Stepan Lipgart: "Il Est Juste De Plier Sa Propre Ligne"

2024 Auteur: David Durham | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 02:34

Une famille

Wikipédia écrit que les Lipgarts sont une famille de la noblesse d'Ostsee, connue en Livonie depuis le XVIe siècle, et aux XIXe et XXe siècles, ce nom de famille était porté par des artistes, des ingénieurs et des concepteurs de sous-marins. Lesquels d'entre eux sont vos ancêtres?

Les parents de ma mère étaient des cousins au quatrième, tous deux nés Lipgarts, descendants de l'ancien nom de famille des Allemands baltes, immigrants de Pernau (aujourd'hui Pärnu, Estonie), qui avait autrefois vraiment un titre de noblesse. Mes ancêtres, cependant, l'ont perdu au début du 19e siècle. Le grand-père de ma grand-mère, Ernest Lipgart, ingénieur de formation, a hérité de son père une grande entreprise de production de ciment et de machines agricoles. Son fils Voldemar (Vladimir) a étudié pour être architecte, mais a préféré le chemin d'un artiste. Son sort est tragique, à la fin des années 30, il «disparaît»: comme il s’est avéré que ces dernières années, il a été abattu sur le terrain d’entraînement de Butovo. Ma grand-mère, également artiste, a été exilée de Moscou à Karaganda au début de la guerre en tant qu'Allemand.

Le père de mon grand-père, l'ingénieur Andrei Aleksandrovich Lipgart, est un représentant d'une autre branche de la famille, le chef d'une famille nombreuse et forte, une personnalité exceptionnelle. En 1933, il devient le concepteur en chef de l'usine automobile de Gorky, où, en près de vingt ans, il crée des dizaines de modèles d'équipements automobiles. Les mérites et les réalisations d'Andrei Alexandrovitch ont été principalement reconnus à l'époque soviétique, par conséquent, par exemple, son autorité a suffi à sauver un parent éloigné, ma grand-mère, de l'exil. C'est ainsi que s'est déroulée leur rencontre avec mon grand-père.

Les privilèges de mon arrière-grand-père dans les années 1950: une grande maison de campagne et un appartement dans un gratte-ciel stalinien, sont devenus des espaces où se passait aussi la meilleure partie de mon enfance. L'atmosphère festive des réunions de famille - solennelle, mais aussi sincère, qui se déroulait dans un appartement lumineux avec de hauts plafonds, de riches moulures en stuc, des portes lambrissées, d'où le Père Noël apparaissait invariablement le Nouvel An - est apparemment devenue une impression qui a déterminé mon art. goûts et préférences esthétiques depuis des années …

Qu'est-ce qui a influencé votre décision de devenir architecte, outre l'ingénierie et la génétique artistique?

Il me semble qu'un architecte n'est pas accidentel - un métier qui est souvent hérité. Dans mon cas, l'influence de ma mère est sans aucun doute, qui, bien qu'elle ait été engagée toute sa vie non pas dans l'architecture pratique, mais en théorie, mais depuis la petite enfance a expliqué que notre profession est la meilleure, universelle, en elle - la créativité, la pensée, la beauté et l'architecture de Moscou - un lieu d'une grâce rare.

Vocation

Lequel des professeurs de MARCHI est-il important pour vous de vous en souvenir? Qui vous a inspiré, par qui êtes-vous parti?

Je me souviens avec admiration et gratitude de mes deux professeurs, qui sont maintenant décédés. Quand je suis entré à l'institut, j'ai été immédiatement très chanceux: mon professeur au cours des deux premières années était Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Un homme avec un grand cœur et un grand charme, un emploi du temps brillant - je me souviens avec quelle envie nous avons vu comment des lignes claires et vives de croquis magistrales émergeaient sous sa main. L'ampleur de la nature, semble-t-il, s'incarnait dans les sujets de ses dessins: chasse aux chiens, qu'il aimait beaucoup, armes anciennes, chevaux, bateaux, voiles … Apparemment, les préférences architecturales correspondaient à cette perception romantique et légèrement nostalgique. du monde: il a parlé de Venturi avec beaucoup de respect, Aldo Rossi. En général, le postmodernisme, selon Kudryashov, était quelque chose de bien. Il n'y avait pas de négatif de sa part également en ce qui concerne l'architecture stalinienne, au contraire, lors de la toute première leçon pratique, qui a eu lieu en dehors de l'institut, saisissant cette occasion, Konstantin Vladimirovich a attiré notre attention sur la maison avec les belvédères de l'architecte. Rybitsky, qui sur Zemlyanoy Val, répond à propos de cette architecture de haute qualité et significative. C'est peut-être pour cela que les éléments d'ordre et les compositions, dont l'étude était à la base du programme de première année, j'ai sans hésitation fait ma méthode dans les premiers projets scolaires en deuxième année d'études. Kudryashov n'a pas interféré avec cela, n'a pas rompu, mais à la fin de la deuxième année, il a averti: "Vous avez soif d'architecture d'ordre, essayez de vous en éloigner l'année prochaine."

Averti qu'il pourrait y avoir des problèmes?

Je ne l'ai pas dit directement, mais je l'ai dit de cette façon. En général, de la troisième à la cinquième année, ma formation en conception architecturale a été plutôt étrange. En tout cas, son principe de base - copier des magazines étrangers avec des projets similaires au sujet, puis reproduire les idées et techniques trouvées dans votre projet - me paraissait largement inutile. Dans le même temps, la passion pour l'architecture classique, héritage des années 1930-1950 soviétiques, est devenue de plus en plus consciente et profonde. Je me souviens comment à ce moment-là je suis venu parler à Kudryashov et me suis plaint, disent-ils, que le moderne n'inspire pas, ce à quoi j'ai reçu la réponse: si vous sentez que vous avez raison, vous devez vous battre "avec des haches".

Bien sûr, au début, ce «sur les axes» était semé d'embûches et d'une incompréhension absolue des professeurs, mais plus tard, cependant, ils se sont réconciliés avec les merveilleuses addictions d'un élève négligent, me laissant l'occasion de mijoter dans mon jus.

En sixième année, il était temps de choisir un directeur de diplôme, puis il y avait une deuxième chance - je suis entré dans le groupe de Vladimir Vladimirovich Khodnev. L'année de remise des diplômes a été absolument heureuse; l'approche formelle des anciens enseignants a été remplacée par une sorte de liberté enivrante de créativité et d'expression de soi. Il s'est avéré qu'il était juste de plier votre ligne, mais ce dans quoi se trouve l'âme est précieux et important. La sensibilité et l'attention de l'enseignant, dont je me souviens avec beaucoup de gratitude, m'ont permis de comprendre et d'apprendre beaucoup. A la sortie, le diplôme s'est avéré brillant, je dirais choquant, peut-être naïf, quelque part ridicule, mais vraiment le mien. Je dois dire que la même année, les enfants d'Iofan sont apparus, dans laquelle, d'ailleurs, Khodnev m'a beaucoup soutenu. C'était un bon moment - nous avons cru en nous-mêmes.

Le groupe "Children of Iofan" a fait sensation. Il a été apprécié par les représentants de toutes les directions. Comment est-ce arrivé?

Vingt-deux ans est probablement une période heureuse pour presque tout le monde: l'énergie frénétique de la jeunesse, l'enthousiasme sans égard pour l'argent, la réputation, les relations. Au printemps 2006, nous avons rencontré et sommes devenus amis avec Boris Kondakov. Je me souviens de notre première conversation: - "Que pensez-vous du Palais des Soviets?" "C'est dommage … dommage qu'il n'ait pas été construit." C'était le mot de passe qui déterminait, pour le moment, une rare similitude. Nous avons commencé à travailler ensemble, bien sûr, il n'a pas été question d'aucune sorte de commerce. Le talent artistique de Boris et ma vision architecturale se sont incarnés dans des projets compétitifs, dans des objets d'art, et nous avons ensuite travaillé ensemble sur le diplôme susmentionné, peuplant le Moscou imaginaire de 2006 avec des personnes des peintures de Deineka et Samokhvalov. Les festivals de la ville, organisés par Ivan Ovchinnikov et Andrey Asadov, ont joué un rôle important dans notre biographie. Les installations extérieures à faire soi-même ont été la première occasion de tester des idées spatiales dans la nature. Pour la première fois, nous avons participé à un événement appelé "La ville de l'enfance", dans cette ville nous avons construit un objet qui ressemblait aux structures de propagande des années 1930 - le "Red Stand", tandis que l'équipe était déclarée conforme au thème du festival - "Enfants d'Iofan".

Les trentenaires enflammés et contradictoires, auxquels le projet d'Iofan a marqué le tournant, sont entrés en résonance avec leurs propres expériences de jeunesse, assoiffées d'action et de changement. Contrairement au chaos et au chaos du Moscou de Loujkov, nous avons essayé de présenter un autre Moscou tel qu'il était conçu dans le plan général de 1935. Pendant des heures, nous avons marché à la recherche de fragments de cette ville: lignes rouges, directions, complexes inachevés, la résolvant comme un rébus, imaginant un ensemble entier et élancé composé d'une architecture de haute qualité, créée par des maîtres disparus, dont certains noms ont suscité crainte: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

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1/5 Installation: Tank "Flowers to the Fallen". Groupe d'architecture "Enfants d'Iofan" © Stepan Lipgart
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2/5 Installation: Tank "Flowers to the Fallen". Groupe d'architecture "Enfants d'Iofan" © Stepan Lipgart
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3/5 Installation: Tank "Fleurs aux morts". Groupe d'architecture "Enfants d'Iofan" © Stepan Lipgart
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4/5 Installation: Tank "Flowers to the Fallen". Groupe d'architecture "Enfants d'Iofan" © Stepan Lipgart
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5/5 Installation: "Système aéronautique - un outil pour augmenter le confort de loisir de Moscou". Groupe d'architecture "Enfants d'Iofan" © Stepan Lipgart

Quel genre de scandale vous est arrivé avec Tom Maine?

Oui, en fait, il n'y a pas eu de scandale, mais même sans cela, cet incident m'a beaucoup influencé. La conférence du fondateur du groupe Morphosis alors, au cours de ma troisième année, a fait grand bruit: presque tout l'Institut d'architecture de Moscou est apparu dans la salle blanche comme neige Vlasov de la Maison centrale des artistes. La créativité de Maine est brillante, excitante, tous ces volumes déchirés, lévitants, désintégrants ne sauraient laisser indifférents. Ensuite, tout ce qu'il a démontré m'a semblé terrible, non organique, dénué de logique et surtout anti-humain. Ayant repris courage, j'ai posé après la conférence une question, disent-ils, mais qu'en est-il des gens? J'ai été impressionné que Maine n'ait même pas compris ce que je voulais dire au début. Sa réponse concernait la technologie du design, il en a beaucoup parlé pendant la conférence, disent-ils, l'ordinateur n'est qu'un outil, et les gens, c'est-à-dire les architectes, sont des créateurs, des auteurs. Je n'ai jamais reçu de réponse concernant les utilisateurs de ses immeubles. Quoi qu'il en soit, toute forme architecturale moderne après cette conférence m'a semblé anormale pendant longtemps.

Cela m'a rappelé comment à un moment donné le compositeur Arvo Pärt a rompu avec l'avant-garde, car il ne pouvait pas dire dans cette langue ce qu'il voulait dire. On vous a demandé à maintes reprises pourquoi vous aviez choisi les années 1930 comme source d'inspiration, mais je vous demande quand même d'expliquer votre attitude face à cette architecture

Selon mes sentiments, au début du XXe siècle, l'architecture de l'Empire russe, principalement dans la capitale, atteignit le niveau mondial, et si l'on ne la compare pas aux centres culturels de l'époque - France, Autriche-Hongrie, mais, par exemple, avec l'Italie, alors il a dépassé. Prenons les bâtiments de Rome au tournant du siècle, c'est une architecture solide, bien dessinée, mais toujours très secondaire: une reproduction de la Renaissance, des compositions absurdes sur le thème de l'antiquité, ou suivant la même mode française.

Pourtant, Saint-Pétersbourg de l'âge d'argent, du temps de Benoît et de Lidval, est le centre d'intérêt de hauts professionnels, maîtres de l'architecture. Rappelons la construction de Marian Peretyatkovich, la Maison Wawelberg sur Nevsky Prospekt, une œuvre brillante, une synthèse virtuose d'un palais florentin et de l'Art nouveau du nord, ou les opus émotionnels du jeune Belogrud, emplis d'une vague énergie d'anticipation, d'attentes de choc et de changement.

Lorsque ces chocs se sont produits en 1917, la plupart des architectes de l'ancienne génération ont participé à la construction du nouveau pays, et leurs élèves, une galaxie d'architectes exceptionnels qui ont étudié à la veille de la Révolution et dans les premières années qui ont suivi, ont rejoint avec encore plus de zèle: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson et bien d'autres. Il ne s’agit pas seulement de l’Académie de Saint-Pétersbourg, car les fondateurs du constructivisme de Moscou, Alexander et Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, sont des professionnels de la vieille école.

Aussi paradoxal que cela puisse paraître, le tournant du début des années 1930 a enrichi pendant un certain temps l'architecture soviétique: pendant plusieurs années, les concepts avant-gardistes et classicistes ont coexisté. Les maîtres de la vieille école ont eu l'opportunité de «finir d'écrire» le néoclassicisme commencé dans les années 1910, de transférer pleinement leurs connaissances et leur expérience à une nouvelle génération d'architectes remarquables: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. En un mot, à ma connaissance, l'architecture soviétique d'avant-guerre est un phénomène d'une ampleur très significative, riche d'idées et d'ambitions, héritant de la haute qualité des époques précédentes.

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1/3 Arch. M. Peretyatkovich. Maison de Wawelberg sur B. Morskaya. Saint-Pétersbourg. 1912 © Stepan Lipgart
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2/3 Arch. M. Peretyatkovich. Maison de Wawelberg sur B. Morskaya. Saint-Pétersbourg. 1912 © Stepan Lipgart
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3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Maisons de la rue Ivanovskaya à Saint-Pétersbourg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Votre motivation pour les années 30 est donc de faire appel à la haute qualité

Je suis fasciné par le potentiel artistique de cette époque, probablement comme l'une des formes de haute qualité.

Quelle est votre architecture préférée?

Il y a une grande tentation maintenant de rappeler quelque chose de l'âge d'argent de Saint-Pétersbourg susmentionné, mais par souci de clarté, je vais nommer le bâtiment construit dans les années 1930, il m'a vraiment impressionné. Pour l'exposition internationale de 1937, entre autres, la France a érigé deux grands complexes d'expositions, je voudrais citer l'un d'entre eux - le Palais de Tokyo. L'architecture du palais est proche à la fois du style Mussolini et des modèles soviétiques, principalement la bibliothèque Lénine. Cependant, l'aspect monumental austère du bâtiment est considérablement adouci, à la fois par le pittoresque d'une composition volumétrique claire, et par la plasticité sensuelle de la sculpture qui remplit les espaces proches des façades du palais. Je pense que l'émotion du Palais de Tokyo, complètement dépourvue de la bureaucratie de l'architecture «totalitaire», mais même, me semble-t-il, impliquant une certaine intimité, est due au fait que le palais a néanmoins été construit dans un pays de la démocratie bourgeoise.

Pour moi, il y a un certain critère de la plus haute qualité architecturale: quand un bâtiment de grande taille est si parfait, intégral, harmonieux que l'espace urbain, qui est influencé par son architecture, est perçu comme un monde d'une beauté surnaturelle, qui est sensiblement différent même des beaux ensembles de la ville environnante. A Saint-Pétersbourg, un tel sentiment est réveillé par les colonnades de la cathédrale de Kazan, à Paris - par le Palais de Tokyo. Dans le monde de ce dernier, les proportions et la ligne, l'esprit et la volonté, l'amour ardent, empreint de pierre, triomphe.

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1/3 Palais de Tokyo à l'Exposition Universelle de Paris. 1937
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2/3 Palais de Tokyo à l'Exposition Universelle de Paris. 1937
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3/3 Palais de Tokyo à Paris. Fragment. © Stépan Lipgart

A quels concours et expositions avez-vous participé, avec quelles œuvres? Quels sont les prix?

En 2017, à Moscou, puis à Saint-Pétersbourg, il y a eu deux de mes expositions personnelles («La dix-septième utopie» et «À la recherche d'un héros»), pour lesquelles je suis très reconnaissante à leurs commissaires, respectivement, Alexandra Selivanova et Lyusa Malkis. Mais avec une chaleur particulière, je me souviens de notre exposition intitulée "En avant, vers les années 30!" au Musée d'architecture, qui a ouvert ses portes à l'automne 2008. Sa préparation rappelait un peu un autre festival de la ville. Il y avait très peu d'argent, mais beaucoup d'amis prêts à aider, des idées et ma propre force en quantité illimitée. Le conservateur était mon ami, le critique d'art Masha Sedova.

Et maintenant, pendant deux mois et demi, nous nous sommes installés dans une petite communauté, nous étions engagés dans la construction de maquettes, des installations d'exposition, la production d'affiches et d'autres matériels d'exposition. Le résultat, semble-t-il, était vraiment brillant, en tout cas, l'invité spécial de l'exposition, Grigory Revzin, a alors attiré l'attention sur les Enfants d'Iofan.

Quant aux concours, apparemment, en raison de la spécificité du thème de notre travail, nous n'avons pas trop réussi ici, cependant, nous ne nous sommes pas efforcés de réussir, il y a quelques prix ARCHIWOOD, mais je pense que cela peut être attribué à une exception à la règle.

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1/6 Installation "Pillars of OSVOD", lauréat du prix ARCHIWOOD-2012 Groupe d'architecture "Children of Iofan"
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2/6 Installation "Pillars of OSVOD", lauréat du prix ARCHIWOOD-2012 Groupe d'architecture "Children of Iofan"
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3/6 Installation "Pillars of OSVOD", lauréat du prix ARCHIWOOD-2012 Groupe d'architecture "Children of Iofan"
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4/6 Installation "Pillars of OSVOD", lauréat du prix ARCHIWOOD-2012 Groupe d'architecture "Children of Iofan"
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5/6 Installation "Pillars of OSVOD", lauréat du prix ARCHIWOOD-2012 Groupe d'architecture "Children of Iofan"
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6/6 Installation "Pillars of OSVOD", lauréat du prix ARCHIWOOD-2012 Groupe d'architecture "Children of Iofan"

Quelles sont vos impressions de travailler dans le studio de Mikhail Filippov?

Selon moi, Mikhail Anatolyevich est un artiste brillant, et sa vision de l'architecture présuppose une qualité de réalité inaccessible aujourd'hui: sociale, culturelle, technologique. Pour que l'architecture de Filippov en plein son fasse partie du monde matériel, il y a trop de choses à changer dans le monde, à retenir beaucoup. Cette idée me fait peur et me déçoit, mais il semble qu'une seule personne, même infiniment talentueuse, ne puisse pas le faire. J'ai travaillé dans l'atelier Mikhail Filippov pendant un an au total, je suis heureux de connaître le maître, je lui suis reconnaissant pour son travail.

S'entraîner

À l'âge de 30 ans, vous avez commencé à concevoir de grands complexes résidentiels à Saint-Pétersbourg. Maison "Renaissance" dans la rue. Dybenko a déjà été partiellement construit, la "Petite France" sur la 20e ligne de l'île Vassilievski est en cours de construction. Peu de gens parviennent à obtenir de telles commandes à cet âge. Quel est le secret?

Il y a quelques mois, nous nous sommes entretenus avec Aleksey Komov, et lui, en particulier, a défini cette situation comme suit: «Il y a votre position de maître, de revivaliste. Il y a votre monde, dans lequel vous habitez sans faire de différence entre le papier et les projets réels, et les clients de haut niveau, la présence de ce monde, la fermeté des convictions artistiques, le ressenti et l'envie de rejoindre. Et comme il s'agit d'un monde à grande échelle, les projets se révèlent être de grande envergure: des bâtiments résidentiels et des usines, et non des maisons privées et pas des intérieurs."

Cela semble très fort, élogieux, par contre, il est étrange d'écrire certains événements de la vie sur un hasard aveugle. Je me souviens qu'à l'âge de trente ans, lors de la sélection du matériel pour Arch-Moscou, j'ai révisé mes nombreuses photos: papier, projets de concours, photographies d'installations, et il y avait le sentiment que suffisamment d'images et d'idées s'étaient accumulées pour qu'elles aient percé d'une manière ou d'une autre., est sorti dans le monde réel. C'est donc arrivé bientôt. Bien sûr, les connaissances précédentes ont joué un rôle: Grigory Revzin m'a réuni avec Kusnirovich, Maxim Atayants, qui est un exemple pour moi professionnellement et moralement, a facilité une réunion avec un développeur de Saint-Pétersbourg.

Parlez-nous du dispositif et des méthodes de l'atelier Liphart Architects?

Je vois ma tâche principale dans le travail avec une image architecturale, respectivement, tout est construit de manière à le résoudre avec un maximum d'efficacité, mais avec un minimum d'équipe. L'atelier est très petit, jusqu'à cinq personnes, il se consacre presque exclusivement à la conception de croquis. Je préfère dessiner l'extérieur du bâtiment de ma propre main, du premier trait de crayon au dernier centimètre du modèle informatique final de la façade. Je délègue le reste du travail à mes collègues. Le projet et la documentation de travail sont élaborés par des concepteurs externes, nous participons au processus dans le cadre de la supervision du concepteur.

La première maison à Saint-Pétersbourg,

Complexe résidentiel "Renaissance", j'ai peint selon les dispositions données. Bien sûr, les concepteurs les ont changés et ajustés dans le processus, mes décisions ont également été transformées, mais au final, il faut noter que la mise en œuvre est très proche de l'idée originale. L'installation du client a également affecté: changer l'architecture en dernier lieu, construire au fur et à mesure qu'elle est dessinée.

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1/6 Vue du sud-est sur la rotonde. Complexe résidentiel "Renaissance" © Liphart Architects
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2/6 Visualisation du complexe résidentiel Renaissance © Liphart Architects
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3/6 Complexe résidentiel "Renaissance" Photo © AAG
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4/6 Projet du complexe résidentiel "Renaissance" sur la rue Dybenko, Saint-Pétersbourg, depuis 2015Infographie En cours de construction Client: holding d'investissement et de construction AAG © Stepan Lipgart
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5/6 Vue du sud-est, éclairage du soir. Complexe résidentiel "Renaissance" Photo © Dmitry Tsyrenshchikov / Gracieuseté de Liphart Architects
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6/6 Vue façade nord, éclairage du soir. Complexe résidentiel "Renaissance" Photo © Dmitry Tsyrenshchikov / Gracieuseté de Liphart Architects

Dans le cas de la soi-disant «Petite France» - notre première maison dans le centre historique de la ville - j'avais plus de liberté de manœuvre: le volume et le nombre d'étages étaient fixés, un certain nombre d'idées générales avec des formats d'appartements, tout le reste a été décidé sur la base de l'aspect extérieur que j'avais inventé. La conception de cet objet a coïncidé avec mon déménagement à Saint-Pétersbourg, donc il a été dessiné avec beaucoup de sentiment, avec une sorte de ferveur néophyte, les œuvres de Lidval et Klenze, que j'ai vraiment découvert par moi-même alors, ont eu une grande influence sur son architecture.

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1/7 RC "Petite France". 20e ligne de l'île Vassilievski. Saint-Pétersbourg © Liphart Architects
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2/7 RC "Petite France". 20e ligne de l'île Vassilievski. Saint-Pétersbourg © Liphart Architects
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3/7 RC "Petite France". 20e ligne de l'île Vassilievski. Saint-Pétersbourg © Liphart Architects
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4/7 RC "Petite France". 20e ligne de l'île Vassilievski. Saint-Pétersbourg © Liphart Architects
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5/7 RC "Petite France". 20e ligne de l'île Vassilievski. Saint-Pétersbourg © Liphart Architects
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6/7 RC "Petite France". 20e ligne de l'île Vassilievski. Saint-Pétersbourg © Liphart Architects
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7/7 RC "Petite France". 20e ligne de l'île Vassilievski. Saint-Pétersbourg © Liphart Architects

Un certain nombre de projets de Saint-Pétersbourg sur lesquels nous travaillons actuellement à un stade ou à un autre: les bâtiments résidentiels de la rue Magnitogorskaya, Malokhtinsky Prospect, sur les berges de la rivière Noire - sont conçus de la même manière. La maison sur la 12ème ligne de l'île Vassilievski est de configuration très complexe, dense, elle a été dessinée pendant six mois. Peut-être que le plus d'efforts ont été investis dans cet objet, j'espère vraiment pour sa mise en œuvre.

La mentalité «faire comme dessiné» pour les concepteurs est née parce que les clients étaient vos alliés. Les clients ressentent-ils la beauté?

Il me semble que la capacité de voir le beau est un cadeau donné à tout le monde dès la naissance; c'est une autre affaire que les circonstances de la vie, l'environnement, les préjugés peuvent enlever ce cadeau à une personne, ou, en tout cas, lui causer de graves dommages.. Parfois, il semble que dans la Russie d'aujourd'hui, qui a souffert au cours du siècle dernier, la majorité a oublié comment non seulement augmenter la beauté, mais même la distinguer de la laideur. Le plus merveilleux est la rencontre avec l'ambition de créer l'esthétique. À mon avis, Alexander Zavyalov, propriétaire de la société de développement de Saint-Pétersbourg, et Mikhail Kusnirovich ont une telle ambition.

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1/7 Vue des bâtiments administratifs et de production depuis le sud-ouest. Usine de confection "Manufactura Bosco" Photo © Ilya Ivanov / fournie par Stepan Lipgart
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2/7 Vue du bâtiment administratif depuis le sud-est. Usine de confection "Manufactura Bosco" Photo © Ilya Ivanov / fournie par Stepan Lipgart
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3/7 Escalier avant, fragment. Usine de confection "Manufactura Bosco" Photo © Ilya Ivanov / fournie par Stepan Lipgart
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4/7 Fragment de la façade ouest du bâtiment administratif. Usine de confection "Manufactura Bosco" Photo © Ilya Ivanov / fournie par Stepan Lipgart
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5/7 Hall du 1er étage avec le jardin d'hiver_fragment. Usine de confection "Manufactura Bosco" Photo © Ilya Ivanov / fournie par Stepan Lipgart
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6/7 Vue générale du point d'arrêt depuis le sud. Usine de confection "Manufactura Bosco" Photo © Ilya Ivanov / fournie par Stepan Lipgart
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7/7 La façade sud du bâtiment administratif et d'agrément, fragment. Usine de confection "Manufactura Bosco" Photo © Ilya Ivanov / fournie par Stepan Lipgart

De plus, bien sûr, les préférences gustatives du client commencent à jouer un rôle, changeant, je dois dire, au fil du temps, passant d'une coïncidence complète avec les miennes à un malentendu complet. Dans les premiers projets avec Zavyalov, par exemple, l'ordre, l'architecture classique a été acceptée avec un bang, et nous parlions le même langage, mais maintenant de plus en plus la tâche est posée selon le principe familier des années d'institut: "Fais-moi aimer dans cette photo." Ici se pose involontairement la question de savoir dans quelle mesure suis-je prêt pour un compromis. En général, il y a une certaine déception dans la profession après les premières années de travaux pratiques. Jusqu'à présent, ce qui est vraiment important et précieux a été acquis dans les projets papier, pas dans la mise en œuvre.

Projets papier

Il y a plus de deux ans, dans un commentaire sur archi.ru, j'ai mentionné que le principal sujet qui m'intéresse était les contradictions non résolues inhérentes à la culture et à l'histoire russes, qui se sont manifestées particulièrement fortement dans les années 1930. La collision de la machine avec le traditionnel et artificiel. La ligne de l'architecture héroïque de Pétersbourg, incarnée à la fois dans l'art déco de Levinson et Trotsky, et dans l'archaïque sombre de Belogrud et Bubyr, et même plus tôt dans l'arc de l'état-major et le monument à Pierre. Une ligne d'impulsion accablée, dépassante, associée à la nature de la ville, qui a subi plusieurs fois une violente européanisation.

Dans vos œuvres, ordre architecture et technologie ne se nient pas, mais au contraire s'enrichissent: art déco et réacteur, art déco et fusée … Quel projet papier vous est le plus cher et pourquoi?

La série "At the Reactor" est une dédicace personnelle, elle incarne l'image d'un réacteur atomique comme une force qui réchauffe ce monde, mais menace aussi de le détruire. Cette énergie a une similitude avec la passion humaine. La gare est comme un temple, et le thème de la déification de la voiture est également présent ici.

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4/5 Projet d'amélioration et de reconstruction du territoire du parc Neskuchny Sad. Étape 2011-2012 Infographie Non mis en œuvre Client: Groupe d'entreprises Bosco © Stepan Lipgart
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5/5 Projet d'amélioration et de reconstruction du territoire du parc Neskuchny Garden. Serre 2011-2012 Infographie Non mis en œuvre Client: Groupe d'entreprises Bosco © Stepan Lipgart

Je me souviens bien comment est née l'intrigue de l'œuvre que j'appelle "Arc de Triomphe". La veille, j'ai eu une conversation inspirante, où l'interlocuteur a réclamé un manifeste-image, mon idée du futur. Apparemment, il a trouvé les bons mots, l'image est née en une minute: une fusée audacieuse, prête à rompre dans l'empirisme, encadrée par une forme architecturale gigantesque. La conquête de l'espace, rendue possible par une percée technologique, et des lignes dynamiques sonnant à l'unisson avec ce mouvement, portant l'empreinte d'un Art Déco significatif.

Lors de l'exposition à Moscou, il y avait des projets de villas Art Déco assez esthétiques. Une villa est l'image d'une personne privée. De quel genre de personne s'agit-il, avec quelles propriétés?

Il est intéressant de noter que chaque projet est une offre pour un client spécifique, mais aucun d'entre eux n'a décidé de construire sa maison sous de telles formes. Il me semble que Maxim Atayants a donné une description assez précise, notant qu'il ne s'agit pas de maisons privées, mais de pavillons d'exposition pour exposer le client et son quotidien. Oui, peut-être, la représentativité accentuée, la monumentalité, la solennité de l'architecture n'impliquent pas l'intimité, le confort, le flux serein des jours. L'image de cette maison interpelle son habitant, et il doit lui correspondre, d'abord sur le plan esthétique, mais pas seulement. On se rapproche ici du thème de la personnalité exceptionnelle, le héros.

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2/4 Projet de la villa "Acropolis Litorinum" 2015 Infographie Région de Leningrad, quartier Vyborgsky Non réalisé Client privé © Stepan Lipgart
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3/4 Projet "Villa ITR", 2011 Infographie région de Moscou, district de Tchekhovsky Non réalisé Client privé © Stepan Lipgart
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4/4 Projet de villa "Pavillon Lecayet", 2015Infographie de la région de Moscou. Non implémenté Client privé © Stepan Lipgart

Métaphysique

Quelle est la différence entre votre conception d'un héros et d'un héros romantique du 19e siècle, qui entre dans une bataille avec le destin et s'oppose à la foule; du surhomme et démiurge de l'avant-garde; d'un libertaire du XXe siècle?

Je me souviens avoir lu à Khan-Magomedov qu'Ivan Leonidov, créant sa «Cité du Soleil», connaissait à peine le texte de Tommaso Campanella. Son constructivisme utopique donnait une image d'un avenir radieux, et l'intrigue de la Cité du Soleil était en phase avec ses sentiments. Il vaut la peine de déterminer immédiatement que mon «concept du héros» n'a pas non plus une profondeur philosophique suffisante, derrière il n'y a pas de longs textes, de recherches, de tentatives pour tester mes propres suppositions empiriquement. L'essentiel ici est votre propre intuition, l'expérience de certains sentiments, l'exaltation. Et le moyen le plus réussi de la recherche notoire du héros est d'observer la démonstration artistique de la beauté humaine. L'exemple le plus évident est un portrait de la Renaissance, exaltant, déifiant la nature humaine. Mais encore plus proches de l'idéal sont ces toiles où la lumière céleste entre en conflit avec le côté obscur de la nature humaine. C'était une impression fraîche et forte pour moi de voir vivre les œuvres de Parmigianino et Bronzino, il n'y a pas de paix légère d'harmonie de la Renaissance en elles, au contraire, le froid perçant des traits impeccables, l'équilibre fragile d'Apollonien et de Dionysiaque, impliquant réponse, audace, travail de l'âme.

Dans la Symphonie divine de Scriabine, le héros-démiurge crée un monde à partir de rien. Le concept de lutte contre Dieu donne naissance à une très belle musique, mais éthiquement elle est à la limite. Votre héros - qui est-il?

Le héros est l'étape intermédiaire entre une personne avec ses faiblesses et ses vices et le principe le plus élevé. Le héros n'est pas celui qui est miraculeusement doté de capacités divines, mais qui s'efforce avec la force de son esprit, de sa propre âme, d'atteindre l'idéal le plus élevé, à la fois moralement et dans le sens de la beauté physique.

Mais un artiste est un héros au moment où il crée quelque chose. La manifestation de la beauté dans une œuvre est toujours un miracle et une audace. En revenant aux années 1930, les créateurs et leurs images y sont héroïques. Les architectes ont construit et les compositeurs ont écrit, au péril de leur vie. En 1938, Chostakovitch était assis tous les soirs dans la cage d'escalier de sa maison avec une valise, attendant d'être arrêté parce que son ami, le maréchal Toukhatchevski, avait été abattu. Chostakovitch est traqué dans l'imprimé depuis le début des années 1930. Cependant, en 1937, il écrivit la 5e symphonie, dans laquelle, selon Pasternak, «il a tout dit, et rien ne lui est arrivé». Le héros de cette musique meurt dans la lutte contre une machine totalitaire infernale

Dans les années trente, une ultime tentative fut faite pour endurer au maximum l'héroïque démiurgique - le Troisième Reich. Une tentative de changer, de déformer la morale humaine universelle, de créer une nouvelle personne, une nouvelle société, une nouvelle ville. Le culte d'un héros qui a capturé des dizaines de millions. Le résultat est monstrueux, et d'un point de vue éthique et humaniste, il n'est soumis à aucune justification. Il faut se rappeler que la ligne est vraiment fine ici.

Oui. Parce que les moyens sont monstrueux et que les moyens sont la chose la plus importante. Oui, il y avait un objectif monstrueux

D'autres moyens sont-ils possibles? Prenez la chevalerie - elle est associée à la violence et au meurtre, et en même temps, beau, tout le monde se souvient des murs majestueux des châteaux médiévaux et du culte d'une belle dame.

Je ne suis pas d'accord pour dire que le concept héroïque est associé à la violence, peut-être à la confrontation à la violence et au dépassement de soi. Si nous concilions la vie avec une dimension verticale, alors nous parlons d'un héros qui se sacrifie pour les autres

À propos, le sacrifice a également été promu dans la société nazie. En conséquence, il y a déjà une opinion dans l'Allemagne moderne selon laquelle la poursuite de la beauté personnelle peut être assimilée au nazisme.

C'est une erreur. L'artiste crée une forme, c'est un geste dominateur, en un sens totalitaire, mais l'art est un domaine où la hiérarchie est bénéfique. Le postmodernisme a tenté de déconstruire ce geste, et le résultat artistique n'est pas très convaincant. L'âge d'argent s'équilibrait à la limite de l'art et de la construction de la vie. Il créa la beauté, mais resta dans le domaine artistique et n'alla pas plus loin (plus précisément, poètes et artistes expérimentèrent toutes sortes de cultes obscènes, comme on le sait dans les mémoires d'Alexandre Benois, mais c'était leur affaire privée). Lénine n'est pas l'âge d'argent

Mais les artistes rassemblaient ces nuages à la veille du drame de 1917, les appelant et les affamant. Que sont le tonnerre et la foudre? C'est quelque chose d'incontrôlable. Scriabine, naturellement, avait une idée différente de l'apparition d'un homme nouveau, il est clair qu'il n'était pas un commissaire avec un Mauser et pas un avion d'attaque brutale. Le blocus de Leningrad comme réalisation des rêves les plus terribles de l'âge d'argent réside dans le sentiment de surhumanité et de sacrifice, dans ces sensations de froid crépusculaire incarnées dans les maisons Belogrudov. Ils avaient déjà une prémonition d'une tragédie imminente, une prémonition de l'archaïque, qui apparaissait à l'image de Staline depuis les profondeurs les plus sombres. En affinant le thème, je vois l'image du héros dans les œuvres des sculpteurs Josef Torak et Arno Brecker. L'audace y penche définitivement vers la nature sombre, mais c'est impressionnant.

Tout comme l'audace de nombreux artistes libertaires du XXe siècle. Wright, Sullivan, Scriabine étaient nietzschéens. Mais ils ont compris Nietzsche d'une manière vulgaire. Nietzsche, quand il a dit sa phrase sur la mort de Dieu, signifiait qu'une personne a cessé de se tourner vers le ciel, a cessé d'être capable de rendre grâce, de conformer ses actions à Dieu. Les gens ont dirigé l'énergie gratuite qui en résultait pour atteindre leurs objectifs et ont accompli beaucoup de choses. Mais la nature humaine déchue s'est manifestée dans toute sa gloire

La nature humaine déchue se manifeste aujourd'hui en pleine croissance. C'est dommage que ces affichages n'aient aucune valeur artistique.

Oui. Mais les gens ont compris certaines choses. Le monde a vaincu le fascisme et l'équilibre est toujours maintenu, quoique avec difficulté. Albert Schweitzer a dit qu'ayant inventé la bombe atomique, c'est-à-dire devenir superpuissant, l'homme n'est pas devenu superintelligent. Peut-être que le héros est une personne superintelligente. Pas dans le sens de la prudence, bien sûr, mais, au contraire, dans le sens de l'insouciance, de la capacité à faire miséricorde, au sacrifice. Le saint est tout à fait un héros et un surhomme. Nous avons des valeurs que nous ne voulons pas perdre. Si nous parlons d'architecture, une ville historique européenne est une valeur, et l'architecture des années 1930 en fait partie intégrante

Oui, mais il y avait aussi une nouvelle qualité en elle. Pour en revenir à mon impression parisienne, cette visite fut très courte, concentrée: en huit heures je marchais du Panthéon au Trocadéro, ayant réussi à visiter le Louvre. La grande ville étonne par son ampleur, la richesse des façades en pierre naturelle, le balayage des avenues, la magnificence des immenses palais, et pourtant, en sortant vers les bâtiments de l'exposition parisienne, je ne pouvais m'empêcher de ressentir une autre dimension, un autre degré de signification, une image du futur, qui n'est jamais venue, car la nature destructrice de l'homme a alors prévalu sur la nature créatrice.