Le thème de la Biennale, annoncé par les commissaires Yvon Farrel et Shelley McNamara, est, comme toujours, vague, mais pas trop vague. Par le nom - FreeSpace, ou Free Space, au fait, sur l'économiseur d'écran multilingue de la Biennale, ces mots en russe sont donnés en grand et ne sont inférieurs qu'à l'anglais - il est évident que nous parlons d'espaces publics, un sujet qui ces dernières années, a réussi à former une bonne rainure en forme d'anneau chez tous ceux impliqués sur le cortex cérébral. Alors lors de la conférence de presse, les commissaires ont expliqué que oui, bien sûr, les espaces publics, mais pas directement eux et pas seulement eux, exhortant à réfléchir à la façon dont les espaces existants permettent de se sentir libre, rappelant les émotions de l'espace libre et de la liberté intérieure., précisant que ce ne sont pas seulement les espaces entre les bâtiments, mais aussi les connexions et les interactions entre eux. Il faut en quelque sorte montrer, au moins du coin de l'œil, les projets et les bâtiments des architectes invités par les conservateurs - cette année il y en a 65 dans l'Arsenal, et je dirai tout de suite qu'il n'y a pas Les Russes. Diller Scofidio + Renfro participent, le deuxième à droite de l'entrée, mais ils ne montrent pas Zaryadye, mais le bâtiment de 14 étages du Roy and Diana Vagelos Medical Education Center de l'Université Columbia à New York: «… le bâtiment encourage l'apprentissage en équipe, son principal accueil est la Cascade pédagogique, une séquence d'espaces interconnectés, lumineux et saturés d'air. … Contrairement aux centres médicaux conventionnels, où l'objectif principal est d'optimiser chaque mètre carré, il est flexible, adaptatif et attentif aux sensations », c'est ainsi que le projet lui-même révèle le thème de la Biennale. Le plaisir a été entendu.
Mais le thème des espaces publics a certainement influencé l'exposition. Non seulement tout le monde a de nouveau été encouragé à ne pas penser entièrement aux bâtiments, mais à ce qu'il y a entre eux - rappelez-vous le mystérieux Out there d'Aaron Betsky - donc l'espace devrait également être libre. Sans surprise, presque tous les exposants ont proposé des bancs sous une forme ou une autre, des coussins aux endroits où l'on peut même s'allonger un peu. C'est une très bonne innovation: on sait que la Biennale concerne les jambes, l'exposition est immense et tous les loups n'atteindront pas la fin. Bien que cette année cela semble un peu plus petit, les caméras lugubres du Giardino delle Vergini ne sont occupées à rien. Sinon, comme toujours, les installations rivalisent d'originalité et de profondeur, choisissant un genre entre la présentation de projets et la recherche, la construction d'escaliers jusqu'au plafond, d'où l'on peut voir les halls de l'Arsenal d'en haut - il y en a surtout beaucoup, chaque année de plus en plus - spectacles de lumière et de musique méditatifs, plastiques architecturaux, minimalisme à l'abnégation et ainsi de suite.
Le commentaire des conservateurs est laconique et réparti sur deux salles - à l'entrée, après un rideau fait de cordes, rappelant le but originel de Corderi: des cordes y étaient fabriquées, «c'était un espace de travail, et maintenant un espace de communication ». Dans la première ligne, les conservateurs appellent le bâtiment un participant actif de l'exposition, admirent ses 317 m de longueur et précisent - la règle qu'ils ont dessinée sur le sol compare les anciens pieds vénitiens, piedi et unités métriques. Sur le plafond sur toute la longueur de la Corderie, des lettres sont projetées avec le même emblème de la Biennale actuelle - elles se réfèrent à l'éblouissement du soleil de l'eau, que l'on peut si souvent voir au plafond ici dans la ville. Toutes les expositions «représentent des aspects du travail de leurs auteurs» et répondent à différentes parties du manifeste, expliquent Farel et McNamara. Les points sont: la culture, la matérialité, l'espace des possibles, le mouvement, le temps, la mémoire et les dons de la nature.
Les premiers participants de l'entrée viennent de présenter leurs projets: Briton McLaughlin - sous la forme d'une table rotative en bois dans l'esprit des modèles de Leonardo, avec un ciel étoilé sur le dessus de la table; le jour de l'ouverture, il a lui-même fait tourner la table, ce qui est assez difficile.
À proximité, Takahara Tezuka montre son jardin d'enfants ovale Fuji: un modèle de projection animé montre comment les enfants courent non seulement dans la cour, mais aussi sur le toit, et les visiteurs craignent de ne pas tomber.
Les architectes montrent leur travail, mais souvent, s'efforçant de trouver le thème de la Biennale et à la recherche d'un «espace libre», ils se tournent vers des exemples de l'histoire - par exemple, Arrea Architecture de Slovénie: «… notre projet porte sur un carré et un arbre . L'une des places est la cathédrale.
Une autre option - Weiss / Manfredi, invités définitivement en tant qu'auteurs qualifiés dans la construction de parcs et de bâtiments publics, montrent 2/3 de leurs œuvres et environ un tiers d'analogies historiques, le pont Shah Abbas à Ispahan et l'Opéra de Sydney, pour ainsi dire, se mettant en contexte.
Le Bureau Gumujan, appelé les Britanniques à la Biennale, présente des projets pour la Route Transcaucasienne, un analogue de la route touristique norvégienne: une série d'interventions spatiales s'étendant sur 750 km. Ponts, remises, jetées et autres inclusions paysagères, conçus pour être construits d'ici 10 ans avec la participation de bénévoles. L'itinéraire n'est pas conçu pour le «tourisme industriel» - expliquent les auteurs, mais il convient parfaitement au thème de l'exposition et, en général, étonne par l'ampleur et la délicatesse du travail avec la nature. Les montagnes de carton ondulé avec des touches dorées de motifs sont très attrayantes.
L'exposition de l'ADN du bureau chinois est liée dans sa signification à celle arménienne et montre également des inclusions paysagères de très haute qualité - amphithéâtres et ponts dans le canton de Sonyan, dans le cadre du projet de revitalisation de la région. Appelé "acupuncture architecturale". Des matériaux locaux et des technologies de construction sont utilisés.
Les Espagnols Flores & Prats montrent à grande échelle leur projet de transformer un bâtiment abandonné d'une coopérative de travailleurs, construit à Barcelone en 1924, en un espace de théâtre, en en construisant un fragment en taille réelle, et il s'est avéré que devant il y a les bancs notoires, à l'arrière il y a des scènes avec des détails, dans une variété de mises en page, une histoire sur le projet.
Parmi les installations - micro-espaces publics, la première surprend peut-être l'attraction de l'enceinte en contreplaqué d'Alison Brooks. Elle a combiné quatre pavillons, deux avec des miroirs désorientants, un avec la perspective des arcs qui montent, qui peuvent être observés et photographiés, bien sûr, allongés sur la plate-forme, ce que tout le monde faisait. Bien sûr, il y avait un amphithéâtre. Le travail du bureau se fait dans de modestes petits livres sur les cordes. Nous sommes assis sur l'amphithéâtre à regarder. Toutes les parties de l'installation d'une manière ou d'une autre résonnent avec les solutions architecturales de Brooks.
Cependant, il y a beaucoup d'escaliers jusqu'au plafond, comme déjà mentionné, cette année.
Lion d'or
est allé à Kenneth Frampton, tandis qu'à Corderie, Rafael Moneo, peut-être, joue le rôle de «sommités» avec la déclaration,
Et Mario Botta, qui a collecté des insectes et des façades classiques dans une boîte de contreplaqué. Et tout cela est le travail de plusieurs groupes d'étudiants de première année. Le thème d'un groupe est une introduction à un projet architectural, l'autre est de regarder, voir, observer, imaginer. «L'architecture étudie avant tout l'espace de la vie humaine et la transforme, établissant de nouvelles connexions spatiales», dit la description. «… Par conséquent, les architectes doivent avant tout se souvenir de la responsabilité, et en assumant le rôle d'interprète de l'histoire de la mémoire communautaire, ils doivent adhérer à la ferme conviction qu'ils n'inventent pas tant qu'ils réécrivent l'acte ancien. de construction de manière moderne.
Alejandro Aravena a écrit ses principes rapidement, sur papier et sur le mur.
Il y avait une place pour les oreillers - dans l'installation de Benedetta Tagliabue intitulée "Woven Architecture". «L'espace libre donne un sentiment d'appartenance et une certaine forme de bonheur», commente l'architecte.
… et pour le sépia "Renaissance" - des Espagnols De Blacam & Meagher; le spectacle du projet est stylisé en addict.
Les architectes australiens John Wardle ont construit une pipe semblable à la camera obscura, dont la draperie a été enlevée, et l'ont mystérieusement appelée «Quelque part d'autre».
La longue structure métallique avec toit ondulé représente le toit construit par les Norvégiens Jensen & Skodvin au-dessus de la source Moya. Vous pouvez entrer.
Les architectes italiens Laura Peretti présentent un projet de régénération de Corviale, une célèbre maison moderniste très longue, soit l'horreur urbaine, soit un monument aux expériences de l'architecture d'après-guerre.
Et enfin, au bout de 317 mètres, les Corderi se disputent entre eux dans la transparence et la dématérialisation de Kazuyo Shojima / Ryue Nishizawa avec une installation en plastique qui ressemble vivement aux lignes de pêche de Junio Ishigami, qui ont été déchirées par un chat il y a 10 ans, et Ricardo Bloomer avec des toiles de bulles de savon contrôlées par une automatisation sophistiquée, représentant "des circonstances extrêmes de l'espace libre" et en même temps - des pratiques pédagogiques expérimentales de l'auteur. Peut-être, dans le sens de la dématérialisation, c'est ce dernier qui l'emporte, mais le débordement de bulles de savon - étonnamment - est presque impossible à photographier.
Le dernier objet de Corderi - "Spatial Experience", l'hypostyle de Valerio Olgiati, met fin à la dispute.
