Le mouvement le plus inhabituel a été inventé par les Croates, et il est extrêmement regrettable que cela n'ait pas fonctionné. 14 architectes de premier plan - dont Sasha Begović, Pero Vuković, Marko Dabrović - se sont vu confier la conception du pavillon flottant: le résultat a été une structure de 30 tonnes de treillis métallique Q-385, dont la structure complexe n'est visible qu'à la lumière. Il a été construit sur une barge et envoyé dessus à Venise, où il était censé se trouver dans les jours du jour de l'ouverture.
Malheureusement, pendant le voyage à travers l'Adriatique, le pavillon s'est partiellement effondré, donc à son arrivée en Italie, il a été renvoyé presque immédiatement. En conséquence, les visiteurs ont dû se contenter d'une petite exposition croate à l'Arsenal, racontant ce merveilleux projet. Cependant, les organisateurs promettent de revenir à Venise avec le pavillon restauré: après tout, il est encore temps - la Biennale durera jusqu'à la fin de l'automne.
Les participants belges ont consacré leur exposition au thème de l'usure en architecture et en décoration intérieure: matériaux, articles ménagers, accessoires divers. Les traces laissées par l'utilisation de nombreuses personnes depuis longtemps donnent à l'espace une humanité et le rendent unique. Les conservateurs ont disposé des pièces de tapis, de contreplaqué, de rampes d'escalier, de tapis en caoutchouc dans les intérieurs minimalistes de leur pavillon comme des expositions exigeant une attention respectueuse: en conséquence, la ressemblance frappante de l'exposition avec un musée d'art moderne est devenue apparente - une sorte de seconde couche sémantique dans le plan des organisateurs.
Cependant, même sans art pseudo-réel, il y avait de nombreux participants «artistiques» à la biennale d'architecture. Ceci est particulièrement vrai pour le pavillon de la RPC, où une «rencontre d'architecture» était interprétée comme un «rendez-vous d'affaires» entre des personnes avec leurs besoins, leurs aspirations et leurs désirs, et des bâtiments qui influencent le comportement humain à travers leur programme fonctionnel.
Malgré une petite section consacrée aux espaces et aux projets, les sculptures et installations ont pris la place principale, y compris celles créées par l'architecte Pei Zhu. Le plus spectaculaire d'entre eux était l'œuvre "Wall / Wind" de Fan Yue et Wang Chao Ge avec des oiseaux en plastique transparent flottant au-dessus du "rideau d'air".
Dans le pavillon de l'Égypte, malgré la participation symbolique des architectes, la place principale était occupée par une immense installation dorée, qui ressemble à une vague de mer, recouverte d'écriture arabe, et recouvre une figure en forme de momie. Il a été complété par l'art vidéo et la peinture. Le thème de l'exposition était «Salut», compris comme une interaction avec le texte sacré.
Les participants polonais ont présenté un projet tout aussi conceptuel - "Sortie de secours". Cette construction de cages à oiseaux éclairée au néon et immergée dans le brouillard artificiel («nuages»), telle que conçue par les conservateurs du pavillon, doit servir de symbole d'espaces urbains «dangereux», où une personne dépasse le champ d'action des règles et des interdictions réguler son bien-être. Cela peut être des ruines, des toits, des marchés noirs - lieux potentiels d'accidents et même de catastrophes, mais aussi un territoire de liberté.
Les auteurs de l'exposition du pavillon du Luxembourg se sont tournés vers les concepts métaphysiques qui définissent la vie d'un architecte et ses créations: la fragilité (signalée par une kettlebell et un vase en verre), la routine de la vie quotidienne (plusieurs tasses de café avec un morceau de sucre) sur chacun d'eux) et sa valeur insaisissable (salon cosy, où les visiteurs peuvent communiquer), ainsi que la société de consommation, l'environnement culturel et bien plus encore.
Cependant, les conservateurs, contrairement à beaucoup de leurs collègues d'autres pays, déclarent ouvertement qu'il ne s'agit pas d'une exposition d'architecture.
Au contraire, à y regarder de plus près, l'exposition du pavillon slovène, consacrée aux travaux de deux bureaux du paysage, AKKA et studiobotas, se révèle assez architecturale. Cependant, des informations détaillées à leur sujet, ainsi que de nombreux essais sur la rencontre de la ville, de l'homme et de la nature (l'exposition s'appelle "Toutes les nuances de vert"), des discussions sur la qualité et l'essence de l'espace, entrecoupées de belles photographies de Peter Koštrun et des citations de Marguerite Jursenar, Gabriel García Márquez, Alexander Calder - tout cela ne peut être trouvé que sur les pages du catalogue. Seule une petite partie du pavillon s'intègre dans les locaux modestes, et il ressemble plus à un ensemble d'objets d'art qu'à une exposition architecturale de maquettes et de plans. Les conservateurs chypriotes se sont également beaucoup intéressés à jouer avec des images architecturales familières: ils «collaient» des panoramas qui n'existaient pas en réalité à partir de photographies de bâtiments de ces dernières années. Placées dans des lightboxes, ces images sont interprétées par les auteurs comme un «long métrage architectural». Dans ce cas, il ne s'agit pas seulement de la rencontre du spectateur avec l'architecture et des visiteurs entre eux, mais aussi d'une «rencontre» inattendue de différents bâtiments dans l'espace d'une «fausse» photographie.
Alors que de nombreux participants à la Biennale se sont tournés - à la place ou aux côtés de l'architecture - vers les arts visuels, le pavillon de l'Uruguay a davantage à voir avec la littérature. Son exposition "5 étages, 5 bâtiments" est consacrée à 5 bâtiments emblématiques des XIX-XX siècles, à savoir: un barrage, un massacre, un immeuble d'habitation à Montevideo, qui pendant 7 ans fut le plus haut bâtiment d'Amérique latine, le stade du premier championnat du monde de football et l'un des premiers bâtiments modernistes en Uruguay. Ils sont présentés sous forme de poèmes qui leur sont dédiés, de citations de personnalités, etc., ainsi que sous forme de courts métrages. Cependant, la place centrale de la pièce est occupée par un tapis fabriqué à partir de la peau d'une vache noire et blanche, copie du tapis donné à Le Corbusier en 1929 par Victoria Ocampo lors de sa visite à Buenos Aires et remplacé au fur et à mesure de son usure. avec un autre envoyé par ses autres amis d'Argentine. Ce tapis, dont l'histoire se déroule sous forme de citations tirées des lettres du grand architecte, conclut l'exposition comme «un lieu pour ne rien faire».
Le Portugal s'est entièrement appuyé sur la puissance du cinéma. Quatre réalisateurs ont réalisé la Biennale à partir d'un court métrage sur un immeuble résidentiel de l'un des quatre auteurs: Álvaro Siza Vieira, Bureau Manuel et Francisco Aires Mateus, João Luís Carrillo da Graça (Carrão da Luís) et Ricardo Bak Gordon. Ce sont tous des bâtiments complètement différents: trois d'entre eux sont des résidences privées en ville et à la campagne, le quatrième est un logement social, construit par Siza dans les années 1970 et agrandi il y a plusieurs années, donc les histoires à leur sujet se sont révélées complètement différentes.. Ce qui attire le plus, c'est le film sur la "villa" balnéaire d'Ayres Mateusha, composée de quatre maisons primitives au sol de sable: il raconte l'histoire d'un jeune homme qui arrive un soir d'été dans la voiture d'un habitant du coin, puis invite ce vieillard à dîner chez lui; la bande se termine par une vue du ciel coucher de soleil et les sons d'un accordéon. C'est peut-être l'un des exemples les plus réussis du transfert d'une image architecturale tout au long de la Biennale. Mais si nous parlons de succès, il faut dire d'échecs: l'exposition nationale de l'Iran, qui cette année pour la première fois participe à la Biennale de Venise, provoque la déception. Il est dédié à l'art du jardinage et se compose d'un petit nombre de photographies de mauvaise qualité des meilleurs jardins médiévaux iraniens, complétés par une installation primitive sur le thème d'un jardin archétypal.
Le pavillon scandinave laisse une impression ambiguë: il est en partie consacré au problème de l'espace public (des tablettes avec les meilleurs projets nationaux sélectionnés par les musées d'architecture de Finlande, Norvège et Suède sont placées sur les murs), mais la salle n'est essentiellement pas occupée avec quoi que ce soit d'autre.
Douze ateliers de démarrage de trois pays y travailleront à tour de rôle, chacun y créant son propre espace de créativité.
Les participants irlandais ont préparé une exposition pas tout à fait pratique et visuelle, mais sans aucun doute élégante: ils ont montré à Venise les archives du bureau honoré de Blacam et Meagher sous la forme d'exemplaires grand format de 9000 feuilles, rassemblés en cinq énormes piles à l'intérieur. de l'église de San Gallo, à côté de St. … Les visiteurs peuvent emporter leurs draps préférés avec eux, les rouler en rouleau et les fixer avec une bague spécialement préparée. Cette installation, plutôt qu'une exposition, incarne l'idée d'une archive et son rôle dans le travail d'un architecte.
Les pavillons des USA et de Hong Kong semblent un peu chaotiques. Le premier est plus organisé: il montre, à l'exemple de 7 ateliers, différentes méthodes de travail dans l'espace urbain, unies par la praticité et même le pragmatisme. Ce sont des bureaux très différents: par exemple, les constructeurs d'hôtels John Portman & Associates - et presque les théoriciens de Terreform, il semble donc un peu exagéré de les combiner dans une seule exposition.
L'exposition de Hong Kong est située juste en face de l'entrée de l'Arsenal. Son nom sonne sans ambiguïté: Architetture quotidiane: Hong Kong a Venezia. Cela se traduit à peu près par «architecture de tous les jours»; dans la version anglaise, l'architecture est plurielle et peut être comprise comme «la vie quotidienne des différentes architectures». Le pavillon contient jusqu'à 12 projets, répartis en secteurs fonctionnels (éducation, habillement, alimentation, loisirs, etc.). La treizième partie est la plus sonore: les projets de concours pour le West Kowloon Cultural District, développés par Rem Koolhaas, Norman Foster et Rocco Im.
Certaines parties de l'exposition sont très réussies, comme un collage de photos de nombreuses photos d'appartements typiques de Hong Kong, frappant par leur surpeuplement et l'encombrement qui en résulte, ou la combinaison de photographies et de mises en page dans un projet dédié à `` l'écologie urbaine-rurale '', mais sinon à cause d'une telle «plénitude» excessive, l'exposition perd considérablement son sens.
