Un architecte et un artiste n'a pas besoin d'une présentation spéciale, même auprès du public européen. Il est l'un des architectes russes les plus connus à l'étranger. En 2006, ses œuvres ont représenté la Russie à la Biennale de Venise, et maintenant elles sont conservées dans les collections d'un certain nombre des musées les plus importants du monde: le Musée allemand de l'architecture (Francfort), le MOMA Museum of Contemporary Art (New York), le A. UN V. Shchusev. En Europe, Brodsky est surtout connu pour ses projets «papier»: de nombreux concepts créés avec Ilya Utkin pour des concours d'architecture japonais. Les œuvres «solos» de Brodsky - installations à la frontière entre l'architecture et l'art contemporain, ainsi qu'un certain nombre d'objets réalisés de petites formes - intérieurs, restaurants, pavillons conceptuels, sont également connus en Occident.
Les œuvres sélectionnées pour l'exposition couvrent la période des trente dernières années et donnent une idée des différentes techniques dans lesquelles travaille l'architecte. Dans le hall du premier étage d'exposition du musée - les œuvres de Brodsky dans des œuvres plus traditionnelles. Il s'agit d'un dessin au crayon, d'une gravure, d'une sérigraphie. Un étage au-dessus - de nouvelles œuvres créées spécialement pour cette exposition: "graphismes" en argile et dessins à l'encre sur feutre de toiture.
Malgré la variété des techniques, toute l'exposition ressemble à une seule déclaration destinée à familiariser les visiteurs avec les principaux thèmes et motivations du travail de l'architecte. Au centre de la poétique de Brodsky se trouvent des mondes conventionnels, fantasmagoriques, présentés, si l'on parle avec un certain degré de convention, dans le style de la présentation architecturale classique: façade, coupe, perspective, vue générale. L'artiste se concentre sur des compositions hors du temps, plus précisément - après les temps, les traces laissées par les hommes et l'histoire.
Dans les salles de chambre, ou comme le personnel du musée lui-même préfère les appeler, les «bureaux» du rez-de-chaussée sont des œuvres des années 80 - début des années 2000. Ici, Brodsky est le successeur du pyranésianisme avec sa monumentalité et sa fantasmagoricité, cependant, son regard est toujours celui d'un postmoderne avec une ironie caractéristique, une superposition de significations et une ouverture à diverses interprétations. L'un des thèmes est l'unité du chaos et de la beauté classique, de l'entropie postmoderne et de l'imagerie de la Renaissance. Son expression est à la fois dans des perspectives fractales chaotiques avec l'introduction d'éléments architecturaux primaires - pyramides, et dans l'apparition d'un pendule oscillant sous une composition classique fractale, et le chaos industriel inscrit dans l'espace du dôme dans une section longitudinale, installé sur le fondation à côté d'un tuyau industriel. L'esthétique de la Renaissance et le motif du carnaval vénitien peuvent être entendus dans les portraits allégoriques d'un certain caractère conventionnel. Sur l'un d'eux, comme pour donner un indice au public, Brodsky le qualifie d'architecte. Le reste des portraits allégoriques rappellent à la fois les héros des mystères médiévaux et de l'atmosphère "carnivalisée" de la comédie Del Arte, et sont, entre autres, une paraphrase des célèbres allégories des éléments primaires de Giuseppe Arcimboldo, qui les surréalistes considéraient comme l'un de leurs prédécesseurs. Au lieu d'éléments primaires naturels, Brodsky possède des éléments architecturaux (une ville idéale tenue par un architecte, la Tour de Babel érigée sur des têtes de personnages), et l'esthétique du surréalisme est l'une des clés de l'immersion dans ses mondes.
Les paysages industriels de Brodsky sont empreints de la même esthétique. Ces œuvres sont une immersion dans le monde introspectif du subconscient, dans lequel les connexions logiques sont coupées (ou, plus précisément, elles semblent coupées), et le monde dont une personne est éloignée devient le héros. Le même thème constant avec lequel travaille Brodsky: un homme était là et a laissé des traces.
La plupart des expositions ont été laissées «sans titre». Ainsi, le spectateur est privé des invites textuelles, qui sont si acceptées dans l'art moderne. Bien sûr, le spectateur idéal de Brodsky est un érudit spécialiste de l'histoire et des arts visuels, capable de compter les couches de significations données, capturant l'ironie postmoderne de l'artiste, tandis qu'un spectateur moins sophistiqué peut éprouver un léger sentiment d'inconfort, étant jeté dans le monde extérieur à la relations causales habituelles. Deux types de spectateurs - deux types de lecture et les interprétations du spectateur non idéal peuvent être beaucoup plus émotionnels et conduire à un flux d'associations plus libre.
L'une des œuvres les plus proches de l'illustration de livre de l'exposition, "A Place of Common Prosperity" (1998), est à la fois un salut direct aux images du Panthéon Piranesi, passé par le subconscient métaphorique de l'auteur, et une allusion au solennellement sublime désignations des objets d'infrastructure urbaine adoptés en URSS en 1960 -x: bibliothèque - «Temple de la connaissance», et, par exemple, cinéma - «Temple des spectacles». Ici, Brodsky utilise la technique de la «métaphore réalisée». Devant nous se trouve en effet le Temple, et le prototype de tous les Temples, mais la mallette conditionnelle dans le dessin donne un citoyen soviétique conditionnel, représenté sous les traits d'une créature mythique avec une queue de chien, qui est entrée dans le "Temple du Bien-être Général "boire un verre de bière.
Dans le même espace, des croquis au crayon de façades architecturales conditionnelles et un certain nombre d'objets sont également présentés. L'esthétique du surréalisme y est également facile à deviner, et l'un des objets les plus mystérieux représentés est peut-être une sorte de paraphrase de l'œuvre la plus citée de René Magritte.
L'exposition est organisée de telle manière que les croquis au crayon se révèlent être des croquis d'objets d'art de Brodsky, présentés à l'étage supérieur. Ce sont des œuvres de 2014, dont la plupart ont été créées spécifiquement pour l'exposition au musée Tchoban. Les façades réalisées selon la technique unique du "graphisme en argile" de l'auteur font référence à la fois au monumentalisme de style Empire stalinien et au château kafkaïen, inaccessible dans le cadre de la logique humaine. Voici la suite du thème principal de Brodsky - les traces laissées par le temps. La clé de l'interprétation de ces œuvres, et, en fait, la clé de l'exposition dans son ensemble, sont deux objets réalisés à l'encre noire sur une toiture de bâtiment en feutre et ressemblant à une carte et à un modèle axonométrique d'un site archéologique conditionnel. Les façades d'argile parsemées de fissures ne sont donc rien de plus que des objets d'argile du passé. Ce n'était pas sans ironie dans l'esprit du postmodernisme: le feutre de toiture est un matériau populaire dans la construction de datcha soviétique.
À cet égard, il est intéressant de rappeler les projets mis en œuvre par l'architecte Brodsky. Ils ne sont pas représentés à l'exposition, mais ils sont tous de la même manière subordonnés à l'idée de se concentrer sur les traces laissées par leurs prédécesseurs. Que ce soit le pavillon des cérémonies de vodka, construit pour le festival Art-Klyazma, la rotonde de Nikola-Lenivets ou le restaurant Prichal 95 * près de Moscou, tous ont été construits en utilisant les dessins d'autres objets qui existaient autrefois: cadres de fenêtres, portes, planches.
Il est à noter que l'exposition d'Alexandre Brodsky à Berlin a coïncidé avec une autre exposition de dessin d'architecture au Musée Martin-Groppius-Bau: "VKHUTEMAS - le laboratoire russe de la modernité" (valable jusqu'au 6 avril), présentant des dessins utopiques d'étudiants du VKHUTEMAS des années 1920. Les projets utopiques soviétiques des années 1920 et les dessins en papier des années 1980 sont les deux principaux phénomènes de la conception du papier du XXe siècle en provenance de Russie. Dans les conditions de la crise économique croissante et du monopole des grands ateliers d'architecture sur la conception de presque tous les objets les plus significatifs, un nouveau cycle de design «sur la table» est inévitable. Peut-être que les dessins architecturaux et les projets conceptuels de la seconde moitié des années 2010 pourraient un jour devenir la base des futures expositions muséales.
L'exposition est ouverte jusqu'au 5 juin 2015.
