadres métalliques et placées au milieu de la salle à des angles différents les uns par rapport aux autres. C'est ainsi que leur spécificité est préservée et mise en valeur. L'originalité des objets exposés est cohérente avec les spécificités des œuvres et sert de ligne fine qui non seulement sépare néanmoins le grand art de la créativité des marginalisés, mais donne aussi à ces derniers une «exposition», dans une certaine mesure un «musée» personnage.
Le travail des architectes du Studio Milani joue un rôle presque prépondérant dans la perception du matériel d'exposition. Il est difficile de parler ici d'une «incarnation directe des idées du commissaire», car le style de ce bureau est clairement visible dans l'architecture de l'intérieur de l'exposition. Mais c'est au sens plein de l'architecture, cohérent avec le concept de client, dans ses formes correspondant à la fonction, racontant son contenu, dirigeant le mouvement du visiteur et, ainsi, interprétant l'idée de la structure (c'est-à-dire l'espace d'exposition). Structures légères, matériaux - métal, plastique, verre, formes laconiques font référence au style des expositions italiennes des années 1930, conçues par des architectes - partisans de la version italienne du mouvement moderne - rationalisme, avec leurs designs minimalistes et leur talent exceptionnel pour véhiculer le concept d'exposition par de petits moyens. Cependant, ici le module rectangulaire qui prévalait dans les années 1930 est remplacé par un triangle (forme dynamique), la lumière violette (la couleur de la folie) vient s'ajouter aux couleurs neutres des vitrines, et certaines parties des stands sont des surfaces réfléchissantes. Le résultat est un espace dynamique avec une trajectoire brisée de mouvement, se multipliant dans les reflets de lui-même, répondant non seulement au thème de l'exposition, mais, de plus, à l'esprit de modernité en général.
Aussi mince que la ligne entre génie et fou, entre fou et artiste, entre le produit d'une conscience malade et l'art, elle peut s'avérer très conditionnelle entre le visiteur de l'exposition et les auteurs des œuvres qui y sont présentées, entre le monde réel et le monde des idées inventées et des images fantastiques. Les grilles métalliques utilisées dans la conception, d'une part, portent l'esthétique de l'architecture moderne des structures légères, d'autre part, elles ressemblent aux grilles des hôpitaux psychiatriques. Les trajectoires brisées des itinéraires de l'exposition ne sont pas seulement les lignes des espaces du déconstructivisme, mais aussi une métaphore de la psyché brisée. Lumière neutre combinée à un éclairage violet - non seulement l'éclairage des intérieurs minimalistes, mais également des couloirs d'hôpitaux. Le design, qui réunissait des œuvres de contenu et de nature différents, compare comme si leurs auteurs avec le spectateur: dans les plans des vitrines, parmi les objets exposés, le visiteur voit périodiquement son reflet. De plus, le parcours à travers les quatre étages de l'exposition, transformé en labyrinthe par les efforts des architectes, est assez long non seulement pour s'habituer à l'espace muséal, mais aussi pour aborder les «héros» de l'exposition dans notre état émotionnel.
C'est l'implication du spectateur dans le monde insensé de l'art et le monde fantastique des fous - soit une idée philosophique des conservateurs d'art, soit une expérience de psychiatres, soit une trace Zeitgeist. Une véritable architecture d'idées mise en œuvre ne crée pas, elle les incarne, elle apparaît au bon moment au bon endroit. Et le fait n'est pas seulement qu'en Italie, depuis 1978, les hôpitaux psychiatriques d'État ont été fermés, c'est-à-dire que la folie est considérée comme un "type différent", mais pas une maladie, et pas qu'une petite, raffinée, extrêmement conservatrice dans ses fondations Sienne a ouvert ses propres portes pour une exposition, où une partie importante des expositions peut difficilement être qualifiée d'œuvres d'art au sens habituel. Cette exposition vous fait regarder non seulement le monde de l'art et y voir une part de folie, mais aussi le monde des fous - et y voir les éléments de la vie quotidienne, et ainsi ressentir la subtilité de la ligne qui sépare ces mondes. C'est aussi une raison de détachement, de détachement, qui est au service de l'art, qui fait partie intégrante des déviations mentales et qui aide à voir les choses sous un jour nouveau. Et pour cela, le clos, situé sur une colline, séparé du reste du monde par les plaines toscanes de Sienne, est le mieux adapté.
Lors de l'examen de la dernière salle, le stress émotionnel atteint sa limite et donne envie de sortir au grand air - et l'exposition emmène le visiteur dans une pièce lumineuse et vitrée donnant sur les murs médiévaux de Sienne. Seules les lettres du nom de l'exposition accrochées au mur rappellent ce qu'il a vu, ce qui provoque une réflexion lumineuse sur ce qui manque à l'exposition: des pages de "Journal d'un fou" ou "Cauchemar" de Fuesli … Mais le soleil toscan et la pierre et le marbre du palais de Sienne illuminés par celui-ci au contraire, ils évoquent la «clarté du génie italien» tant appréciée par Welflin.
Exposition Arte, Genio e Follia. Il giorno e la notte dell'artista a lieu dans le complexe du musée Santa Maria dela Scala, Palazzo Squarchalupi JUSQU'AU 21 JUIN 2009.
Organisé par Vittorio Sgarbi
Direction académique: La Fondation Antonio Mazzotta
Conception architecturale: Studio d'Architettura Andrea Milani
L'exposition rassemble plus de 400 œuvres des principaux musées d'art d'Europe (Orsay, Centre Georges Pompidou, Prado, Brera, etc.), des collections thématiques (Musée Art Brut, Lausanne, Collection du psychiatre Prinzhorn, Heidelberg) et des musées de l'histoire de la médecine (Musée d'histoire de la médecine Université de Rome "La Sapienza", Musée d'histoire de la médecine du nom de René Descartes, Paris, etc.).
Salles thématiques: Picture of Madness (des œuvres attribuées à Bosch à nos jours), Genius and Madness au temps de Nietzsche (Van Gogh, Munch, Strindberg, Kirchner), General Madness: War through the Eyes of Artists (Renato Guttuso, Mario Mafai, Georg Gross, Otto Dix), The Art of the Mad: Dedication to Hans Prinzhorn (œuvres de la collection du psychiatre Hans Prinzhorn à Heidelberg), Art Brut (œuvres de la collection Art Brut de Jean Bubuffet, Lausanne), Quelques exemples italiens entre normalité et folie (œuvres de Carlo Zinelli, 1916-1974, Pietro Gidzardi, 1906-1986, Tarcisio Merati, 1934-1995), Voyage en Toscane (les villas et châteaux toscans dans lesquels se trouvaient les hôpitaux psychiatriques sont célèbres pour leur patients talentueux: Filippo Dobrilla, Evaristo Boncinelli, Venturino Ventruri, Belarges, etc. La pure folie de l'art du XXe siècle (du travail surréaliste à l'actionnisme viennois).
