Espace De Vie Du Graphisme Architectural

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Une exposition de graphisme architectural "Seulement l'Italie!" Est ouverte au public dans le bâtiment d'ingénierie de la galerie Tretiakov. La moitié de l'exposition est composée d'objets de la collection de la Fondation Sergei Tchoban, l'autre moitié - des dessins de la Galerie nationale Tretiakov, et quelques autres - le travail de quatre artistes-architectes contemporains: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov et Sergei Tchoban.

L'exposition est absolument incroyable pour de nombreuses raisons. Tout d'abord, le graphisme architectural de haute qualité est un matériau qui se dispose à soi-même. L'examiner de feuille en feuille, examiner en détail les boucles, les ombres, le staffage, l'ordre est un plaisir parfait.

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Ш.-Л. Клериссо. Архитектурная фантазия с портиком античного храма и надгробием. Перо, гуашь, тушь. 1773. Фрагмент. Коллекция Сергея Чобана
Ш.-Л. Клериссо. Архитектурная фантазия с портиком античного храма и надгробием. Перо, гуашь, тушь. 1773. Фрагмент. Коллекция Сергея Чобана
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Зал графики XX века. Фотография Ю. Тарабариной
Зал графики XX века. Фотография Ю. Тарабариной
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Ж.-Ф. Тома де Томон. Вид античного Рима у дворца Нерона. Бумага мелованная, графитный карандаш, коричневый карандаш, процарапывание, перо, сепия. 1798. Коллекция Сергея Чобана
Ж.-Ф. Тома де Томон. Вид античного Рима у дворца Нерона. Бумага мелованная, графитный карандаш, коричневый карандаш, процарапывание, перо, сепия. 1798. Коллекция Сергея Чобана
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En revanche, on ne peut pas dire que les architectes sont souvent exposés dans la galerie Tretiakov. Ils n'y sont presque jamais montrés. Et ici - l'exposition a réuni non seulement des choses des réserves de la galerie, celles qui ont peu de chances d'être montrées à un autre moment, avec des feuilles de la collection du fonds Tchoban stockées à Berlin. Au centre de tout, comme la couronne de la création, se trouvent les dessins d'architectes modernes.

La conception de l'exposition appartient au bureau SPEECH et à Sergei Tchoban, qui ont arrangé les œuvres de ses contemporains (y compris la sienne) dans une petite salle de rotonde; dans la galerie qui l'entoure, des graphismes du XXe siècle sont exposés; à distance, dans deux espaces plus rectangulaires, sont exposées des feuilles des XVIIIe-XIXe siècles, divisées en deux blocs: «La naissance d'un thème» et «Rossika» (œuvres d'étrangers en Russie). Ainsi, la chronologie diverge en cercles dans l'espace de l'exposition, ou, plus précisément, converge du passé vers le présent: quelque chose comme des cercles sur l'eau, mais l'inverse.

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Il est à noter que SPEECH développe assez systématiquement le motif de la salle ronde dans son travail de conception d'exposition: il suffit de rappeler l'exposition "Museum of Graphics" à ArchMoscow en 2013 (lorsque le Berlin Museum of Graphics n'était pas encore ouvert), ou deux dessins de l'exposition du pavillon russe à la biennale vénitienne d'architecture: diorama pittoresque de la ville de Vyshny Volochok en 2010 et "Panthéon" des QR codes 2012, récemment

recréé à Zaryadye. Les salles rondes sont assez rares dans la conception des expositions modernes - l'espace de la rotonde n'est pas très pratique pour exposer, car il a tendance à submerger les expositions et à paraître plus important et plus précieux en soi. C'est un temple, pas un musée, un lieu de concentration ou même un service.

Cette qualité du rond est mise en valeur et utilisée dans l'accrochage. Les graphiques du temps nouveau sont exposés conformément à toutes les règles de l'exposition du musée et dans le respect dû. Dans l'espace rond à gauche, la feuille graphique cesse d'être valorisée par elle-même, devenant une partie subordonnée de l'intrigue spatiale. Les feuilles d'Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban sont accrochées sur deux rangées, sans fixer l'attention sur chaque œuvre individuelle en tant que valeur muséale (les graphismes du XXe siècle dans la galerie circulaire servent de transition, le tourbillon lui-même enlève déjà le musée rigueur).

Le sens de la déclaration est assez clair. Le graphisme moderne n'est pas tout à fait une exposition ici, mais plutôt une déclaration du fait même de son existence - la mission de poursuivre et de revitaliser la tradition du dessin classique. Il fait partie d'un temple imaginaire des arts, tandis que la collection historique ressemble à sa sacristie, un dépôt de spécimens précieux.

Il est caractéristique que l'énoncé intérieur plastique, qui interprète si subtilement le contenu de l'exposition, reste dans le cadre du langage des classiques. Complètement sans commande, mais les détails et les expériences spatiales sont ajoutés à la salle ronde par les feuilles graphiques proprement dites. Ce sont son architecture éphémère. Prenons par exemple le côté rond du Panthéon, articulé par un socle soigneusement dessiné d'arcs de déchargement: «le panthéon dans le panthéon» poursuit le jeu commencé plus loin, déjà dans un espace imaginaire derrière le plan de la feuille graphique.

A ce qui a été dit, il reste à ajouter que l'exposition, à commencer par les «fondateurs» du XVIIIe siècle, explore plus avant la tradition spécifiquement russe d'admirer l'Italie, et plus près du XXI il s'avère que cette tradition a acquis ici quelques caractéristiques tout à fait spéciales, non dépourvues d'une note d'admiration et, dans un bon sens, d'obsession, qui est si subtilement capturée par la forme du temple de la salle. Personne ne professe des études d'antiquités aussi sincèrement que Maxim Atayants; personne ne pense que son architecture est née d'un paysage d'aquarelle, comme Mikhail Filippov; personne n'est aussi attaché à la valeur intrinsèque du genre du graphisme architectural que Sergei Tchoban, qui a créé son musée, et Sergei Kuznetsov, qui va constamment à l'air libre. Ensemble, le résultat est un phénomène hétérogène, mais certainement unique.

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Зал «Расцвет архитектурного рисунка». Фотография Ю. Тарабариной
Зал «Расцвет архитектурного рисунка». Фотография Ю. Тарабариной
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Nous nous sommes entretenus avec les quatre exposants de la salle de dessin contemporaine.

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Sergey Choban Archi.ru:

Est-ce vraiment la plus grande exposition de dessins d'architecture réalisée avec la participation de votre fondation en ce moment?

Sergey Choban:

- Je pense que oui. Tant par le nombre d'œuvres présentées que par la période couverte, c'est le plus grand salon. Voici les œuvres d'auteurs exceptionnels d'Europe occidentale, fondateurs de l'école de dessin architectural du XVIIIe siècle, et un grand nombre de graphiques d'artistes et d'architectes russes exceptionnels qui ont activement travaillé dans ce contexte.

Des expositions de graphisme architectural, organisées par votre fondation, prennent déjà forme dans un certain ordre. Y a-t-il un plan général, un vecteur de développement, ou l'intrigue est-elle réinventée à chaque fois?

S. Ch.: En général, chaque fois qu'il est inventé à nouveau, bien que nous ayons certains principes. En particulier, nous nous efforçons de travailler avec des institutions muséales de premier plan. L'un de nos prochains projets sera en collaboration avec Albertina de Vienne. Dr. Schroeder [directeur du musée Albertina de Vienne - Archi.ru] était dans les salles de notre musée à Berlin et a exprimé le désir de faire un projet commun - nous en sommes très heureux et fiers de cette proposition. Il y a aussi d'autres projets.

Il est prévu de travailler avec le musée d'architecture Chtchusev, je pense que c'est très important.

Vous êtes collectionneur, graphiste, designer, architecte - comment est-ce lié les uns aux autres?

S. Ch.: Il me semble que ce sont des liens différents d'une même profession. Dans un contexte historique, les architectes étaient aussi des artistes; ils étaient engagés non seulement dans les bâtiments de la capitale, mais aussi dans la scénographie, les représentations théâtrales.

Jusqu'au 20e siècle, les architectes n'avaient pas de photographie …

S. Ch.: Je pense que la photographie n'a pas les mêmes objectifs que le dessin architectural. Le dessin capture la partie la plus importante de la créativité humaine - l'architecture qu'une personne crée à l'intérieur de l'espace naturel.

Pendant ce temps, Maxim Atayants et Mikhail Filippov font de l'architecture classique, mais vous ne l'êtes pas

S. Ch.: Bien sûr que non, cela n'est pas directement lié à l'architecture que nous faisons. Il me semble que l'étude de l'architecture par le dessin peut conduire à des résultats complètement différents: c'est l'étude des proportions, des effets spatiaux, du tissu et du détail. Ce n'est pas pour rien qu'aujourd'hui, non seulement en russe, mais aussi dans de nombreuses écoles européennes, on accorde à nouveau beaucoup d'attention au dessin, car ce n'est qu'à travers le dessin que vous pouvez voir comment des matériaux de différentes structures sont combinés entre eux, comment le le tissu des moindres détails se jette les uns dans les autres.

Vos dessins lors d'expositions sont toujours des œuvres très finies, tirées de la nature. Pourquoi ne montrez-vous pas de croquis?

S. Ch.: Premièrement, le thème de cette exposition est bien défini, il n'implique rien d'autre. Et deuxièmement, les dessins eux-mêmes doivent avoir une qualité indépendante. Les croquis n'ont pas toujours cette qualité.

Votre peinture sort-elle davantage de votre collection ou de votre architecture?

S. Ch.: Je pense que la collection est née du dessin après tout. Et une grande partie de l'architecture que je fais est issue du dessin. Cela ne pousse tout simplement pas droit. Il n'y a rien de tel que vous dessiniez un bâtiment de la période ancienne, puis que vous conceviez quelque chose de similaire. Ensuite, vous concevez autre chose, car les lois du développement spatial sont différentes.

Работа Сергея Чобана. Предоставлено организаторами
Работа Сергея Чобана. Предоставлено организаторами
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*** Nous avons réussi à poser la même question à trois autres participants de l'exposition, dans ce cas important: si leur graphisme diffère de celui historique, et si oui, comment.

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Maxim Atayants

En quoi vos graphismes diffèrent-ils des graphismes historiques présentés ici lors de l'exposition?

M. A.: Les graphismes sont si différents ici … J'ai le sentiment que les quatre exposants contemporains diffèrent presque autant les uns des autres que de ceux qui sont accrochés dans les autres salles de cette exposition.

Les époques sont différentes. Le graphisme moderne ne pouvait qu'être influencé par la redondance visuelle colossale de la modernité. Au cours des deux dernières années, plus de photographies ont été prises dans le monde que dans toute l'histoire précédente depuis le premier daguerréotype. La pression de la redondance visuelle nous oblige à traiter le dessin différemment et à en retirer quelque chose qui n'est pas, par exemple, en photographie. Je suis un photographe assez professionnel, il est donc important pour moi de comparer ces choses. Mais j'ai peur de réfléchir délibérément à ce sujet, car la tâche du dessin et de la photographie est la même … Je voudrais en quelque sorte exprimer ma joie et mon enthousiasme lors de la rencontre avec ces bâtiments. Probablement, Quarenghi a résolu les mêmes problèmes. Et le résultat est différent, car l'époque est différente. Comment répondre autrement?

Pourquoi ne photographiez-vous pas, mais aussi dessinez-vous?

M. A.: Mais à cela, je peux facilement répondre. Parce que différents mécanismes sont impliqués. Le dessin est une manière d'apprendre, le seul type d'activité humaine dans lequel le cerveau, l'œil et la main sont simultanément impliqués avec une intensité égale. Il est impossible de passer une heure à regarder de manière réfléchie et concentrée une architecture si vous ne peignez pas. C'est une manière d'apprendre.

Nous prenons des photos pour que les autres les partagent et nous dessinons pour nous-mêmes. Pour l'assimilation. Dans mon cas, du moins.

Avez-vous déjà peint à partir d'une photographie?

M. A.: Bien sûr, comme tout idiot qui a étudié à l'Académie des Arts, je tirais de la photographie la nuit, quand, par exemple, je n'avais pas le temps de terminer mon mémoire. Ensuite, il m'a semblé que c'était plus facile. Maintenant, j'essaie de ne pas faire cela, car c'est une imitation dénuée de sens du processus. À mon avis, le but du dessin est de puiser dans la vie.

Quand je dessine, que je comprends quelque chose, alors ce processus est profond. Pourquoi le simplifier en essayant d'obtenir le même résultat à moindre coût? Ou extérieurement la même chose. Dans ces cas où vous n'avez pas eu le temps de finir sur place, parfois, bien sûr, vous regardez dans la photo … Mais c'est secondaire. Il est étonnant que maintenant il soit beaucoup plus difficile et plus long pour moi de dessiner à partir d'une photographie que de la nature. C'est vrai.

Графика Максима Атаянца. Предоставлено организаторами
Графика Максима Атаянца. Предоставлено организаторами
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Sergey Kuznetsov

En quoi vos graphismes diffèrent-ils des graphismes historiques présentés ici lors de l'exposition?

S. K.: Je dirais humblement que nous ne pouvons pas faire cela. Je suis ravi des travaux de Maxim Atayants, qui a trouvé une ressource en lui-même, a pu plonger et aller à un degré de détail différent - il est clair que difficile ne veut pas dire bon, mais simplement pas mal - mais néanmoins, quelles hauteurs les vieux maîtres ont atteint, et dans la patience, dans le travail acharné et dans les yeux - c'est incroyable. Il faut apprendre … Je regarde toujours avec envie les graphismes présentés ici; maîtriser une telle compétence, bien sûr, serait formidable.

Est-ce que dessiner une architecture classique signifie s'efforcer de construire une architecture classique?

S. K.: Non, ça ne veut pas du tout dire. Dessiner une architecture classique ne doit pas être lié à la conception de l'architecture classique, tout comme la lecture des Trois Mousquetaires ne signifie pas que vous êtes prêt à balancer l'épée demain.

Comment l'architecture et la peinture sont-elles donc liées à vous personnellement?

S. K.: En ce sens, je suis une personne de la vieille école, j'apprécie les compétences de base et artisanales. Il me semble que la façon dont l'architecture est faite n'a pas changé et ne devrait pas changer: une personne doit passer des pensées, des sensations, des sentiments à travers elle-même - un ordinateur ne permettra pas de tout exprimer. J'aimais profondément et sérieusement l'infographie, j'ai eu de nombreuses publications et expositions, cela me donne l'occasion de comparer le travail avec mes mains et mes yeux - et de travailler avec un ordinateur. Lorsque vous avez le contrôle de votre main et que vous pouvez décrire ce qu'il y a dans votre tête de vos propres mains, cela vous aide personnellement et fonctionne également bien comme outil de persuasion.

Pourquoi ne montrez-vous pas de graphiques d'esquisse?

S. K.: Dans ce cas, ce ne serait pas approprié … Ce n'est pas une position consciente; il y aura des propositions - nous exposerons. D'une manière générale, ce n'est pas vrai, nous l'exposons - lors de l'exposition de «l'architecte de l'année» sur l'Arc de Moscou, nous avions un croquis. Nous avons beaucoup de croquis de bonne qualité. Les écritures, à mon avis, n'intéresseront tout simplement pas le public. En général, je dirais que l'intérêt du public pour toute œuvre est directement proportionnel à la quantité de travail qui y est investie.

Comment avez-vous commencé à dessiner l'architecture historique?

S. K.: J'ai commencé à dessiner bien avant d'entrer à l'université. Mes parents n'étaient en aucun cas liés à l'art ou à l'architecture, mais j'étais emporté par une variété de créativité, de prototypage, de dessin, et j'ai donc suivi des cours préparatoires à l'Institut d'architecture de Moscou. Depuis, je n'ai pas arrêté de peindre; mais après l'institut, il y a eu une pause lorsque je n'étais plus engagé dans le manuel, mais dans l'infographie.

Plus tard, en commençant à travailler avec Sergei Tchoban, vers 2006, je lui ai proposé de voyager dans différentes villes, de dessiner de l'architecture. Depuis, nous nous déplaçons régulièrement plusieurs fois par an pour peindre l'architecture. Notre premier voyage en plein air à Rome a été, par exemple, sur les traces de Piranesi.

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Mikhail Filippov

En quoi vos graphismes diffèrent-ils des graphismes historiques présentés ici lors de l'exposition?

M. F.: Je ne peux pas répondre à une telle question. Je peux vous dire en quoi les graphismes architecturaux diffèrent d'un paysage architectural. Je suis membre de l'Union des artistes depuis 30 ans et j'ai exposé en tant qu'artiste dans de nombreux endroits, y compris la galerie Tretiakov et le musée russe. Pour moi, cette question est absolument claire. Le paysage architectural dans lequel se sont engagés nos ancêtres est avant tout un dessin de grande qualité et une organisation de la feuille avec une démarche artistique. Malheureusement, la plupart des architectes peignent leur objet préféré comme une petite perspective et non comme un paysage.

À l'époque soviétique, j'ai même travaillé sous les contrats de l'Académie des Arts en tant que pur peintre paysagiste. Pendant la perestroïka, les Serovites sont arrivés au pouvoir là-bas - la plupart d'entre eux sont de bons artistes, des réalistes, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Des graphismes forts et techniques étaient également présents.

Le reste du graphisme soviétique s'est développé dans le sens de l'organisation moderniste de la feuille: par exemple, si l'eau est légère, alors elle est écrite complètement blanche, et ainsi de suite. Quand j'ai commencé à écrire, je pensais davantage aux nuances, aux tons intermédiaires; nuances de blanc nuit, qualité du dessin, subtilités de perspective … Cela me rendait assez unique à cette époque, ces personnes âgées m'aimaient beaucoup. J'ai travaillé sous contrat, je suis venu leur montrer, ils ont fait des commentaires - j'avais l'impression que les maîtres m'observaient.

Je ne ressens donc pas beaucoup de différence avec les anciens maîtres. S'ils n'ont pas fait un dessin technique, mais un paysage. L'approche du paysage était comme un artiste. La faculté d'architecture de l'Académie des arts a embauché à un moment donné ceux qui dessinent mieux, et la peinture - ceux qui dessinent le moins. Et ils ont donné un diplôme sous le nom «d'artiste d'architecture» - cela a été formulé jusqu'à ce que certains, je ne me souviens pas exactement, un an. Je ne ressens aucune différence avec eux, surtout lorsqu'il s'agit d'œuvres du début du siècle. J'ai été élevé sur les œuvres d'Ostroumova-Lebedeva.

Bien que pour moi une autre nuance soit intéressante - la nuit blanche. Le paysage russe était nuancé aux États intermédiaires. Par exemple, Vasiliev - dégel, pas d'hiver, pas de printemps, pas de lumière, pas d'obscurité, un demi-ton, un rayon de soleil … Vous ne trouverez pas de paysages de haute qualité dans la peinture du monde, dans lesquels il y aurait un bleu vif ciel et verdure éclatante! Peut-être que Rylov a peut-être quelque chose comme ça, ou Cézanne, mais c'est déjà différent.

Il s'avère que vous avez deux thèmes: votre paysage architectural et votre architecture …

M. F.: Pas! Il n'y a pas de différence. La belle architecture doit être associée à la nature, au soleil. Je connais et aime très bien l'histoire de l'art. Dans les années 1980, il était intéressant pour moi de continuer ce qui avait été interrompu dans les années vingt, lorsque la peinture a commencé à se transformer en quelque sorte - peut-être de très haute qualité - mais modernisme.

Pensez-vous que c'est réel de grandir ensemble?

M. F.: Oui, c'est une réalité absolue. En janvier de cette année, je l'ai remis - les forêts ont été enlevées de 750 000 mètres carrés de bâtiments résidentiels.

A Sotchi?

M. F.: Non seulement à Sotchi, à Moscou, il y a une maison sur la rue Maréchal Rybalko. Je vous assure que c'est l'incarnation du style 2001 que j'ai imaginé il y a trente ans.

Ressentez-vous cela comme l'incarnation de votre peinture?

M. F.: Oui, oui … je ne vois pas la différence.

Croyez-le ou non, je suis diplômé de l'Académie, j'ai proposé un concept et après cela j'ai pris un pinceau et une aquarelle pour la première fois. Je n'ai pas écrit à l'Académie ni à l'école d'art. Et si j’écrivais, il est impossible de voir ce que je faisais à l’époque.

Графика Михаила Филиппова. Предоставлено организаторами
Графика Михаила Филиппова. Предоставлено организаторами
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*** l'exposition est ouverte jusqu'au 27 juillet (heures d'ouverture)

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