En sortant de l'exposition "Hypnose de l'espace", vous ressentez du bruit dans votre tête, comme après une bonne performance ou un long film. Pas autrement il n'a été attaqué par Mars - c'est le nom de la première installation - "Mars Attacks", le nom est volontairement fantastique, après Wells, mais il se compose de choses tout à fait classiques: une gravure de Piranesi et un texte d'Odoevsky. Et c'est donc ça.
L'objectif affiché de l'exposition est «de comprendre la logique de la naissance des émotions à l'ère des Lumières et aujourd'hui, à l'ère des jeux de rôle en ligne»; trouver un lien entre le baroque du XVIIIe siècle et le cyber-baroque du post-internet. Wow tâche, je dois dire. Dans notre conscience quotidienne, nous sommes habitués à penser que les ordinateurs et les livres, en particulier les imprimés, sont plus vraisemblablement des antipodes, des ennemis et des concurrents dans la lutte pour le temps libre d'une personne, en particulier d'un enfant. L'exposition nous prouve que ce n'est pas le cas, que les mondes fantastiques du XVIIIe siècle et du présent sont étroitement liés, interdépendants et, en général, ne font qu'un. En fait, bien sûr, c'est le cas, et les bons concepteurs d'espaces virtuels, à la fois de jeu et de cinéma, le savent et l'utilisent très bien, mais avec la preuve, une histoire plutôt longue et laborieuse se révèle. Je pense qu'il faudra une douzaine d'expositions de ce type pour vraiment le prouver. D'autre part, la super tâche d'ensemble stimule parfaitement le travail acharné d'une part et libère le conservateur d'autre part. Ce n'est pas pour rien que le message curatorial consiste en une mention assez inattendue des datchas de Tsaritsyne: l'été est une récréation, datcha, pas trop sérieux, ou c'est encore possible.
L'exposition occupe 11 salles, divisées en neuf thèmes et situées au deuxième étage du palais en cercle, de sorte que dès la fin, vous revenez immédiatement au début. Sa partie la plus forte et, objectivement parlant, la plus intéressante est un grand nombre de graphiques authentiques, principalement des gravures, provenant de la collection de "Tsaritsyn" elle-même, ainsi que de l'Institut de recherche d'État de l'Académie des sciences nommé d'après UN V. Shchusev, Théâtre Académique d'État du Bolchoï, Musée Bakhrushin, et de deux collections privées Beaucoup de Piranesi, et celui de la collection Tsaritsyn - semble-t-il, n'est pas très célèbre; Gonzaga, Bibiena; Bogaevsky; il y a Cranach et deux estampes italiennes du XVIe siècle. Les décors de Nicholas Benois pour la production de A Midsummer Night's Dream au Théâtre du Bolchoï en 1965, qui montrent clairement la ressemblance de la salle gothique et de la forêt de mâts, font une impression surprenante - ils sont exposés pour la première fois. Une série de feuilles gravées de scénographie par Johann Kharms pour le ballet de 1678 "Sur la rencontre et le mouvement des sept planètes", mis en scène à la cour de l'électeur saxon Johann George II, a été récemment acquise par le musée Tsaritsyno, et le conservateur Sergei Khachaturov et sa co-commissaire Daria Kolpashnikova l'a attribué. En plus des feuilles de cartes pliantes de Brodsky / Utkin et Yuri Avvakumov, relativement connues mais appréciées.
La chose la plus intéressante à l'exposition est d'examiner les détails de ces gravures, en ce sens cela s'inscrit dans la même tendance que les récentes expositions d'aquarelles au Musée historique et à la galerie Tretiakov: elles sont définitivement conçues pour un amateur, une personne qui est prêt à «accrocher» pendant des heures sur un dessin bizarre ou une colonne ou un trait d'aquarelle vivant de Gonzaga sur un morceau de papier de la taille de quelques boîtes d'allumettes - il y a beaucoup de ce matériel ici, de la joie pour les yeux et l'esprit est fourni. De plus, parmi les feuilles et séries présentées, il y a pas mal de découvertes, c'est-à-dire des choses qui n'ont pas été largement exposées auparavant. Le conservateur dit que la collection graphique de Tsaritsyn n'a jamais été aussi complète. En un mot, il y a définitivement quelque chose à voir et à admirer pour les connaisseurs. Mais la majorité des visiteurs de Tsaritsyn ne sont pas parmi eux, les «tableaux» sont perçus comme un élément de décoration murale.
Pour eux, choquant est probablement fourni - dessiné par une main incertaine, mais brillamment les coulisses avec une version généralisée des personnages de jeux informatiques (je l'ai montré à quatre joueurs, tout le monde a eu du mal à nommer la source) de l'artiste Vladimir Kartashov. L'artiste a 21 ans, toutes les choses de 2018, les plus fraîches, et occupent presque toute une salle. Il n'y a aucun espace en eux, on pourrait probablement dire que les héros eux-mêmes construisent l'espace du jeu, et le visiteur peut être à l'intérieur, entrer dans leur cercle, d'autant plus qu'ils sont légèrement plus grands que la taille humaine. Situé à côté de la salle dédiée à l'opéra seria - un opéra sérieux, le produit du siècle des lumières, construit sur l'allégorie et, ce qui est là, moralisant, la chose la plus ennuyeuse avec des décorations luxuriantes - des "décorations" de jouets informatiques retirés de et exécutés à la manière de la peinture naïve - le conservateur les appelle «post-Internet» - ils ne peuvent que choquer.
Quelqu'un dira: cette salle effrayante nous démontre l'absence dans les esprits d'une autre nature, à l'exception du jeu addictif - ni Mars ni Vénus ne les intéressent, leur donne Sarah Kerrigan. Quelqu'un dira, et a apparemment déjà dit au conservateur, qu'il est absolument impossible d'exposer à côté de choses telles que le décor de Cendrillon de Prokofiev en 1945, de Peter Williams, et c'est tout. Quelqu'un remarquera qu'ils sont de couleur très similaire, ou même se rappellera: "Il n'y a pas d'histoire pire au monde que la musique de Prokofiev en ballet", se souvenant de quel innovateur désespéré était le classique actuel reconnu. Le conservateur Sergei Khachaturov construit en fait toute son histoire complexe sur la recherche des «artistes d'avant-garde du passé», en les comparant à de très jeunes - et pas très jeunes, comme Brodsky, Utkin, Avvakumov - nos contemporains. Piranesi pour lui - «la première avant-garde radicale dans le domaine de la conception architecturale», Gonzaga - «un véritable révolutionnaire de l'art scénographique». Mais c’est vrai, au fil du temps les classiques sont recouverts d’une inévitable couche de poussière et il faut parfois les «secouer» un peu, changer les angles.
Les gravures de Brodsky / Utkin coexistent avec les caricatures d'Andrei Khrzhanovsky (c'est mon dessin animé préféré », s'exclame le conservateur,« je l'ai vu pour la première fois en 1985), le 18ème siècle règne avec bonheur dans la salle Ruina. Un tout nouveau papier calque - fait pour l'exposition - d'Alexander Brodsky est adjacent à l'acrostiche de Derzhavin "Le fleuve des temps dans ses efforts …"; c'est arrivé par hasard, s'exclame Sergey Khachaturov: le vers précède ici la salle des ruines, et Brosky a au dernier moment apporté un dessin avec une rivière du temps …
Au fur et à mesure que nous avançons, la composante théâtrale grandit - d'abord on s'initie à la scénographie d'un «opéra sérieux», puis - à la pièce de théâtre Juliensembl sur les thèmes des doctrines philosophiques qui construisent un parallèle moderne, non sans hurlement, mais évident avec le ballet Seven Luminaries. D'ailleurs, ici, dans la grande salle, il faut absolument tourner le coin d'un grand écran multimédia conçu pour montrer les détails des gravures et y trouver trois tableaux de Yegor Koshelev avec des personnages de La Flûte enchantée (Reine de la nuit - dans un tablier et tenant une tasse en carton); ils, à leur tour, forment un pandanus pour les héros des jeux informatiques susmentionnés, mais ils sont dessinés de manière académique magnifiquement et même envoûtante - apparemment, ils sont conçus pour changer l'allusion donnée au début aux jeux informatiques à ce qui intéresse vraiment le conservateur. - à l'art moderne et au théâtre, qui sont bien d'autres. Et enfin, la dernière salle est complètement théâtrale, occupée par une décoration à grande échelle pour les "Drillians" de l'électrothéâtre de Boris Yukhananov, où les vagues de gypse - les "forets" ressemblent désespérément à des colonnes en forme de spirale, par exemple, comme à l'auvent de Saint-Pierre à Rome, par le mot «vis», les colonnes, fantaisistes et inspirantes, sont nombreuses parmi les projets scénographiques exposés.
Quand il y a longtemps Nikolai Merkushev, maintenant professeur à Stroganov, m'a appris la scénographie; et l'artiste préféré était Valery Leventhal; puis la mission du premier élève était une "nature morte" sur le thème de la pièce: nous n'avons, semble-t-il, pas tout de suite compris, mais ce ne devait pas être tout à fait une nature morte, mais une sorte de tas d'objets différents qui, au sens figuré et révéler émotionnellement le thème. Je me souviens que ce n'était pas une tâche simple, tout le temps il s'est avéré être une sorte de pile indistincte. L'exposition ressemble à une telle «nature morte», seule celle qui en résulte, enfilée sur de nombreux fils spéculatifs - la connexion de l'incomplètement connecté, la recherche de connexions internes, et plus l'écart est fort, plus la tension est grande et plus la perception est nette, mais de temps en temps pour le spectateur ils s'arrêtent, donnent du «repos», par exemple, plongez-vous dans un temple maçonnique - les objets du cérémonial maçonnique sont conservés à Tsaritsyno, et si j'avais mon chemin, je garderais ce fragment dans un exposition permanente. Ou dans le karcheri de Piranesi, juxtaposé au Columbarium de Brodsky / Utkin.
Tout cela, bien sûr, doit être cousu ensemble d'une manière ou d'une autre. Il semble que parfois le contraste et le caractère inattendu des juxtapositions, très diffamatoires, servent d'élément de connexion. Mais les décorations blanches métaphysiques de Stepan Lukyanov, le principal artiste de l'électrothéâtre Stanislavsky, qui a érigé des pyramides dans le temple maçonnique, dans la salle du pavillon - un pont semblable au vénitien, dans la salle des ruines, une tour en ruine de Désert de Retz sous Paris. L'ensemble de l'exposition devient ainsi une œuvre de scénographie, une histoire sur la vie et les possibilités de l'architecture imaginaire - une version volumétrique de la performance de Pietro di Gottardo Gonzaga, composée uniquement de peintures, mais non moins émotionnelle et parlant de cela. Il est, comme un opéra ou un ballet baroque, enfilé sur une séquence de thèmes fortement associés à la personnalité du commissaire - un historien de l'architecture moderne, mais aussi un connaisseur de l'art contemporain et du théâtre. Dans la troisième salle, on nous raconte que la scénographie baroque a été construite sur des thèmes récurrents: le palais, le donjon … L'exposition, comme une performance, est également construite sur des thèmes, et ils sont en partie empruntés à la scénographie baroque, en partie à la culture du parc et la culture du siècle des Lumières en général - le temple maçonnique, le pavillon, la ruine, - des choses qui étaient considérées comme importantes pour le développement de la personnalité, «l'apprentissage», c'est-à-dire, comme nous dirions maintenant, la croissance personnelle et le développement de l'intelligence émotionnelle.
Il était également impossible de se passer d'un discours ordinaire, d'explications répétées: beaucoup de textes d'accompagnement sont une sorte de livret pour l'exposition, ils permettent de le lire comme un livre, le commissaire lui-même promet de mener des excursions (il faut chercher des publicités sur Facebook), un guide sur la plateforme Izi. Travel est joint à l'exposition.
