Tout est mélangé dans cet opéra: une quête et un arbre pour enfants, des symboles et mythes anciens à travers le prisme de la psychanalyse, un roman voyou et des thèmes maçonniques, des rapports de genre subtils, des chœurs de Mozart au son doux, qui un peu plus - et toute la salle chantera, comme lors d'un concert de rock, tout ce dont vous avez besoin est d'amour Les amoureux passent par de terribles épreuves pour se rencontrer, et quand ils se rencontrent, ils passent - déjà ensemble - pas moins terribles. Tout le monde a soif de tout le monde, tout le monde sauve tout le monde, beaucoup veulent s'entre-tuer ou s'entre-tuer, mais à la fin tout le monde s'aimera.
Pour l'architecte en chef de Moscou, Sergei Kuznetsov, il s'agit du deuxième travail de concepteur de production (le premier est la représentation d'ouverture de l'Helikon-Opera après la reconstruction de 2015). Son co-auteur Agniya Sterligova (Planet 9) a déjà une expérience en scénographie théâtrale. Lors d'une conférence de presse avant la première de "Flute" le 12 novembre, les auteurs de la pièce ont partagé leurs impressions.
Selon Sergei Kuznetsov, lui et Agniya Sterligova ne venaient pas tant de la musique que de la tradition scénographique, regardaient beaucoup de matériel, ne voulaient pas se répéter. «C'est un spectacle qui s'équilibre à la limite du pop art et du kitsch, mais qui ne franchit pas cette ligne, un spectacle où personne ne s'ennuiera. Mozart serait content, - résumait l'architecte en chef. - Il s'agit d'une réflexion sur le conflit et la gravitation l'un vers l'autre des mondes masculin et féminin, qui nous concerne tous. Toutes les créatures peuvent s'identifier à un sexe. Ceux qui peuvent le faire seront intéressés et les autres pourront enfin réfléchir et décider. Nous pensons qu'après le spectacle, tout le monde décidera une fois pour toutes de cette question."
Agniya Sterligova a concrétisé l'idée: «Dans un dialogue avec le réalisateur Ilya Ilyin, nous avons imaginé une image d'un Lunapark similaire à celle qui était au début du XXe siècle à New York à Coney Island. Ce choix s'est également inspiré des costumes gonflables d'artiste pop d'Alexandra Sharova. Un carrousel rotatif à grande échelle, qui est aussi le Temple de la Sagesse, est devenu le décor de la confrontation entre les mondes masculin et féminin. Et le directeur artistique de "Helikon-Opera" Dmitry Bertman a dit des mots importants sur le rôle de l'architecture. Il a déclaré: «Nous sommes amis avec Sergei Kuznetsov depuis de nombreuses années, il a fait une exposition pour l'ouverture de notre théâtre, et nous avons longtemps voulu mettre en scène" Flute ". Sergei Kuznetsov n'est pas du tout un officiel, c'est un anti-officiel, un véritable artiste. Le théâtre moderne est symbolique, l'âge de l'imitation est révolu, les rideaux peints ne sont plus d'actualité, aujourd'hui les architectes montent sur scène, on le voit dans les théâtres du monde entier."
Malgré mon éducation musicologique, je n'ai jamais pu comprendre, mais même mémoriser l'intrigue de La Flûte enchantée et me concentrer exclusivement sur la musique. Pourquoi le sorcier Sarastro (signifiant l'adorateur du feu Zarathoustra) invoque-t-il Isis et Osiris égyptiens? Ils semblent être «de différents opéras». Librettiste-franc-maçon Shikaneder (il est aussi le premier interprète de Papageno) fait allusion au savoir secret égyptien, aimé des francs-maçons, mais qu'est-ce que la Perse a à voir avec cela? Pourquoi le sage persan a-t-il kidnappé la princesse? Il s'avère que c'est enseigner la sagesse et pas du tout se marier. Pourquoi, alors, permet au Maure de la garder, qui organise le harcèlement naturel (le thème de la princesse et du monstre)?
Avant le début de l'action, nous voyons une aquarelle de Sergei Kuznetsov sur le rideau, qui représente un carrousel, qui ressemble également à un lustre, qui commence effectivement à fumer ou à couler de couleurs lors de l'ouverture. Puis le rideau se lève et on se retrouve à Luna Park, et là tout ce que l'on veut peut arriver: de terribles dangers et de terribles aventures. Dans le premier acte, une montagne russe est construite sur la scène, le long de laquelle un train se précipite - et cela s'est avéré être non pas un train, mais un serpent chassant le prince Tamino. Le serpent l'a presque dépassé, mais au dernier moment, il est sauvé par trois dames infernales en noir et rouge - les fées de la reine de la nuit.
À Luna Park, nous attendons des performances et des quêtes équitables avec des tests qui doivent être réussis. Et ce n'est pas un hasard si la reine de la nuit rampe hors d'un verre de pop-corn, et les serpents noirs sur lesquels elle est assise - pas effrayants, gonflables - réduisent le pathétique du célèbre air le plus difficile du monde de F de la troisième octave. (À propos, l'air a sonné brillamment, tout comme la partie ténor de Tamino et la basse du grand-père-professeur Sarastro. En général, ils chantent, faisant face en plaisantant aux parties instrumentales de Mozart, peu pratiques pour chanter, l'orchestre joue avec goût, sans entrer dans d'autres époques. Pour les oreilles - pur plaisir. Mais nous ne sommes pas à ce sujet).
Au centre de la scénographie de The Magic Flute se trouve une sorte d'arbre du monde, qui est peint de différentes couleurs: il s'enflamme et crépite lorsque les héros marchent à travers le feu, devient bleu et gargouillent lorsqu'ils traversent les eaux, brille d'or dans le Temple de Sarastro. (J'ai lu qu'il s'agit d'un carrousel, ayant déjà écrit une critique, mais les associations avec l'arbre biblique de la connaissance du bien et du mal ne font que le décorer, car nous parlons de connaître les profondeurs de la nature humaine et de les éclairer). La forme et les structures métalliques de l'arbre sont une telle cloche de la tour Shukhov, une cloche constructiviste (et courant devant, je dirai qu'alors des cloches métalliques constructivistes pousseront autour d'elle). Cette tour tient bien la composition, elle est toujours au centre et la principale, elle aide à construire la chorégraphie, tourne sur un stylobate rond lors du changement de décor. L'écran des médias sur le côté gauche de la scène commente ce qui se passe.
La couleur joue un rôle énorme dans la scénographie, interagissant avec le pop art gonflable brillant des costumes. Les couleurs sont symboliques et aident à démêler une histoire complexe. Les enfants amoureux - le prince Tamino et la princesse Pamina - ont leurs propres couleurs. La princesse est rose et Tamino est en costume bleu, l'alter ego du public, mais à la fin se transforme en guerrier d'acier. Contrairement aux enfants amoureux, il existe une génération plus âgée - Mother Night et le sage Sarastro, elle incarne le principe féminin sombre (couleur noire, fées noires, serpents et singes), il est un principe masculin ensoleillé et intelligent (armure dorée, guerriers dorés) et un pull doré avec du lurex). Night et Sarastro ont une relation freudienne difficile l'un avec l'autre et avec la jeune génération. Ils se disputent la princesse, il l'a volée, la mère garce est jalouse de sa fille à Sarastro (ou Sarastro à sa fille?), Veut même le tuer. Mais alors les anciens se sont réconciliés et se sont précipités en voyage avec une valise, ce n'est pas pour rien que Night chante le deuxième air sur un cygne rose gonflable, est tombé amoureux, il faut penser (encore une fois, les cygnes allemands de Nabokov viennent à l'esprit). Toutes les scénographies et chorégraphies travaillent en permanence avec les couleurs noir et or, y compris dans la construction de scènes de foule. Les soldats de Sarastro sont parfaitement résolus sous la forme d'hommes dorés en armure à la Star Wars. Et les femmes le servent aussi, mais pas noires, mais éclairées, au clair de lune, dans des combinaisons spatiales blanches.
Si nous devons attribuer des symboles de genre aux couleurs, alors Papageno est le seul de tous les héros peints aux couleurs de l'arc-en-ciel avec une prédominance de violet et d'orange. C'est le plus «gonflable». Comprenez comment vous voulez. Le même arc-en-ciel, dans une jupe faite de ballons, est sa fiancée Papagena. En général, Papageno est un serviteur typique d'un roman voyou, en corrélation avec le prince comme Leporello avec Don Juan, Sancho Panso avec Don Quichotte. Il boit beaucoup, ment beaucoup, a peur de tout, mais c'est lui qui a sauvé la princesse du Maure. Mozart a écrit singspiel, un vaudeville avec des numéros musicaux et des remarques conversationnelles pour un théâtre simple. Le texte de l'aria du célèbre ornithologue est plutôt sale, mais on ne le lit pas ici. Ici, l'attrape-oiseaux est un héros d'enfant et en même temps un voyou, réduisant le pathétique du couple principal du prince et de la princesse. Les amoureux doivent passer les tests du feu, de l'eau et du silence meurtrier. Le pire pour une femme, c'est quand un homme ne lui parle pas (et dans Orphée, il ne pouvait pas la regarder, tu te souviens?), Et elle ne comprend pas pourquoi. Et chante un air émouvant, si bien qu'elle fond en larmes. La princesse est sur le point de se suicider, levant une épée sur elle. Papageno propose immédiatement une version parodique du suicide et est pendu à un ballon.
Dans la dernière scène, où les amoureux s'unissent, les scénographes les placent dans l'endroit le plus pompeux - au sommet de la structure de cette même tour arborée, et les amoureux s'embrassent sur la tour, faisant allusion à la fin du film hollywoodien..
Et quelle est la flûte magique qui a aidé à passer tous les tests? Je pense que la flûte est un art, elle adoucit à la fois la peur et les débuts les plus étranges et les plus sombres qui existent chez les adultes et même chez une princesse (le taureau noir qui la tourmente périodiquement est un autre archétype de la passion). Et la variante de la flûte est les cloches de Papageno. Ils sont plus simples, mais, néanmoins, s'ils sont «allumés» dans le temps et dupliqués sur l'écran médiatique, alors tout le monde, même les méchants, se met à danser, dans une fin de danse généralisante qui supprime l'inimitié entre les héros. Ce faisant, les cloches ressemblent à un cube de Rubik, une mascotte d'un blockbuster. Et dans la dernière scène, nous voyons leur invariant: des cloches métalliques constructivistes se sont développées autour de la "tour Shukhov". C'étaient les «enfants» de l'arbre de fer.
Je dois aussi dire à propos du numéro trois. Il y a trois accords dans l'ouverture de l'opéra. Trois garçons célestes - des nuages blancs, d'où sortent les têtes discantes des enfants, quand ils apparaissent, forment de belles images «blanches». Les garçons aident le prince. Ils sont opposés aux trois fées noires dépravées de la reine de la nuit. Et les fées ont également aidé le prince, au fait (si vous avez perdu le fil de l'intrigue, elles l'ont sauvé du train des serpents). Lorsque la reine de la nuit est partie avec Sarastro, les femmes noires, démontrant les magnifiques capacités des machines, tombent en enfer - pour quoi, se demande-t-on? Ou la reine est-elle libérée de ses débuts sombres? Ou est-ce juste un rappel de la scène finale de Don Juan de Mozart? Pourtant, il y a une certaine discrimination entre les sexes ici. En tant que garçons - si blancs, comme filles - si noirs et en enfer. Les féministes seraient malheureuses.
Comme l'a dit Sergei Kuznetsov, la plus belle chose à propos de The Magic Flute est son ambiguïté. Il a un nombre infini d'interprétations, car tout est basé sur des contes de fées et des mythes, des initiations et des archétypes, drôles et profonds à la fois, et donc "Flute" est toujours d'actualité et laisse place à l'imagination. Et la scénographie montre parfaitement tous ces sols symboliques et mystiques et les présente au spectateur sous une forme de spectacle facilement assimilable.
