Sergey Estrin:
- Il est difficile d'élaborer un critère clair pour évaluer le niveau du travail graphique. Si vous partez du contraire, de ce que vous n'aimez pas, alors vous n'aimez certainement pas que des dessinateurs talentueux reproduisent des photographies. Ces graphiques ne sont frappants que dans la mesure où ils véhiculent des images avec la plus grande précision, ses images ressemblent à des images vivantes. Pour moi, ce n'est certainement pas un critère de sélection. Il est important pour moi que lorsque je regarde une œuvre, j'ai immédiatement envie d'y réfléchir. Pour que toute une gamme d'images associatives, d'allusions, voire de sensations et d'émotions apparaissent. J'aime quand vous commencez à suivre la ligne, comment l'auteur la dirigeait, et j'aime me demander pourquoi il l'a fait de cette façon et pas autrement. C'est à peu près la même chose avec l'architecture - je suis fasciné par les bâtiments ambigus, quand on peut profiter de différents angles, de différentes images émergentes et de découvertes …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
J'adore ses graphismes. C'est très différent. Bunin avait, par exemple, une période où il peignait par taches. Enfant, j'avais des livres avec ses illustrations. Je me souviens de ses incroyables illustrations pour Pouchkine. J'aime beaucoup la façon dont il a travaillé avec les paroles d'Omar Khayyam. Ou ce dessin: par la vivacité de la ligne, par la sous-estimation - c'est une œuvre intéressante. Bunin n'a pas besoin de dessiner la figure entière, le volume entier, c'est superflu - la ligne elle-même, la façon dont elle se déroule et transmet le sens de l'image. Quelque part, il semble que la main a tremblé, la ligne se brise - mais ce n'est pas parce que l'artiste est faible, mais parce qu'il est nécessaire de transmettre le sens. Et maintenant, vous regardez cette ligne - intermittente, nerveuse, d'épaisseur différente - et elle dit tout ce qui est nécessaire. Pour moi, c'est le plus haut niveau, des graphismes absolument incroyables. De plus, je suis sûr que Bunin a peint cela sans aucune préparation, le modèle à peine posé pour lui. J'essaye volontairement de répéter cette manière de tracer la ligne, je dessine des montagnes comme ça … De cette manière - en demi-lignes - beaucoup d'artistes essaient de dessiner, mais tous n'y parviennent pas. ***
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
J'ai pris connaissance de son travail à l'institut. Noakovsky - architecte et graphiste russo-polonais, a vécu au tournant des XIXe et XXe siècles, avant la révolution, il enseignait à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, était membre de l'Académie impériale des arts. Il était un grand aquarelliste, peint des monuments architecturaux. Les étudiants l'adoraient. Une photographie a survécu où il dessine à la craie sur une ardoise lors d'une conférence, expliquant les styles architecturaux. J'imagine vivement comment il montre d'abord ce qui distingue, disons, le style rococo - les proportions, les éléments, les combinaisons, le rapport des échelles des murs et du décor. Et il fait tout cela rapidement, en quelques coups, mais de manière à capturer l'essence. C'est-à-dire à un niveau très artistique et professionnel. Je peux imaginer à quel point les élèves ont été contrariés quand il a lavé une chose et commencé à en dessiner une autre, peut-être pas moins brillante …
La même chose est dans ces aquarelles: l'essentiel est véhiculé ici. Noakovsky n'avait pas besoin de dessiner chaque détail, chaque relief, comme s'il copiait une photographie. Au lieu de cela, il se concentre sur l'essence: il transmet l'espace, la puissance, le rythme, les proportions, les impressions d'eux. Cela ressemble beaucoup au fonctionnement de notre mémoire en général - de petites choses sont effacées, laissant une image commune qui nous a impressionnés. Il en va de même pour Noakovsky - il saisit toute l'image. Une approche très architecturale, très correcte, me semble-t-il, du dessin. ***
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Pour être honnête, tout dans le travail de Piranesi ne me touche pas. Monuments antiques, vues de Rome, ses paysages architecturaux ne me font pas sentir fort. C'est très bien fait, pensé, vérifié, mais ne vous inquiète pas. Et tout autre chose, ce sont ses fantasmes sur le thème des prisons, ses "Donjons" - une série de 16 feuilles. Des folies architecturales, totalement impossibles en réalité, dans lesquelles il ne se limitait plus à rien. Dans ces fiches, il a construit un monde transcendantal, complexe, fascinant, mystique, passionnant. Une fois, j'ai acheté un livre entier pour quelques reproductions des donjons de Piranèse. Ces œuvres sont très personnelles, émotionnelles et, surtout, très modernes, bien qu'elles aient été publiées pour la première fois au milieu du XVIIIe siècle. ***
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Père d'Alexandre Brodsky. Diplômé de l'Institut d'architecture de Moscou. Et dans son livre graphique, en effet, un architecte se fait sentir. Il y a un contraste, des proportions, une sorte de sévérité, bien sûr, un sens de la ligne et de la forme - tout cela ensemble fait une forte impression. Il sait comment préparer habilement le sujet - regardez ces têtes qui crient, il y en a tellement qu'il semble que vous puissiez déjà entendre, ressentir physiquement leur rire. Les figures de Don Quichotte et de Sancho au centre de cette mer de têtes sont dessinées comme si elles avaient été réalisées par un sculpteur. Très bons graphismes. Pour ses illustrations à Don Quichotte, Savva Brodsky a reçu une médaille d'or à la Foire du livre de Moscou et a été élu académicien correspondant par l'Académie royale espagnole des beaux-arts.
Et ses feuilles pour Roméo et Juliette sont également étonnantes et très architecturales. Ceci est démontré par le fait même qu'il s'agit d'une série - c'est-à-dire que l'auteur donne le rythme et, par conséquent, travaille en tant qu'architecte. Il y a des axes, une perspective qui s'étend à l'infini et des figures sculpturales qui définissent l'échelle de cette colonnade et de la nef. Très beau. Brodsky sait comment transmettre le point de vue d'une personne qui regarde les géants. En tant qu'architecte, je comprends absolument tout ici, c'est peut-être pour cela que je l'aime. ***
5.
Egon Schiele (1890-1918)
L'artiste autrichien, élève de Klimt, après sa mort, était en fait l'artiste numéro un en Autriche, mais est décédé à l'âge de 28 ans d'une femme espagnole. Il possède de nombreux tableaux et plusieurs milliers de dessins. Son travail est très intéressant. Un talent incroyable. À la fois reconnaissable et diversifié. Peut-être, s'il avait vécu une longue vie, serait-il devenu sculpteur, parce que ses choses sont très sculpturales, et peut-être même architecte … Il voit très correctement, enlève les choses inutiles et ajoute une émotion inhabituellement vive. Il a une ligne incroyablement merveilleuse, comme un nerf nu. Sa peinture est indissociable du graphisme. Même les choses qui sont peintes sont absolument graphiques.
Ses portraits ne sont en aucun cas une caricature, pas une caricature, où ils tentent également de capturer l'essentiel. Il change aussi un peu les proportions, les étire. Schiele a une école merveilleuse, il connaît certainement à la fois les proportions et l'anatomie, mais il sait les aiguiser et les transmettre de telle sorte que chaque ligne commence à sonner avec un nerf étiré, vous pouvez presque l'entendre.
Et ses dessins d'architecture, beaucoup moins publiés que les portraits, sont tout simplement magnifiques dans une partie de leur simplicité. Et ici, il voit aussi l'essentiel. Il semblerait que les maisons les plus ordinaires, personne ne penserait à les capturer. Mais quelques accents - et d'eux vous reconnaîtrez le début des années 1900, l'ambiance de la modernité, bien qu'il n'y ait pas une seule ligne de la modernité, de l'art nouveau ici. ***
