Lors d'une conférence de presse avant l'ouverture de la Biennale, son président, Paolo Barrata, a grandement félicité le conservateur Aaron Betsky pour avoir suggéré la devise difficile à comprendre `` Out there '' pour l'exposition d'architecture qui se déroule actuellement à Venise - l'architecture la plus représentative. exposition dans le monde. L'architecture au-delà de la construction ». Selon Barrata, ce sujet est multiforme, significatif et fructueux. Elle provoque des recherches créatives et donc la biennale d'architecture actuelle est peut-être la meilleure des dix dernières années. Le conservateur Aaron Betsky a accepté favorablement le compliment - après quoi il a dû répondre pendant longtemps aux questions des journalistes, expliquant qu'en fait il aimait les bâtiments et n'avait pas l'intention de faire de la biennale d'architecture une branche de la Biennale d'art contemporain, et aussi qu'il n'est pas du tout utopique, qu'il ne plane pas dans les nuages et que les rêves deviennent réalité.
Ainsi, le thème défini par Betsky en termes d'ambiguïté semble avoir dépassé toutes les expositions précédentes. De plus, il peut être traduit de différentes manières - soit "à l'extérieur", soit "avant", ou "sur". Un autre mot «au-delà», maintenant collé partout à Venise (surtout dans le pavillon italien) est traduit par «après la mort». Cela fait écho de manière inattendue au fait que le conservateur de la Biennale a défini les bâtiments comme des «tombes d'architecture» - l'architecture, à son avis, est une façon de penser les bâtiments, et quand ils sont construits, il meurt. À Venise, une ville musée qui s'enfonce tranquillement sous l'eau, cela semble particulièrement apaisant et, bon gré mal gré, vous rappelle la ville russe de Kitezh.
Cependant, la tâche du conservateur doit être comprise exactement le contraire - il ne voulait bien sûr pas tuer l'architecture, mais la faire revivre (et l'exposition) de la manière habituelle - en dépassant le cadre du monde architectural lui-même. en quête de renouveau. Aaron Betsky a encouragé les participants à la Biennale à expérimenter, en se tournant vers les domaines du cinéma, de l'art, du design, de l'architecture du paysage et de la performance. Les expériences, dit-il, peuvent prendre la forme de structures temporaires, ainsi que d'images «parfois obscures».
Ce dernier semble être une partie importante du concept de Betsky. L'incertitude est le chaos, et du chaos quelque chose de nouveau est censé naître. Supposons que le rêve principal de tout critique et théoricien n'est pas seulement de décrire le processus observé, mais aussi de l'influencer. Lorsque cela se produit, des tendances très puissantes et fondées sur la théorie émergent dans l'art. En revenant à l'architecture, il est facile de remarquer qu'après l'enthousiasme pour l'émergence de l'architecture non linéaire ces dernières années, rien de spécial ne s'y est passé, la stagnation est esquissée. La Biennale est l'exposition architecturale la plus influente, et il n'est pas surprenant que ce soit avec son aide que Betsky ait tenté de «réveiller» l'architecture moderne, de créer le chaos, dont on attend quelque chose de nouveau. Le chaos, cependant, peut être différent - productif et destructeur, chaos de génération et de destruction (parfois, cependant, l'un se transforme en un autre). Le chaos peut aussi être naturel, provenir de causes naturelles, et parfois artificiel, et il semble que le chaos que le conservateur a tenté de créer lors de sa Biennale ne soit que artificiel. Mais qu'il soit productif ou non, ce ne sera possible qu'avec le temps de comprendre. Si de cette façon, dans dix ans, cette Biennale sera qualifiée de jalon - alors l'idée a sans aucun doute été un succès. Sinon, cela a échoué.
En attendant, nous ne pouvons être guidés que par les émotions. Le pavillon italien, entièrement dédié à l'architecture expérimentale, donne l'impression d'un chaos ennuyeux. Il y a beaucoup d'expositions (55), saturées de textes et de petites images, qui sont parfois entrecoupées de modèles et d'installations - ensemble tout cela se fond dans une masse difficile à percevoir aussi parce que les textes sont très mystérieux par endroits - apparemment, pour le dans un souci de réaliser les très «parfois ambiguïtés». Pour diluer la diversité des expériences de jeunesse, ainsi que pour montrer comment exactement on doit expérimenter, parmi elles étaient placées les salles des vénérables "stars" avec le sous-titre "Experiment Masters". Dans l'un d'eux, il y a une peinture de Zaha Hadid, qui est vraiment très similaire à l'avant-garde des années 20, mais seulement un peu plus ornementale et donc belle - bien qu'à côté de ces peintures, un tapis fabriqué selon ses motifs en quelque sorte semble trop approprié sur le sol. Dans l'autre, il y a des griffonnages de Frank Gehry, qui a reçu le Lion d'or cette année pour sa «contribution à la vie». Doodles - traduit par «gribouillis», ce qui est dessiné involontairement, mais dans ce cas aussi ce qui est moulé, plié, froissé avec des degrés divers de caractère involontaire - prototypes de l'architecture de Gehry - qui, ainsi, est né de griffonnages. Mais le plus remarquable de tous est l'installation d'Herzog & De Meuron, réalisée en collaboration avec l'artiste chinois Ai Weiwei: la grande salle à l'entrée du pavillon est entièrement occupée par une structure de longs poteaux en bambou, auxquels sont attachés des bambous. chaises, ainsi suspendues dans les airs. Cela s'est avéré assez aérien et très mystérieux.
L'exposition à l'Arsenal, où Betsky a placé des installations des célébrités qu'il a invitées, crée un sentiment de chaos, pas du tout ennuyeux, mais puissant, très expressif, sombre et effrayant. C'est peut-être parce que l'espace Corderi lui-même est grand et sombre, les colonnes rondes épaisses ressemblent à une cathédrale romane grossièrement faite, mais Corderi est plus longue que la cathédrale et le changement de salle à un moment donné semble sans fin. Et les installations sont grandes, elles s'inscrivent à grande échelle dans cet espace, en lui empruntant l'échelle et la portée. Les «stars» n'ont pas été invitées en vain, chacune a travaillé professionnellement, les installations sont solides, reconnaissables et lumineuses - Corderi transformé en série d'images - en attraction d'exposition. C'est bon pour l'exposition, mais pas très bon pour l'intention du commissaire, car parmi les manifestes de la Biennale actuelle, la pensée a éclaté que l'architecture-attraction n'est pas très bonne, et l'architecture devrait réfléchir à la façon de nous faire sentir comme si nous étions en ce monde "comme à la maison". Cette idée - «être à la maison» - est répétée à plusieurs reprises dans les textes de Betsky et semble être l'une des principales. Mais les installations vedettes n'évoquent en aucun cas le «sentiment de chez soi», mais génèrent plutôt de l'anxiété.
Un autre problème est la reconnaissance. Une fois dans l'Arsenal, les étoiles n'ont pas expérimenté à la recherche d'images vagues de quelque chose de nouveau ou de différent, mais au contraire - chacune a montré qu'il le pouvait. Les images peuvent être vagues quelque part, mais leur signification semble en quelque sorte la même - tout cela est un résumé de concepts créatifs, le résultat, pas le début, le passé, pas l'avenir. Frank Gehry est très reconnaissable: il a construit un fragment de façade, semblable à Bilbao, en bois et en argile. Les surfaces concaves sont progressivement enduites d'argile, elles sèchent et se fissurent. Cela se fait lentement, à la fin de la Biennale en novembre, toute la «façade» sera recouverte d'argile: c'est ainsi que l'installation présente des caractéristiques de performance, qui est dynamique, mais le regard est toujours retourné - en regardant cette performance, vous vous souvenez de Bilbao et tout semble grand et un stand d'exposition spectaculaire conçu pour présenter la pièce la plus visible du portfolio de Gehry. La même chose se produit avec Zaha Hadid - elle a installé sa prochaine forme fluide dans l'Arsenal, dont il est écrit dans l'explication qu'elle est le prototype du mobilier. Mais Zaha Hadid conçoit depuis longtemps des meubles aussi improbables. Un objet similaire a été installé par Zaha à l'intérieur de la Villa Foscari en l'honneur du 500e anniversaire d'Andrea Palladio; mais qu'est-ce qui est intéressant - à l'intérieur du Palladio ou dans l'Arsenal - des choses très similaires, alors à quoi ça sert? Greg Lynn a ajouté un peu d'humour - faire des meubles aussi, mais à partir de "jouets recyclés". Les jouets se sont révélés être des sculptures lumineuses, qui, je dois le dire, occupaient le moins de place - pour elles, le jury a décerné le "Lion d'or".
En plus de ce qui précède, il existe de nombreuses images impressionnantes dans l'Arsenal. L'installation de toile d'araignée en dentelle de Matthew Ritchie et Aranda Lush "Evening Line" est magnifique. Il se compose entièrement d'ornementations - en partie sculptées dans du métal, en partie composées d'ombres et de projection vidéo, inscrites dans un motif métallique sur le mur. Ce que cela signifie n'est pas clair (quel était le but?), Mais cela semble tentant et pertinent - maintenant les architectes adorent les ornements. Unstudio a placé dans Corderi un objet volumineux de la taille d'une petite pièce, incurvé comme une bande de Mobius - cet objet se distingue par le fait qu'il peut être entré à l'intérieur. L'objet de la famille Fuchsas, au contraire, est délimité par une ligne jaune, qu'il est recommandé de ne pas franchir (ce que personne n'observe): ce sont deux fourgons verts géants avec de petites fenêtres à travers lesquelles vous pouvez voir des scènes du quotidien en stéréo. format cinéma. Le concessionnaire et Scorfidio se sont comportés très facilement - leur installation compare les vidéos avec deux Venice - un vrai et un jouet américain de Las Vegas. On ne sait pas comment cela révèle le thème Betsky, mais à Venise, il a fière allure et les chaises sont constamment occupées. Barkow Leibinger a construit un "jardin nomade" à partir de tuyaux métalliques découpés au laser - en raison de l'homogénéité du matériau et de la simplicité de la solution, à mon avis, c'est l'une des installations remarquables de l'Arsenal. Mais Philip Rahm a attiré l'attention sur son installation par le fait que dans les premiers jours de l'exposition (je ne sais pas comment plus tard), il y avait deux personnes nues allongées là-bas, et à côté d'eux, quatre personnes habillées hipishly jouaient une sorte de musique de guitare: le projet est dédié au réchauffement climatique, mais c'est là que suit? Par nudité?
Ainsi, la partie de l'exposition, conçue pour répondre à l'appel du commissaire, se compose de 55 petites expositions dans le pavillon italien et de 23 grandes installations dans l'Arsenal. Tous ensemble, ils s'additionnent à une tentative d'éveiller les architectes - de la pratique commerciale aux fantasmes «papier» - dans un souci de renouveau, un tournant, en général, la naissance de quelque chose de nouveau. Le pavillon de l'Italie représente, selon le commissaire, à la fois le passé et l'avenir de ce processus: expositions de jeunes - espoir pour l'avenir, expositions rétrospectives de maîtres - une sorte de manuel sur la façon d'expérimenter. Tout cela est complété par l'article de Bezki sur l'histoire de l'expérimentation moderniste d'après-guerre - ses origines, le conservateur retrace la crise politique de 1968 et la crise énergétique de 1973. Becki nomme des noms, construit une histoire et invite de jeunes architectes à la poursuivre. L'exposition Arsenal, en revanche, lance le même appel à l'expérimentation aux vénérables maîtres - en théorie, toute la communauté architecturale devrait par conséquent être impliquée dans le processus de création de «gribouillis» - à partir desquels un nouvel élan de pensée, un nouvelle torsion, se produirait par la suite. Alors que se passe-t-il? L'exposition des jeunes s'est avérée peu profonde et sursaturée (bien que, si on le souhaite, on puisse y voir des choses intéressantes) - et «l'étoile», au lieu de la dynamique et de la nouveauté, a reproduit les propres techniques des «étoiles». L'impulsion d'injecter artificiellement le chaos créatif dans l'architecture semble avoir échoué. Peut-être parce que c'est artificiel? Bien que - comme on l’a déjà dit - ce n’est qu’après dix ans qu’il sera enfin clair si cette tentative a au moins porté ses fruits et si elle a conduit à un tournant. En attendant, en regardant l'exposition, cela semble peu probable.
Mais voici la chose étrange. On ne sait pas si Betsky a réveillé les architectes. Mais les forces naturelles, il faut penser, se sont réveillées. Il était facile de remarquer que la cérémonie d’ouverture de la Biennale, dont le commissaire a déclaré dans son manifeste que ce n’était pas la chose la plus importante dans notre monde de se protéger de la pluie, est tombée sur une telle averse qui se produit rarement à Venise. À cause de cette pluie, l'ouverture a dû être déplacée du Giardini à l'Arsenal - et une foule de journalistes mouillés et gelés se tenait devant l'entrée. Mais ce ne serait toujours rien. Donc, après tout, arguant de l'importance des problèmes économiques et autres pour le développement de la pensée conceptuelle, le commissaire de la Biennale actuelle, apparemment, non seulement la pluie, mais aussi la crise a tremblé. La crise est évidente. Nous attendons des expériences.
Botanistes et nomades
Tout en interprétant son sujet confus pour le public et les participants de la Biennale, le commissaire Aaron Betsky a parlé principalement de manière apophatique, c'est-à-dire du contraire. Pas un bâtiment, car c'est une tombe d'espoirs humains et de ressources naturelles, pas une utopie ou une solution abstraite à des problèmes sociaux - mais des images et des énigmes à rêver. Il a appelé à aller au-delà du bâtiment et de l'architecture en tant que discipline - et à l'expérimentation. Mais il n'a pas dit exactement où aller, gardant le mystère énigmatique.
Chacun a réagi à ce mystère de différentes manières, avec le cinéma, le design et le mobilier. De nombreux critiques jugèrent la Biennale d'architecture trop proche de la Biennale d'art contemporain et perdirent ainsi sa spécificité professionnelle. Après avoir dépassé le cadre, on peut non seulement gagner, mais aussi perdre - c'est, en général, une occupation passionnante, mais aussi dangereuse - à traverser les frontières.
Cependant, la manière la plus évidente de répondre au sujet s'est avérée être la plus simple: il suffit de quitter le bâtiment. Il serait curieux que les salles d'exposition soient laissées vides du tout et que les expositions soient détruites à l'extérieur, mais la Biennale n'a toujours pas atteint un tel degré de littéralisme. Cependant, en termes d'évasion de l'architecture vers la nature et de construction là, à l'extérieur, de diverses «structures temporaires», les architectes pourraient se tourner vers la riche expérience des résidents d'été soviétiques - ils ont également fui le déclin du modernisme et, s'étant un potager.
Le plus grand potager de la Biennale a été construit par les Gustafson. Une partie de la végétation sauvage couverte de lianes du Jardin des Vierges, situé au bord de l'Arsenal, sur le site d'un monastère bénédictin en ruine - a été cultivée par le projet anglo-américain "through Paradise" (vers le paradis). Le chou, les oignons et l'aneth (symboles de satiété) sont entrecoupés de fleurs, au centre de la composition il y a une colline courbée comme un escargot, recouverte d'herbe nette. L'escargot aux herbes est censé être un endroit à voir, avec des coussins de sièges placés dessus, mais un jour de pluie d'ouverture, seules des boules blanches planaient sur la pelouse vallonnée. Plus loin, dans l'ancienne chapelle (ou église?), Des bougies sont placées sur des étagères le long des murs, et les noms latins d'animaux et de plantes disparus sont inscrits sur les murs (il y en a pas mal). Il faut avouer que ce projet de paysage est le plus ambitieux de la Biennale. Pour lui, ils ont même abattu plusieurs vieux arbres, ce qui n'est pas le bienvenu à Venise.
Soit dit en passant, le thème du paradis s’insère bien dans la conservation «là-bas» et «au-delà» - il n’ya rien de plus d’autre monde que le paradis. Il se révèle à sa manière dans le pavillon allemand: les pommes poussent sur des branches collées dans des pots, des compte-gouttes avec du liquide vert sont attachés aux branches. On ne sait pas si les fruits eux-mêmes ont poussé sur des boutures minces et comment cela a été réalisé, mais l'exposition symbolique est accompagnée de l'argument selon lequel les gens, essayant de se créer un paradis sur terre, détruisent des écosystèmes entiers pour le bien de ce paradis technogénique.. Les pommes sous compte-gouttes devraient probablement représenter un paradis artificiel.
Le pavillon du Japon est entouré de fleurs, installé à l'intérieur de structures éphémères qui ressemblent aux contours de tours entrelacées de verdure. Ce sont des schémas de bâtiments à plusieurs étages habités par la végétation - ils sont également représentés à l'intérieur du pavillon sur les murs au crayon. En plus des dessins, il n'y a rien d'autre dans le pavillon - il est complètement blanc, comme une sorte de feuille de papier renversée à l'intérieur. Beaucoup de gens ont aimé ce pavillon laconique et contemplatif de manière synthaique.
Le potager américain est plus petit et pas si profond, mais social - il se consacre, en particulier, à l'éducation des enfants par le jardinage (ce type d'éducation est maintenant pratiqué dans de nombreux monastères de notre pays). Les Américains cachaient la dorica impériale de la façade derrière une maille translucide, installaient un potager devant la colonnade et remplissaient le pavillon de toutes sortes de projets sociaux. Une «écotopédie» très sérieuse et diversifiée, une encyclopédie des problèmes environnementaux, est déployée dans le pavillon danois.
Le thème environnemental est également populaire parmi les projets expérimentaux du pavillon italien. Les idées, cependant, sont pour la plupart familières: les villes vertes, où il y a une forêt en contrebas, et la technologie et la civilisation "au deuxième niveau" et les gratte-ciel verts, dont l'un est particulièrement perceptible - Julien de Smedta, un projet destiné aux Chinois ville de Shenzhen, située sur le continent en face de Hong Kong. C'est un gratte-ciel gigantesque, habité à parts égales par des hommes et de la verdure, qui, selon les auteurs, devrait remplacer les montagnes boisées qui ont disparu dans cette région, devenant une grande montagne artificielle. Peu importe ce que dit le sage de Cincinnati sur les avantages des inspirations vagues, un vrai projet semble très avantageux dans leur contexte.
Une autre façon de s'échapper «du bâtiment» est de se rendre à la cabane. Curieusement, il n'est pas très populaire, mais il est proche de nous dans l'esprit. La "cabane" principale en forme de yourte a été construite sur le quai de l'Arsenal par Totan Kuzembaev et placée à l'intérieur d'une petite voiture. Le but est de combiner les accessoires nomades de deux cultures - ancienne et moderne. De la civilisation moderne, à l'intérieur de la yourte, il y a divers accessoires techniques, téléphones portables, ordinateurs portables, etc., utilisés non pas pour leur usage prévu, mais comme attributs d'un chaman. Pour survivre dans le monde moderne - écrit Totan Kuzembaev dans l'explication de "Nomad", vous devez vous adapter. Et puis soit quelque chose de nouveau se produira, soit le mondialisme avalera tout, ce qui sera triste - conclut-il.
D'un autre côté, entre l'Arsenal et le paradis de Gustafson, les architectes chinois ont construit plusieurs maisons différentes - faites de caisses, de contreplaqué, de panneaux durs - les maisons sont grandes, à trois étages, mais à l'intérieur, elles sont inconfortables et exiguës, comme dans un train. La cabane pergola construite par Nikolai Polissky sur la terrasse du pavillon russe s'inscrit également dans la même rangée - une belle structure, mais malheureusement pas très visible en raison du fait qu'elle est située du côté de la lagune.
Il existe également une manière plus abstraite de partir - par exemple, de la forme au son et à la vidéo. Voici un magnifique pavillon de Grèce totalement dépourvu d'architecture, composé de socles interactifs avec des moniteurs et des écouteurs avec les sons de la ville. Il fait sombre avec des fils de plastique incandescents suspendus.
Et enfin, vous pouvez vous éloigner de l'architecture en vidant le pavillon - cela a été fait dans le pavillon en Belgique, où des confettis colorés sont éparpillés sur le sol ("After the Party"), ou en Tchécoslovaquie, où il y a des réfrigérateurs amusants avec de la nourriture ensembles pour différents personnages.
La plupart des participants ont interprété le sujet avec diligence, mais il y a aussi des frondeurs - ceux qui, contrairement à la devise, ont encore montré les bâtiments. Après tout, les pavillons nationaux n'ont pas à suivre le thème. Grand est le pavillon du Royaume-Uni, où une exposition coûteuse et soigneusement conçue est consacrée à cinq architectes qui construisent des logements dans des villes britanniques. Il s'avère qu'aujourd'hui en Grande-Bretagne - patrie de la cité-jardin et des nouveaux types d'habitations au début du XXe siècle - de moins en moins de logements sont construits. Le pavillon de la France est rempli de nombreux modèles: chacun d'eux est placé dans une boîte en plastique transparent et fixé au mur avec une console mobile - vous pouvez tordre les modèles tout en les regardant. L'architecture de l'Espagne est également représentée avec beaucoup de détails et de manière traditionnelle - avec des images et des modèles. Pour la première fois depuis de nombreuses années, cette rangée comprend le pavillon russe, dont - un peu plus tard.
Les Russes à Venise
Il se trouve que parmi les personnes à qui j'ai pu m'entretenir à Venise, les journalistes ont évalué le concept d'Aaron Betsky de manière plutôt positive, tandis que les architectes ont surtout été négativement. Il y a, bien sûr, des exceptions, mais dans l'ensemble c'est évident: les architectes viennent à Venise pour regarder l'architecture, et son absence presque totale n'a pas été la plus agréable surprise pour eux.
Dans le pavillon russe, tout s'est passé à l'inverse: ce ne sont pas de vagues providences qui sont montrées, mais des bâtiments, de nombreux bâtiments. Auparavant, lorsque des projets et des réalisations étaient exposés à la Biennale, des installations étaient disposées dans le pavillon russe, et maintenant, quand il a finalement été décidé de montrer une véritable architecture, Aaron Betsky a formulé la «tâche» exactement inverse. Cependant, le thème n'est pas obligatoire pour le pavillon national … Aurait-on dû abandonner pour la première fois l'idée de montrer une tranche de la véritable architecture russe et de s'adapter à la devise? Dur à dire. Mais, à proprement parler, il est évident que le thème fixé par Betsky pour la Biennale correspond à la situation d'un certain ennui et satiété avec les «stars» qui s'est développée dans l'architecture du monde. Et le thème, défini par le conservateur du pavillon russe, Grigory Revzin, est en accord avec la situation du boom de la construction en Russie. Et l'exposition représente assez fidèlement un instantané de l'architecture russe d'aujourd'hui. Y compris la panachure et l'encombrement caractéristique de celui-ci, la croissance active, vitale et peu contrôlée de divers bâtiments.
L'exposition se compose de deux parties. L'étage supérieur est occupé par des projets et des bâtiments modernes - il dispose de trois salles, une principale et deux supplémentaires. Les concepteurs Vlad Savinkin et Vladimir Kuzmin les ont choisis en trois couleurs différentes: la première salle, qui affiche le catalogue électronique, est blanche, la troisième salle - elle contient des développeurs, est noire et la salle principale et centrale est rouge. Son sol est bordé de cellules d'échecs, les rouges sont les bâtiments d'architectes russes, les blancs sont les modèles réalisés selon les plans des étrangers construisant en Russie. Selon l'idée du conservateur, entre les modèles russes et étrangers, se déroule une partie d'échecs conditionnelle - accentuant le thème de la compétition entre architectes «locaux» et «étrangers».
La deuxième partie de l'exposition concerne les structures en bois de Nikolai Polissky, pas encore d'architecture, mais, comme défini par le commissaire du pavillon russe Grigory Revzin, une expression du rêve du paysage russe. Les œuvres de Polissky imprègnent le pavillon russe - dans la salle du premier étage, elles forment une forêt éclaircie par des taches de lumière. Au même endroit, dans la salle voisine, les principales œuvres de Polissky sont montrées et - des vidéos - le processus de leur création par les forces d'une équipe bien coordonnée d'habitants du village de Nikolo-Lenivets. Basées au premier étage, les structures de Polissky continuent de croître partout - sous la forme d'une arche impromptue devant l'entrée, des pergolas sur la terrasse (appelée `` au-delà du bâtiment '') et même les pieds de la table dans le hall du développeur fait des mêmes troncs tordus.
Il faut admettre que les créations de Nikolai Polissky diffèrent nettement des autres projets paysagers de la Biennale, et pas seulement par le fait qu'ils manquent totalement du thème «paradis» d'un jardin-jardin, et que le matériau est sauvage, naturel, à peine nettoyé. Ils sont beaucoup plus proches de la nature que les projets écologiques, qui, en fait, appartiennent davantage au monde de la technologie. La «forêt» de Polissky est un peu sauvage et effrayante, bien qu'à l'intérieur du pavillon elle manque d'échelle - il n'y a nulle part où se retourner. Mais il faut comprendre que c'est une forêt "d'exportation", un gobelin en tournée. À Nikolo-Lenivets, les projets paysagers de Polissky sont à la fois plus vastes et plus vitaux.
Cette année, les Russes ont participé à toutes les parties principales de la Biennale. Totan Kuzembaev, qui a récemment remporté la deuxième place du concours pour un pont sur le Grand Canal de Venise, a été invité par Aaron Betsky à participer à l'exposition curatoriale de l'Arsenal et a construit la yourte déjà mentionnée dans la rue devant lui. Boris Bernasconi, qui a récemment partagé la première place du concours international du Perm Art Museum avec Valerio Olgiati, a été invité à diriger l'exposition au pavillon italien - et a utilisé cette invitation pour lutter contre le projet Orange de Norman Foster. Je dois dire qu'Aaron Betsky, lors de sa conférence de presse, a mentionné séparément le projet de Bernasconi et l'a beaucoup loué dans le sens où le jeune architecte a osé protester contre Foster lui-même.
Arrivée à Venise, l'exposition Maternity Hospital (organisée par Yuri Avvakumov et Yuri Grigoryan) s'est transformée en un très beau projet. L'exposition a été présentée pour la première fois à Moscou à la galerie VKHUTEMAS, puis à Saint-Pétersbourg. Je dois dire qu'à la Biennale l'exposition, qui avait été inventée un an plus tôt, s'est avérée très utile: elle se compose d'embryons sculpturaux d'architecture, d'interprétations du thème de la naissance, réalisées par des architectes, parmi lesquels il y a beaucoup de Russes., mais de nombreux étrangers. J'oserais même suggérer qu'ici l'idée principale de Betsky est exprimée, sinon plus précisément, alors plus succinctement que dans l'Arsenal. Installée dans l'église vénitienne de San Stae, l'exposition s'est considérablement transformée: toutes les pièces ont été placées dans des cellules à l'intérieur des murs d'une maison en carton aux murs perforés. Ce bâtiment est assimilé à un reliquaire d'église et en même temps à une crèche. L'évolution de l'exposition semble être très logique. De plus, il semble que Venise elle-même ait joué un rôle ici - une ville dans laquelle presque tous les murs portent un étui à icônes avec une icône sculpturale. De ce que la ville semble consacrée dans son ensemble - une qualité qui a déjà été perdue par d'autres villes européennes - et même le brutal "Maternity Hospital" se transforme ici en crèche de Noël. Venise est une ville merveilleuse.
