Du côté russe, avec le musée, l'exposition a été préparée par la Fondation d'avant-garde russe, côté brésilien - par l'atelier de Niemeyer, sa fondation, ainsi que par l'ambassade du Brésil en Fédération de Russie. Cet événement conjoint russo-brésilien vise à attirer à nouveau l'attention sur l'extraordinaire personnalité du patriarche de l'architecture du XXe siècle et sur son œuvre.
L'exposition est dédiée au 100e anniversaire de l'architecte, qui, à son âge vénérable, continue de concevoir et même - il y avait de telles rumeurs - pensait venir à Moscou pour cet anniversaire. La visite n'a pas eu lieu - et l'architecte, célébrant son 100e anniversaire à la casa de Canoes, construite selon sa propre conception, a écouté les félicitations de Moscou au téléphone. Mais le petit-fils de Niemeyer, Kadu, a assisté à l'ouverture, qui, en fait, a appelé pour féliciter son grand-père. Beaucoup sont venus à la journée d'ouverture spécifiquement pour être présents à cette action. Certes, personne n'a entendu la voix de la célébrité, mais tout le monde a eu l'occasion de féliciter personnellement Niemeyer, en criant "hourra" en chœur dans le combiné du téléphone.
Le paradoxe est qu'Oscar Niemeyer - le dernier représentant du «modernisme héroïque», un communiste pratiquant de nos jours, convaincu de la «pierre», n'a rien construit d'autre qu'un petit monument en 2004. Après l'arrivée au pouvoir de la dictature militaire au Brésil, Niemeyer a vécu en France et a beaucoup travaillé pour le Parti communiste français, et un peu plus tard pour le Cubain. En URSS, l'architecte ne travaillait pas, bien qu'il ait reçu le prix Lénine en 1963 - le remettant à distance, au Brésil. Mais dans l'architecture soviétique des années 1970, beaucoup a été emprunté à Niemeyer - des virages massifs, des dômes en béton et de vastes places en béton, au milieu desquelles il fait si froid en hiver.
L'exposition, qui s'est ouverte dans la suite du Musée d'architecture, est aussi émouvante et poétique que l'œuvre du grand moderniste brésilien lui-même. Il présente 40 œuvres sélectionnées, à la fois des bâtiments et des projets - les plus significatifs, selon le commissaire de l'exposition, l'historien de l'architecture brésilien Marcos de Lontra Costa. Une grande partie de l'exposition remonte aux années 2000 - afin de montrer qu'Oscar Niemeyer travaille toujours activement sur des projets pour le Brésil et d'autres pays: cette année seulement, la construction de plusieurs de ses nouveaux bâtiments à Brasilia et Niteroi a été achevée.
L'architecture est représentée dans de grandes images en couleur, des photographies de bâtiments et des visualisations de projets, qui alternent avec des mises en page lapidaires entièrement blanches. Les dates de conception de chaque structure ne sont pas signées - ce qui renforce l'effet intemporel inhérent à l'architecture de Niemeyer, cependant, l'exposition est chronologiquement divisée en 5 étapes et généreusement diluée avec des textes - de Niemeyer et de Niemeyer, ainsi que de résister à toute Matisse agrandie- dessins de style de l'architecte, dont les héros - mains humaines et corps féminins - peuvent, si on le souhaite, être discernés dans presque tous les bâtiments et projets présentés ici.
Parmi les textes, beaucoup sont consacrés aux problèmes sociopolitiques: le fervent communiste Oscar Niemeyer, ami de Fidel Castro et d'Hugo Chavez, appelle avec une égale ferveur les jeunes architectes à s'exprimer de manière créative et à lutter contre les inégalités sociales, «l'empire Bush et d'autres manifestations d'injustice et d'impérialisme. Ses déclarations sociales sont pleines de sincérité et de conviction, l'architecte pense à son travail sans lutte, ce qui fait que l'œuvre de Niemeyer semble être une fusion inséparable de sensualité latino-américaine, de pathétique gauche et d'architecture «sculpturale» laconique - l'un est impossible sans l'autre, qui, en fait, affirme le célèbre moderniste brésilien dans ses déclarations à des moments différents. Un catalogue volumineux a été publié pour l'exposition, qui reflète presque entièrement son contenu.
Comme toute exposition monographique, «La poésie de la forme» fait réfléchir sur le rôle que Niemeyer a joué dans le développement de l'architecture mondiale. L'exposition au MUAR commence avec le complexe de Pampulle au début des années 1940, et le bâtiment du ministère de l'Éducation et de la Santé à Rio de Janeiro, sur le projet duquel le jeune Niemeyer a travaillé avec Le Corbusier dans les années 1930, reste hors des crochets..] la relie au "mouvement moderne" de l'architecture européenne. En conséquence, lors de l'exposition, l'architecte brésilien apparaît comme un auto-formé, sans influence extérieure et une période précoce de développement.
La plupart des travaux de l'architecte démontrent diverses utilisations des formes curvilignes - c'est la base de la contribution personnelle de Niemeyer à l'architecture moderne. L'extraordinaire plasticité de ses bâtiments, qui les rapproche des sculptures, est très séduisante: après tout, l'architecte lui-même appelle la beauté le but de son travail. Il parle également du rôle de la poésie et des émotions dans la conception architecturale. Ses musées à Niteroi, Brasilia, Curitiba, les bâtiments publics de Sao Paulo, Le Havre, Constantin, le même Brasilia - ressemblent à des décorations des villes où ils se trouvent. Niemeyer appelle même à la prudence en architecture de paysage et en aménagement paysager en général: après tout, ses propres bâtiments sont plus beaux au milieu d'énormes dalles d'asphalte ou de béton, sur fond de ciel lumineux du sud.
Mais leurs formes catégoriquement laconiques, avec une absence presque complète de détails qui permettraient à une personne de se rapporter à ces bâtiments étonnants et d'évaluer leur taille réelle, les font souvent ressembler à d'énormes modèles. Les photographies et les rendus en trois dimensions des projets de Niemeyer qui sont accrochés côte à côte à l'exposition sont très similaires - même trop similaires pour une architecture réelle et imaginaire.
L'importance déterminante de la liberté de création pour un artiste, dont l'architecte parle souvent, suggère que Niemeyer, qui a commencé ses études en tant qu'artiste, travaille dans les catégories des beaux-arts et non de l'architecture. Son jeu avec les formes curvilignes et les volumes géométriques aboutit souvent à une contradiction entre l'apparence et la solution de l'espace intérieur du bâtiment - et parfois sa fonctionnalité. Par exemple, l'hémisphère spectaculaire du Musée de la République (2004-2007) à Brasilia est mal adapté à l'exposition de peintures ou de graphiques: les murs légèrement incurvés de ses conservateurs intérieurs forcent à inventer des options spéciales pour les œuvres suspendues. Niemeyer apparaît donc de manière inattendue comme le premier d'une cohorte d'architectes-artistes, pour qui l'expérience formelle joue un rôle majeur dans la créativité, et la fonctionnalité et l'orientation vers le futur «utilisateur» du bâtiment n'ont qu'une importance limitée. Parfois Oscar Niemeyer est ajouté comme quatrième à la «triade» des génies architecturaux du XXe siècle: Le Corbusier, Ludwig Mies van der Rohe et Alvar Aalto. Mais il semble plus juste de l'associer à une série de jeunes contemporains, dont on peut nommer Frank Gehry ou Daniel Libeskind, qui étaient également friands de recherche de formes nouvelles, plastiques et efficaces au détriment de la finalité utilitaire du bâtiment.. Si nous acceptons ce raisonnement, alors le grand architecte aîné brésilien Oscar Niemeyer - le grand-père de la curvilinéarité moderne, à l'âge d'un siècle ne lâche pas gaiement un crayon - est plus que digne de ses honneurs, il est vraiment un légende vivante.
