Le mot étrange "per-sim-fan", qui rappelle la performance, est en fait une abréviation des années 1920. En 1922, le PREMIER ENSEMBLE SYMPHONIQUE a été créé sous le conseil municipal de Moscou, dans lequel il n'y avait pas de chef d'orchestre, mais dans sa composition, il y avait des maîtres virtuoses et toutes les décisions étaient prises collectivement. L'Orchestre de Moscou a été la première expérience de ce genre au monde, son nom a donc le droit de signifier quelque chose sans chef d'orchestre. Ce titre a été décerné à l'exposition par son conservateur - directeur du musée d'architecture David Sargsyan, après quoi il est parti et a donné aux douze architectes participants une totale liberté d'expression dans l'espace de l'aile Ruin. Le rôle du conservateur en ce sens s'est avéré tout simplement merveilleux: se retirer, laisser une marque sur lui-même sous la forme d'un nom, dénoter le fait que le conservateur s'est retiré, c'est très conceptuel.
Et l'exposition s'est avérée agréable, on pourrait même dire qu'elle a rassemblé en elle-même la plupart des choses agréables qui se passaient habituellement à Arch Moscow. L'intérieur semi-sombre de la ruine, dans lequel divers objets sont placés, lui convient très bien. Et cela rappelle aussi un peu la "Maternité" de l'année dernière à VKHUTEMAS - là aussi, les architectes ont fabriqué des objets sur un thème donné, mais ici la taille n'est pas limitée.
En passant sur le sujet donné. Il n'y a pas de chef d'orchestre-commissaire, mais il y a un thème commun à tous - le même «comment vivre». Mais il n'est pas non plus nécessaire de réfléchir à ce sujet. Ainsi, certains objets "révèlent" le thème, les autres en font écho, et enfin, le troisième ne fait aucun écho ni très, très lointain. C'est encourageant, car cela crée un sentiment de liberté après une certaine réglementation de la plupart des autres projets biennaux à but non lucratif axés sur la recherche, l'étude ou la présentation des résultats de quelque chose. Ici, les déclarations, les signatures sont facultatives et même toutes n'ont pas de nom. Cependant, comme dans le groupe légendaire des années 1920, tout s'est avéré extrêmement holistique et joué professionnellement, malgré le manque déclaré de leadership (ou merci?).
Le plus actif était le projet d'Eugene et Kirill Ass. Il s'agit d'une télévision montrant un diaporama composé de photographies de la maison construite par le père d'Evgeny et le grand-père de Kirill, Viktor, et dans laquelle vivait la famille d'architectes Assov. Des photos de 1947 ont été trouvées dans les archives familiales, il y a de magnifiques intérieurs coûteux de style stalinien, une photo de son père sur le chantier de construction d'une maison et même l'appartement même dans lequel vivait Yevgeny Ass. L'installation s'appelle "Our House" et est accompagnée d'une sorte de musique, composée d'un accord répétitif, rappelant surtout le son de l'accordage d'une contrebasse avant un concert. Le son répétitif domine l'espace calme des Ruines (il se trouve au fond de la cour et les bruits de la rue n'atteignent pas ici) et dépasse ainsi la portée d'un seul objet, prétendant unir et même interpréter le nom de toute l'exposition - ne permet pas d'oublier l'orchestre symphonique. Peut-être que sans le chef d'orchestre, ils n'ont pas joué plus d'une note? Non, tout a fonctionné et très harmonieusement.
En revanche, on peut raisonner ainsi: la création d'objets est une telle activité créative des architectes qui leur permet de s'exprimer sous une forme plus artistique que dans le design conventionnel. Ces objets, descendants et souvenirs de «l'architecture papier» sont en quelque sorte une manière pour un architecte de s'installer dans la bonne humeur, et donc une exposition n'est pas une performance d'orchestre (cet orchestre agit de manière sérieuse lors de la conception et de la construction maisons), mais seulement son "Tuning avant le spectacle". Par conséquent, lorsque nous nous trouvons dans la salle de la "Persimfax" architecturale, nous nous trouvons dans le processus très préliminaire qui précède inévitablement le concert. Ce n'est qu'avant le concert que cela dure quelques minutes, mais ici c'est en boucle, nous tournons donc dans la salle au rythme de la répétition de cet étrange son d'accord non mélodique …
Ceci, cependant, n'est qu'une des interprétations. Les objets peuvent être divisés en deux groupes: il y a des objets eux-mêmes, parlant plus ou moins volontairement sur le thème du logement, et il y a des objets qui représentent des œuvres spécifiques d'architectes.
Du premier, le mausolée de Yuri Avvakumov est significatif - il rencontre ceux qui entrent dans l'exposition. Le modèle du mausolée, très similaire à Shchusevsky (c'est-à-dire Leninsky, construit par l'architecte A. V. Shchusev), est entièrement composé de dominos, mais pas du noir et blanc habituel, ou plutôt de l'ivoire, en un mot, semblable à des os. Un mausolée d'os - très symbolique, parce que nous avons un mausolée? - des os; eh bien, lui-même est fait d'os. C'est encore mieux si vous le mettez sur le thème de la Biennale «comment vivre» - c'est comment vivre! Soit dedans, soit dessus … En général, avec lui.
Il faut ajouter ici que le mausolée des os continue la série des "Games" d'Avvakum, qui a commencé il y a longtemps et qui a été présentée l'année dernière à la galerie Stella Art.
Le centre de l'espace Ruines est occupé par une tour construite par Mikhail Labazov et Andrey Savin (Art-Bla). Ces auteurs sont connus, entre autres, pour sculpter leurs objets géants à partir de certains matériaux disponibles. Pendant longtemps, du ruban adhésif transparent a été utilisé, des figures humaines en ont été obtenues, et voici un isolant poreux blanc (un type modernisé de caoutchouc mousse, il est maintenant utilisé pour colmater les fissures dans les fenêtres). Il est empilé en rangées dans quelque chose de gigantesque et non linéaire, plus haut que les poutres en bois des ruines. Comme s'il avait germé. Brille de l'intérieur. Les bandes tubulaires sont maintenues ensemble par des cordons en plastique dont les queues dépassent uniformément dans toutes les directions et rendent le sujet pubescent. Si vous recherchez une architecture ici, il devrait s'agir d'un modèle de gratte-ciel. Il a tout - de nombreux étages de bandes de caoutchouc mousse, et le principal désir est de pousser plus haut - au lieu du ciel, il gratte les poutres, le ciel conditionnel de la salle d'exposition, et pousse même plus haut, c'est-à-dire apparemment jusqu'au septième ciel. Certes, s'il s'agit d'un modèle de gratte-ciel, alors, comme tous les objets A-B, il s'est avéré vivant, doux et anthropomorphe, si je puis dire. Exprime, en d'autres termes, l'essence de base d'un gratte-ciel.
Au mur derrière le gratte-ciel se trouve une petite pièce de la taille d'une poupée, dont toutes les parties ont été sculptées par Alexander Brodsky (au fait, il a également conçu l'exposition) d'argile sur une grille de fer. Il y a: au centre il y a un foyer avec une cheminée haute, dans le foyer un feu artificiel brûle à partir de morceaux de matière éclairés et tremblants au moyen d'un ventilateur, qui éclairent l'espace de la cage d'une manière très naturelle. Autour du foyer: une table, une chaise, un lit, une baignoire avec un tube de douche (comme on en trouve encore parfois dans les cuisines d'immeubles de cinq étages, équipées d'un chauffe-eau), une cuvette de toilettes bien éclairée. Sur la table se trouve un moniteur d'argile plat et un petit morceau d'argile devant lui - une souris. C'est vrai, mais que faut-il d'autre pour la vie?
En fait, cette cellule est un modèle très logiquement construit de l'espace de vie. Au centre se trouve le foyer, c'est à la fois l'axe (tuyau) et le noyau (le feu lui-même) de cet espace. Le schéma selon lequel l'archétype de l'idée d'habitation est construit est le suivant: autour du mur, à l'intérieur du foyer. La concession au public est un mur ouvert, et il s'avère "derrière la vitre", plus précisément derrière les barreaux. Autour du foyer (d'apparence très confortable), les éléments les plus nécessaires pour une personne moderne, y compris un ordinateur et la plomberie. Le modèle de l'univers d'une personne, proche et familier, malgré la nature archétypale.
De plus, l'argile sur la grille se fissure et saupoudre de carrés, de croûtes. Autrement dit, ce monde est en train d'être détruit. À cause du treillis, à cause de cette argile fragile, il y a destruction. Je ne serais pas surpris si ça arrose complètement à la fin de l'exposition et que c'est exactement ce qui a été conçu. Un squelette restera - un cadre en treillis. Sur ce qu'ils ont collé, à la fin, ils sont venus. Le cycle. Pour être honnête, j'ai d'abord soupçonné que du mazout venait de quelque part vers l'abri d'argile et, en reniflant, j'ai commencé à regarder au bas du cube. Mais non, il n'y a pas besoin de mazout, il s'effondrera de toute façon. La chambre de Brodsky est probablement la réponse la plus démiurgique au sujet, et s'est même étendue au fil du temps. C'est probablement la partie de Persimfax qu'il a tirée de la performance - il n'y a pas de rediffusion mécanique de la vidéo avec l'aide des médias, mais il y a une vie tranquille de logements abandonnés, qui s'effondrent sans personnes.
À propos, l'argile sur la grille est probablement une métaphore du béton armé. Puis tout se met en place. Ce n'est pas seulement un modèle, mais les cellules du XXe siècle.
À côté, les architectes de Icing ont placé quelque chose de très similaire au Panthéon souterrain et ont présenté la disposition dans une disposition en coupe très naturelle, avec de l'herbe sur le dessus, donc il n'y avait aucun doute que le Panthéon était dans un bunker. Le dessin du commentaire nous montre qu'une colonne de lumière doit frapper du sol la nuit. Et par conséquent, nous avons le Panthéon au contraire - dans le présent, une colonne de lumière vient du ciel, ici elle devient elle-même la source d'un tel rayon battant vers le haut.
La seule installation qui ne se tient pas dans l'espace, mais qui occupe une pièce, une pièce dans le coin des Ruines, semble la plus européenne et en quelque sorte socialement responsable, ou quelque chose comme ça. Mais pas sans plaisir. Il est écrit devant l'entrée - 70 millions de mètres carrés seront construits à Moscou d'ici 2025. mètres de logement, ce qui équivaut à 2500 maisons de la série standard. Et puis - en pointillé, disent-ils, avant de continuer, ce serait bien d'améliorer cette technologie, et il vaut mieux à tel point que l'environnement terrible existant ne soit pas aggravé par cette construction, mais se transforme en quelque chose d'humain. Et à l'intérieur, toute la pièce est recouverte de boîtes, sauf pour le sol, mais y compris le plafond. En guise d'avertissement. Honnêtement, ce n'est que "notre réponse" à l'exposition du plan directeur. Si vous y allez (dans la Galerie nationale Tretiakov) maintenant et regardez, vous pouvez vous assurer qu'ils vont déjà construire un bon panneau.
A proximité se trouve l'objet Meganoma, le plus beau et le plus délicat au sens littéral du terme. Il s'agit d'une maison parallélépipédique en papier épais, découpée de fines ornements, aux fenêtres entrouvertes. Il brille très bien, le papier est légèrement, les fentes sont plus solides et ressemble à une lanterne. A proximité, sur la bande de la surface également lumineuse, il y a des croquis et des "dessins" de la lanterne de la maison. Il s'appelle - Kabanon. C'est un mot français qui signifie «petite hutte» et en argot cela signifie «prison». Il existe également une série de bandes dessinées et un tableau de Cézanne portant ce nom. À l'installation de Meganoma, il semble que nous ayons affaire à une hutte.
L'équipe DNA a créé une image du quartier avec des briques. Une brique - une maison bloquée. Sous eux se trouve un verre vert lumineux, apparemment de l'herbe, mais il a l'air dur, bien qu'il disperse des réflexes colorés autour de lui. La vie, coulant dans des blocs de briques, est dessinée en silhouettes noires sur des plaques transparentes superposées les unes aux autres. Si vous regardez tout ensemble, cela s'avère être de la vanité; si vous le regardez séparément, vous obtenez des croquis d'intrigue.
Il y a trois objets montrant de vrais projets. Nikolay Lyzlov a mis la maison dans la rue. Ordzhinikidze, lui montrant un très petit modèle en bronze. La disposition, cependant, est intéressante en ce qu'elle vous permet de regarder cette maison différemment - il s'avère qu'elle est parsemée de saillies de baies vitrées carrées identiques. Dans le projet et dans la réalité, cette similitude - et cette simplicité de forme, est cachée par la coloration.
Vladimir Plotkin était le plus laconique de tous, ayant présenté un projet - une partie du village de Zarechye, qui est actuellement conçu par TPO "Reserve".
Une chose semble être une transition entre un objet et une exposition d'un projet architectural. Sergey Skuratov a accroché une grande bande de papier au mur - une impression des rendus de ses projets. Ci-dessus, avec un stylo et de l'encre noire - quelque chose est imprimé, quelque chose est écrit; une partie de l'écriture est de Kafka. Le ruban s'accroche au mur, mais verticalement en japonais, et s'étire le long du sol, il faut marcher dessus. Le résultat est un projet typiquement russe - entre l'est et l'ouest. Et notez que voici le plus d'informations sur les travaux de l'atelier.
Ainsi, l'exposition au nom difficile à prononcer Persimfans a absorbé presque toutes les installations qui sont venues à la part d'Arc de Moscou cette année dans sa réincarnation «biennale». D'une part, c'est bien - tous les représentants du genre, qui ne présupposent pas une manière plus créative qu'analytique de comprendre le sujet, sont réunis. Dans la Ruine, ils sont certainement mieux lotis que sur le puits de Crimée. L'intérieur est propice à la visualisation et à la réflexion, les objets y sont plus beaux et ils sont plus éloignés de l'agitation d'une exposition commerciale. L'exposition a gagné en déménageant à Vozdvizhenka, mais la Maison centrale des artistes a perdu quelque chose d'important.
l'exposition se déroulera jusqu'au 22 juin