Fatiguée d'être organisée par des critiques, des théoriciens et d'autres personnes proches de l'architecture, la Biennale 10 ans après Massimiliano Fuksas s'est à nouveau confiée aux mains d'un architecte. Kazuyo Sejima est un célèbre architecte japonais, l'un des fondateurs du bureau d'architecture SANAA, l'auteur des bâtiments de plusieurs grands musées, dont le New Museum de New York, ainsi que du Serpentine Gallery Pavilion 2009, lauréat du prix d'or 2004 Lion, qui a reçu le prix Pritzker peu après sa nomination comme commissaire de la Biennale. Elle est également la première femme commissaire de l'histoire de l'exposition. Mais l'essentiel, selon le directeur de la biennale, Paolo Baratta, c'est qu'elle est une architecte en exercice. Sejima en fait écho dans son message curatorial, qui commence par «La Biennale 2010 sera une réflexion sur l'architecture».
Contrairement à la devise déroutante «au-delà de la construction» de son prédécesseur, le conservateur Aaron Betsky en 2008, que la moitié des participants ne pouvait pas vraiment comprendre, et l'autre moitié ignorée, Kazuyo Sejima a proposé cette année un slogan simple et accessible: «Les gens se rencontrent en architecture qui n'est pas particulièrement contraignante. Il est évident que deux choses y sont unies: l'architecture, à laquelle, apparemment, la Biennale entend sérieusement revenir, et plus à l'architecture une sorte de note sociologique subtile, pour un changement. Il est impossible, après tout, d'absolutiser complètement le sujet principal de l'exposition, il faut y ajouter quelque chose. L'architecture pour quelque chose, mais ils construisent, par exemple, pour que les gens se rencontrent là-bas. De là, un chemin direct vers les bâtiments publics qui ornent si bien le portefeuille du conservateur. En plus de la devise, Sejima a souligné plusieurs significations supplémentaires: l'objectif de l'exposition est la réaction de l'architecture moderne aux changements apportés par le 21e siècle, à l'informatisation et à la mondialisation; les frontières que l'architecture dénote ou efface; et la qualité de l'architecture construite - ajoute Paolo Baratta dans son message. Ainsi, après une longue recherche de vérité «à côté», la principale exposition architecturale du monde (et la Biennale de Venise, bien sûr, est telle) va revenir à son sujet principal, guidée par une main de femme douce et discrète.. L'exposition curatoriale a un total de 48 participants, y compris non seulement des architectes, mais aussi des firmes d'ingénierie.
En ce qui concerne la principale exposition curatoriale, qui à la Biennale se tient toujours dans le bâtiment de la Corderie Arsenal, Sejima a déclaré la liberté des participants, affirmant dans le manifeste que chaque participant sera "son propre conservateur" au sein du fragment "indépendant" de l'arsenal intérieur qui lui est assigné. La diversité vaut mieux que la volonté unificatrice, dit le conservateur; en un mot, fais ce que tu veux … Liberté totale; même si, en parcourant l'exposition, vous comprenez que ce n'est pas tout à fait vrai.
Un visiteur entrant dans la première salle de la partie curatoriale de la Biennale est accueilli par un cœur de pierre géant taillé par une hache en bois - la hache, à y regarder de plus près, s'avère être un refuge avec une cheminée qui monte, une métaphore de la tragédie du récent tremblement de terre chilien (une histoire détaillée sur la récupération après la catastrophe peut être trouvée plus loin, sur l'exposition spatiale Arsenal du pavillon chilien). Il y a deux ans, l'exposition Arsenal a été ouverte par une installation drôle de film et vidéo; contrairement à son souvenir, le cœur de pierre est très grand, rugueux et sérieux. C'est une sorte d'objet gigantesque, à côté de lui, vous vous sentez comme dans une caverne de cannibale et à l'écoute, inévitablement, sérieusement. Les piliers de l'Arsenal commencent à ressembler à des colonnes d'une basilique romane, et en général la similitude de ce célèbre espace d'exposition avec un temple est en quelque sorte exacerbée. Il est possible que ce soit ce qui était prévu.
Juste derrière la hache de pierre se trouve une salle de cinéma compacte avec un film de Wim Wenders, qui peut être rapidement parcouru pour se familiariser avec un sujet encore plus vaste d'Ensamble Studio et de son chef Anton García-Abril. Traversant sous les rangées de colonnes et bloquant le chemin droit, deux poutres en I géantes reposent dans l'espace de la salle, semblables à des rails et à en juger par leur couleur grise, probablement du béton. Une poutre gigantesque repose sur l'autre et son extrémité libre repose sur un ressort aussi haut qu'un homme moyen. Le ressort, bien sûr, ne supporte vraiment rien, les enfants jouent avec, mais il a l'air très impressionnant. Cela ne peut pas être appelé un «ressort»; et si dans la toute première salle l'échelle de l'objet sculptural placé là correspondait à la taille de l'intérieur, alors celle-ci semble trop grande même pour un intérieur d'arsenal, la dépasse et même la supprime un peu.
D'une telle croissance progressive, vous pensez involontairement - mon Dieu, ce qui va se passer ensuite. Mais ensuite on se retrouve dans un nuage ("grandeur nature" - comme indiqué dans le manifeste curatorial), construit conjointement par l'architecte japonais Tetsuo Kondo et l'ingénieur Matthias Schuler de la société allemande Transsolar, spécialisé en génie climatique (connaissant les spécificités de l'entreprise, il est facile de deviner pourquoi le nuage; le contrôle climatique s'est faufilé dans l'Arsenal et y a organisé sa propre météo …). La salle est remplie d'une brume blanchâtre, qui est pompée à travers les trous dans le mur par des installations spéciales. Le brouillard se propage au niveau des galeries, et une structure hélicoïdale est construite au milieu, grimpant le long de laquelle vous pouvez traverser le nuage et le regarder d'en haut. Le nuage se répand en lambeaux superposés, il est étouffant dessus, comme dans un bain, mais l'effet est merveilleux. Certes, les Moscovites ont connu un effet similaire aussi récemment qu'en août avec l'arrivée de la fumée dans la ville; dans l'Arsenal, cependant, ce nuage est plus épais, apparemment sûr.
Le commissaire interprète ainsi le travail conjoint de son compatriote et d'un ingénieur allemand: il nous pousse à une nouvelle compréhension de l'espace, ne serait-ce que parce que les frontières du nuage sont floues. Les limites, en effet, sont floues, bien qu'elles soient enfermées dans le cadre de la salle. Plonger dans le brouillard est amusant; mais il est impossible de ne pas se rappeler ce que les nuages ont déjà fait - tout d'abord les célèbres architectes-artistes Elizabeth Diller et Ricardo Scofidio. C'est peut-être pour cela que le conservateur note délicatement dans son message: toutes les installations ne sont pas originales en termes de style, mais beaucoup représentent le summum de la technologie moderne.
Le studio indien de Mumbai a fait la prochaine grande salle avec des restes de modèles en bois et a suspendu des ventilateurs classiques à trois pales au plafond, ce qui en a fait un «atelier» - cependant, pour un si grand espace, les choses ne suffisent toujours pas, un plein- l'illusion à part entière de blocages artistiques ne se pose pas; il s'est avéré, en comparaison avec les premières installations, petit mais confortable.
R & Sie (n), le cabinet d'architectes parisien François Roche et Stéphane Laveau, qui ont montré il y a deux ans des modèles blancs de bâtiments de sculpture bionique dans le pavillon italien, ont sorti l'une de leurs créatures bizarres dans la salle Arsenal, la transformant en table sur jambes. D'une part, cette bête martienne est recouverte de croissances de verre, rougeoyante d'une lumière verdâtre, les moniteurs poussent de l'extrémité opposée, au milieu au-dessus d'un morceau d'un pseudo-minéral multicolore un dispositif similaire à un compteur Geiger émet un bip. Dans l'explication, les auteurs se souviennent du "Stalker" de Tarkovsky et parlent des limites des réalisations de la civilisation - probablement, cette installation devrait répondre à la thèse du conservateur sur les "frontières". Parce que, contrairement à ses voisins, il n'affecte en rien l'espace; il nous montre plutôt un habitant exotique vivant à l'intérieur.
Mais la salle d'Olafur Eliasson est très efficace: dans l'obscurité, trois tuyaux sont suspendus au plafond, qui se dispersent autour des jets d'eau fantaisistes qui se tortillent, se distinguant dans les éclairs nerveux de la lumière stroboscopique. La douche exotique est fascinante, mais difficile à photographier. Je dois dire que les paroles de Sejima selon lesquelles de nombreuses images ne seront pas nouvelles sont honnêtement vraies - Eliasson a fait la première douche similaire en 1996.
Plus loin - encore une fois léger, un cadre en bois d'un dôme plat d'un bureau chinois avec le nom français Amator (qui signifie amateur). En effet, c'était comme si les amateurs tordaient ces matrices avec des boulons; mais la capacité même de franchir la frontière du dôme où il est généralement impossible de la traverser et littéralement «entrer dans le dôme» est plutôt curieuse (encore une fois, les frontières).
À cette ligne, il faut ajouter le Music Hall Jeanette Cardiff, où les haut-parleurs sont placés en cercle, et au centre il y a des chaises pour écouter la musique résultante (volumétrique? Architecturale?). Et le kit sera complet. Voici juste un ensemble de quoi?
L'architecture promise, à première vue, ne semble pas suffisante. Autrement dit, on trouve bien sûr des mises en page traditionnelles et des tablettes dans une séquence commune: le plus notable aux yeux des Russes est le projet de concours du bâtiment du musée de Perm de Valerio Oljati, le plus visible à l'œil en général est l'opéra de Taichung. projet de Toyo Ito. Ce bâtiment, qui ressemble à un petit fragment taillé dans une très grande termitière (la Chine après tout), est présenté avec minutie et fourni avec une documentation complète posée sur les tables sous forme d'albums épais dans la langue de l'auteur. Mais le projet montré avec autant de détails est une exception et, peut-être, une conséquence de la liberté déclarée par le conservateur. L'exposition de l'Arsenal est formée d'installations, d'ailleurs, pas toujours réalisées par des architectes, mais, comme on le voit, par des ingénieurs et, plus souvent, par des artistes qui travaillent professionnellement et bien dans ce genre. Par exemple, Olafur Eliasson - dans son portfolio, il y a beaucoup d'installations bonnes et différentes, généralement à grande échelle (il y a, d'ailleurs, plusieurs "nuages" là-bas, Dealer et Scofidio ne sont pas les seuls dans ce genre). Matthias Schuler est ingénieur. Autrement dit, l'exposition de conservation à l'Arsenal n'est en aucun cas devenue une exposition d'architectes.
Cela ne veut pas dire qu'il n'y a pas d'architecture dedans. Il me semble qu'en tant qu'auteur d'espaces muséaux, Kazuo Sejima a transformé toute l'exposition en architecture dans son ensemble: elle ne l'a pas conçue en tant que designer et ne l'a même pas composée en tant que commissaire, mais l'a construite, combinant la plupart des les installations en une chaîne dans laquelle chaque participant propose sa propre manière d'appréhender artistique l'espace de l'Arsenal. Ainsi, l'Arsenal lui-même est devenu l'exposition principale. Et je dois dire que l'attitude vis-à-vis de cet espace d'exposition est paradoxale - tout le monde l'aime beaucoup, mais en y organisant des expositions, ils y prêtent peu d'attention, il suffit de placer quelque chose à l'intérieur. Arsenal est probablement offensé par un tel dédain, semble sombre et presse le public avec ampleur. Mais il est bon en lui-même et c'est bien que le nouveau conservateur l'ait remarqué.
Dans ce cas, l'exposition curatoriale ne présente pas tant l'architecture qu'elle l'est elle-même. Et le passage à travers l'exposition devient non pas lecture, non contemplation et non regard, mais - immersion dans l'architecture (donc immergée dans une langue étrangère). Et les participants à l'exposition, artistes et ingénieurs «censés être libres», sont devenus pour Sejima le moyen de compréhension architecturale de l'espace de l'Arsenal. Ce qui, d'ailleurs, est vrai si l'on se souvient que l'architecture est l'art principal, et que le reste y a déjà obéi. Voici un conservateur de SANAA et les a tous maîtrisés, mais très, très discrètement. Elle n'a pas organisé l'exposition à l'intérieur, mais a rempli l'espace de contenu. L'intérieur de l'Arsenal, comme si, lui rendait la pareille, se joignit au rôle de «l'exposition principale» et devint plus agréable. En tout cas, maintenant j'ai envie de le regarder et le long passage à travers l'Arsenal cette fois n'est pas aussi fatiguant qu'il y a deux ans.
Cela est peut-être dû au fait qu'il a beaucoup de vides et pas beaucoup de contenu - une forme solide, et même ce japonais-shinto en apesanteur: lumière, ténèbres (entrelacées à l'intérieur comme le yin et le yang), pierre, nuage, eau, son … Vous pouvez probablement même dire que Sejima a arrangé un certain nombre de reproductions d'installations déjà connues à l'Arsenal, les utilisant comme un moyen pour un architecte de travailler avec des éléments insaisissables, pour capturer l'insaisissable, l'éblouissement, l'ombre - des choses dans lesquelles la culture japonaise est si fort. Cela vaut la peine d'être vécu à Arsenal.
Dans son ensemble et une réflexion sur les principaux éléments, l'exposition est bien accueillie. Les mots, cependant, manquent un peu; il y en a des clés - comme l'espace et la frontière, dont Sejima parle constamment, y compris lors de la conférence de presse d'hier. Tous les autres mots sont rassemblés dans des «endroits strictement désignés»; Arsenal dispose d'une salle d'interview remplie de chaises et d'écrans avec des écouteurs - les amateurs de mots peuvent y écouter des discours pendant très longtemps, la liste des orateurs occupe un mur entier.
Bref, l'exposition curatoriale de l'Arsenal semble être à juste titre perçue comme une autre œuvre architecturale de SANAA.
Sinon, la structure de l'exposition, familière à beaucoup, est restée inchangée. Exposition curatoriale à l'Arsenal, dans l'ancien «pavillon d'Italie», rebaptisé Palazzo Espozicione (Palais des Expositions); des expositions de pavillons nationaux à Giardini et un "programme parallèle" dans la ville. La Biennale actuelle est en quelque sorte un jubilé - 35 ans se sont écoulés depuis la première exposition d'architecture du cycle de la Biennale de Venise. D'où les événements d'anniversaire et les souvenirs des biennales passées. Dans la salle des colonnes du Palazzo Justinian (le palais où se trouve le siège du comité d'organisation de la Biennale), une exposition s'est ouverte hier sur l'histoire des 11 dernières années de la Biennale de Venise, une sorte de rapport sur les réalisations de l'économie d'exposition vénitienne; il accueille également l'exposition LUMA, présentant le «programme d'architecture pour un nouveau modèle culturel» de Frank Gehry.
Une autre partie du programme anniversaire de la Biennale sera "Les samedis architecturaux" - comme le dit le communiqué de presse des organisateurs, pendant trois mois les samedis à Venise, il y aura des rencontres avec des personnalités importantes des expositions passées, y compris les commissaires des biennales précédentes. Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Nous prévoyons de publier progressivement des rapports plus détaillés sur les expositions et événements de la Biennale. L'exposition se déroulera jusqu'au 21 novembre.
