Le programme parallèle de la XIVe Biennale d'architecture de Venise comprenait une exposition qui semble n'avoir rien à voir avec l'art de l'architecture. Il s'agit de l'exposition «De l'autre côté de la porte rouge» de la figure de proue de l'art officieux de l'URSS Mikhail Roginsky. Ses œuvres de 1978-2001, période de l'émigration parisienne, ont été apportées par la Fondation Mikhail Roginsky et en artibus, dirigé par la mécène Inna Bazhenova. L'exposition a été préparée en collaboration avec la veuve du maître Liana Shelia-Roginskaya.
Pourquoi un peintre à la Biennale d'architecture? ce n'est pas si simple. La commissaire de l'exposition Elena Rudenko a expliqué que la stratégie de Roginsky de diviser le monde en pré-éléments (porte, table, étagère, chaise, baignoire, bouteille) est tout à fait cohérente avec l'idée de Fundamentals, qui a été formulée par le conservateur du Biennale Rem Koolhaas et a déterminé la direction de l'exposition principale du festival.
Comme nous nous en souvenons, l'exposition principale dans le pavillon central de Giardini s'appelle Éléments d'architecture. Elle présente un certain catalogue de modules à partir desquels le bâtiment est assemblé: plafond, fenêtre, sol, balcon, salle de bain, porte, etc. L'exposition est remarquable en tant qu'exemple de propédeutique architecturale, un manuel en trois dimensions pour l'enseignement de l'alphabet des formes architecturales. Des articles encyclopédiques, qui accompagnent la démonstration d'échantillons de toits et de toilettes, pourraient devenir la base des résumés de quelques jeunes curieux des collèges et universités d'architecture. Le problème est qu'en communiquant avec cette encyclopédie d'éléments, il n'y a pas d'émotion personnelle et le discours de l'auteur de l'artiste-créateur. L'exposition de Roginsky résout ce problème. Il parle aussi des protoformes de notre être et de notre vie. Cependant, chacun d'eux est capturé dans un portrait et est chargé de l'énergie vitale acquise par l'artiste lui-même.
Ceux qui entrent à l'Université Ka'Foscari, où se trouve l'exposition de Roginsky, sont accueillis par sa légendaire «porte» rouge. Ceci est un objet de 1965. Non trouvé, comme on pourrait le penser au début, mais créé exprès et ayant absolument "portrait", comme le "carré noir" de Malevitch, de la plasticité et même des expressions faciales. Le travail avec la surface est magnifique, qui est préparé par l'artiste de manière à ce que les bijoux (avec une attention particulière à toutes les bavures, gouttes de peinture et craquelures) que le produit brut acquière la qualité d'un bijou unique, quelque chose comme un autoportrait crypté du auteur.
Ainsi, déjà sur le pas de la porte, le visiteur de l'exposition acquiert une dimension d'humanité en communication avec le modernisme international des blockhaus et des appartements standards, indifférent à cette problématique. Un mouvement ultérieur soutient et développe ce thème de «mesurer l'humanité». C'est formidable que l'architecture de l'exposition ait été réalisée par le gourou du modernisme russe, Evgeny Ass. Il a placé l'œuvre sur deux étages. L'aménagement même de la suite principale de l'Université Ca'Foscari est simple: un grand couloir donnant sur le Grand Canal. Parallèlement, il y a une chaîne de petites salles médiévales avec des plafonds en bois et parfois des cheminées. Ass a délibérément rendu l'expérience de l'espace difficile. Il a découpé toutes les suites avec de faux murs en bois. Chaque pièce construite dans l'Antiquité a été peinte dans la couleur de la peinture de Roginsky (tons doux de rose, vert, bleu foncé, blanc laiteux, ocre). Cela s'est avéré être quelque chose comme un labyrinthe. Le spectateur erre dans les coins et recoins de la conscience d'un habitant du khrouchtchev soviétique et des appartements communaux. La conversation est menée par des choses qui habitent les pièces de ces appartements.
Une question à Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, quel effet vouliez-vous obtenir dans le projet d'exposition?
Evgeny Ass:
- L'effet n'est pas le mot juste - j'ai essayé d'obtenir une certaine convivialité de l'espace d'exposition de la peinture de Roginsky. Et je ne parlerais pas du labyrinthe, mais de la difficile trajectoire du mouvement dans l'espace pittoresque. Les formes brisées des salles, les transitions spatiales dramatiques (toutes les ouvertures sont différentes), l'accrochage irrégulier des œuvres - pour moi tout cela est «l'architecture de la peinture» de Roginsky.
Il y a beaucoup de choses dans les salles et elles sont rassemblées en sections. Le premier est "ABC de la bidimensionnalité". Fonctionne 1978-1980. Étagères avec bouteilles et plats. Délibérément brutalement peint avec de l'acrylique bon marché sur du papier ou du carton bon marché. Doté d'une sorte de force animale et primitive. La peinture sauvage s'apparente au fauvisme: la négligence apparente de l'origine du plus aristocratique. La précision et la profondeur des couleurs et la beauté des relations tonales agissent comme un vitrail éclairé par le soleil.
Dans la section «Intérieur. Paysage. Figure in Space »montre des œuvres de 1981 à 1982. Il s'agit d'une reconstitution visuelle par Roginsky de ces appartements connus depuis les années soviétiques. L'artiste a déjà vécu à Paris et peint des pièces avec un abat-jour, des salles de bains et des escaliers de mémoire. Il ne voulait plaire à personne. Son credo était de libérer l'art de la beauté et de l'artificialité, d'effacer au maximum la distance entre la peinture et la vie. Après tout, ils ont une affinité vivante. Par conséquent, ses intérieurs sont délibérément pauvres et fragiles. Avec des bains enfumés, des radiateurs poussiéreux, des tables rugueuses et des escabeaux déséquilibrés. Les peintures de deux mètres sont réalisées sur papier à l'acrylique dans une technique presque monochrome: gris teinté de rose. Néanmoins, en pénétrant dans ces intérieurs avec nos yeux, nous ne ressentons ni infériorité ni inconfort. Un travail subtil avec l'espace et des nuances délicates de la surface dans le même ton rendent la peinture exquise et très noble. Il n'en est pas autrement dans ces intérieurs communaux du modernisme soviétique des bribes de disputes intellectuelles sur Bakhtine et Shklovsky (elles ont été menées précisément dans l'espace des cuisines communes).
Une œuvre de l'exposition se réfère avec précision à un possible sympathisant de Roginsky dans le sens de la création d'une incarnation délibérément laide et grossière, mais en même temps raffinée et belle dans la subtilité de l'incarnation de l'art. Ce travail est "Coiffeur". Dans la brume de l'aube du matin, un coiffeur soviétique cisaille adroitement les cheveux d'un client assis devant un miroir. Eh bien, bien sûr, l'homologue de Roginsky dans ce cas est Mikhail Fedorovich Larionov avec ses barbiers, la pantomime maladroite de la vie des villes de province, une peinture délibérément naïve et, avec tout cela, une culture étonnante de la couleur et de l'espace. Roginsky et Larionov sont unis par la compréhension de l'environnement urbain ordinaire et banal comme une source unique d'idées et d'images artistiques.
Aujourd'hui, tant en Russie que dans le monde, il y a eu un processus de réhabilitation de cette architecture en blocs impersonnelle des années 1960-1980, qui pour le moment dans l'intelligentsia était indécente d'aimer, et de haïr c'était Bonton. Aujourd'hui, la jeune génération est précisément dans la deuxième vague du modernisme d'après-guerre à la recherche d'exemples d'un style anti-bourgeois sensible aux problèmes sociaux. De nombreux pavillons de la Biennale actuelle sont dédiés aux bâtiments modernistes des pays des années 60-80.
Comment inspirez-vous le spectateur à entrer en contact avec cette architecture indifférente? Comment l'animer? Roginsky aide à trouver la réponse. La dernière section de l'exposition s'intitule "La peinture retournée" (1991-2001). Il montre des peintures (toile, huile) avec des vues des coins de Moscou, que l'artiste vivant à Paris a écrit de mémoire. Les maisons roses avec des rangées de fenêtres identiques, des casernes bleues, des rues et des entrées grises sembleraient déprimantes et sans joie sans l'énergie d'amour et de compassion émanant de chaque toile. Au monde que l'artiste a quitté il y a longtemps, mais qui est resté avec lui pour la vie.
L'exposition est ouverte jusqu'au 28 septembre.
