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- Et rien, juste beaucoup …
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Il faut penser que le commissaire Aaron Betsky a profondément traumatisé la biennale d'architecture de 2008 - pour la deuxième fois le leitmotiv de l'exposition est un retour à l'architecture. Dans l'interprétation du conservateur de cette année, David Chipperfield, la tâche principale était de "re-convaincre tout le monde de l'existence d'une culture architecturale, créée non pas par des génies individuels (lire: étoiles), mais par une communauté avec une histoire commune, des ambitions communes, locaux et idées. " Par conséquent, le commissaire a confié à tous les participants invités du programme principal de la Biennale une tâche difficile: montrer leur chose la plus importante, trouver le sens profond (pour lui donner du sens). En d'autres termes, recherchez les racines, identifiez les sources et les composants de votre inspiration, les idées et images clés, la matière originale de leur travail. Afin de combiner ensuite les réponses trouvées et de voir comment elles vont interagir sur un terrain commun, ce qui signifie dans ce cas - dans l'espace d'exposition.
Le thème de la Biennale Common ground, proposé à Chipperfield par le professeur de sociologie Richard Senett, est déjà interprété dans le manifeste de manière ambiguë et à plusieurs niveaux, donnant aux participants une plus grande liberté. La première couche est la plus compréhensible - ce sont des espaces publics. Mais pas seulement les espaces publics de certains bureaux et supermarchés, Chipperfield stipule immédiatement, mais les «demi-tons les plus subtils» entre le privé et le public, les résultats de la lutte éternelle de l'individu et du général. La seconde des interprétations du sujet proposées dans le manifeste curatorial est l'interaction d'un architecte avec des professions apparentées («l'architecture nécessite un travail d'équipe», écrit Chipperfield). Et enfin, la troisième couche est la plus mince - l'arrière-plan culturel et historique, que nous avons tous d'une manière ou d'une autre en commun.
À l'entrée de Corderi, nous sommes accueillis par un mur blanc à travers la salle vide, un puits vénitien en pierre devant et plusieurs petites expositions, à première vue, complètement choisies au hasard: trois comparaisons formelles simples, accompagnées d'une courte réflexion de Bernard Chumi; une exposition-journal consacrée à Venise avec des interviews de résidents locaux; et le monument le plus amusant du modernisme, un «collage en trois dimensions» de chefs-d'œuvre du XXe siècle (dont le Melnikov Club de Rusakov), inventé par l'architecte Robert Burchart en 2009 pour un lieu très spécifique à Berlin. Trois petits projets d'exposition (franchement, pas les plus significatifs de cette Biennale) ne sont pas du tout liés. Le seul lien entre eux est l'espace commun de la salle et le terrain d'entente écrit sur le mur. Ils sont différents, ces projets, mais ils coexistent et des connexions naissent inévitablement entre eux.
Cette étrange première salle est en fait le manifeste le plus clair de toute l'exposition de Chipperfield. Plus loin le long de Corderi, ce sera la même chose: alternance, voisinage et mélange de grands et petits, spectaculaires avec informatifs, formels avec intrigue, jeunes architectes avec de vieux constructeurs indiens obscurs avec des stars britanniques célèbres - la liste est presque infinie. Le conservateur David Chipperfield semble avoir entrepris de rassembler ici un spectre de la diversité du monde architectural, vraisemblablement pour sortir collectivement de l'apparente crise de la pensée architecturale. L'Arche, pas autrement. Il y a au moins une copie de chaque créature ici.
Je dois dire que la première salle a l'air un peu effrayante: elle ressemble à une exposition surnuméraire, qui n'avait pas assez de matière pour surprendre le spectateur. Plus loin (derrière le mur) suit un sévère heureux des photographies de Thomas Strut, qui ne soulage pas immédiatement les téléspectateurs du soupçon effrayant qu'ils ne seront montrés que des images encadrées et des maquettes en carton ici et plus loin dans toute la Corderie. Mais la situation est différente: absolument incroyable, si vous les regardez de près, les photographies de Strut forment en fait le «noyau» de toute l'exposition curatoriale de l'Arsenal - son exposition est divisée en quatre parties, qui se retrouvent ensuite dans les endroits les plus inattendus.. Il s'appelle «Lieux inconscients» et montre les types d'espaces urbains «historiquement formés», dont, comme vous le savez, la majorité dans le monde: de la périphérie de Saint-Pétersbourg pendant la période éclectique, la périphérie chaotique de Lim, et aux étranges bâtiments à plusieurs étages des villes asiatiques.
Ainsi, l'exposition est construite, en fait, très clairement, même de manière classique: après un bref manifeste d'introduction, suit le début de l'exposition «pivot». Dans la salle voisine - l'impact sensoriel de l'installation de Norman Foster: un espace sombre, où sur le sol noir, rampant sur les fusils des colonnes de Corderi, la projection des noms d'architectes d'Hippodamus à Eisenmann clignote (suivant le principe de la diversité, il existe de nombreux noms de noms peu connus). Les noms des architectes sont sous les pieds, comme les pierres tombales des humbles abbés dans les églises catholiques. Certes, contrairement aux assiettes, ces noms sont si mobiles que, si vous les regardez pendant longtemps, votre tête va tourner. Au-dessus, sur les murs, accompagnés de vagues de bruit ou de silence, des photographies scintillent, rassemblées en plusieurs groupes thématiques: révolutions (dont les ukrainiens Maidan et Femen), prières, ruines, conséquences des catastrophes, certains bâtiments spectaculaires - la portée visuelle est impressionnant et oblige à inspecter. Cette salle est définitivement le premier accord de la symphonie.
Une alternance similaire: des salles émotionnelles lumineuses, des mono-halls d'un seul objet, et enfin des salles, presque remplies à ras bord de petites expositions - se poursuit dans l'Arsenal et au-delà. On pourrait penser que Chipperfield a pris des installations figuratives de la Biennale de Shojima, de la Biennale de Betsky, des objets volumineux, dilué tout cela avec des expositions «architecturales ordinaires» - et fait chercher à la fois les participants et les spectateurs du sens à tout cela. Ce qui n'est pas mal, car cela m'a fait réfléchir. L'exposition n'est pas très divertissante (même si c'est le cas, il y a de la variété), elle vous fait lire et regarder de près, chercher un concept clé et parler de sa révélation. Dans la salle de Foster, par exemple, il est littéralement révélé: les noms des architectes s'affrontent et s'affairent sur un demi-terrain commun. Mais pas seulement, bien sûr. Il s'agit d'une installation très intégrale qui inclut tous les spectateurs dans une expérience commune du son et des images.
La salle noire de Foster est suivie de la salle commune de plusieurs participants: le campus - le siège de la société pharmaceutique Novartis à Bâle, en Suisse, est représenté avec des modèles. A proximité se trouve une exposition personnelle miniature de l'architecte suisse Luigi Snozzi, âgé de 80 ans, qui «a consacré quarante ans à travailler pour le bien public» et une projection vidéo du projet Pilgrim's Way, dans laquelle de jeunes architectes mexicains ont créé un certain nombre de plates-formes d'observation., chapelles et abris le long du chemin de pèlerinage de 117 kilomètres à l'image de la Vierge Marie de Talpa. Le seul accent majeur dans cette pièce est l'objet `` Vessel '' (`` navire '' ou `` navire '') des architectes irlandais Sheila O'Donell et John Twomey, un gazebo en bois fait de planches de bois `` pour la contemplation '' (à ce titre, il est un peu comme «Ear», construit par Vlad Savinkin et Vladimir Kuzmin à Nikolo-Lenivets). En un mot, la variété est évidente.
Ensuite, il y a une pause artistique dans la petite salle de l'architecte suédois Peter Märkli et de son collègue Steve Roth. Plusieurs figures sculpturales en métal sont placées ici, autour de laquelle la plus précieuse, la Vénitienne VIII d'Alberto Giacometti, est entourée d'un garde. Le sens de l'installation est assez classique: une comparaison d'une figure humaine (qui, cependant, est devinée dans les sculptures présentées après une certaine tension) avec une colonne: les architectes ont placé les personnages à l'intersection de lignes droites imaginaires reliant les colonnes de la salle. en diagonale. Bien que cette conception subtile ne puisse être considérée que selon le schéma ci-joint, un spectateur moins attentif considérera que les personnages sont simplement alignés sur son chemin, et peut même les contourner avec agacement, jetant un coup d'œil au garde et n'appréciant pas la sophistication de Giacometti. Pendant ce temps, l'idée de la salle Märkli ressemble surtout à la précédente Biennale de Shojima: sa signification est de refléter l'architecture de l'Arsenal, c'est un thème biennal sans fin, même si l'idée ne s'y limite pas: la présence d'un le graphique proportionnel classique est plus important ici.
Puis le plaisir commence: les classiques allemands, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron et d'obscurs constructeurs indiens avec des squatters vénézuéliens. Nous en reparlerons un peu plus tard. Gardez pour les mises à jour.
